Il y a des albums qui cherchent la puissance. D’autres la perfection. Head for a Fall, lui, cherche autre chose : une vérité émotionnelle.
Et c’est probablement ce qui le rend aussi profondément humain.

Le premier album de Harvestime ne donne jamais l’impression d’avoir été pensé pour séduire ou démontrer. Il avance plutôt comme une lente traversée mentale, un disque habité par la fatigue intérieure, les relations fissurées, les pensées obsessionnelles et cette sensation contemporaine d’exister dans un monde où tout semble légèrement déplacé, instable, trop rapide ou déjà usé.

Dès Roses of Despair, Harvestime installe un climat de confusion émotionnelle et d’enfermement psychique :

“Leave me alone inside my head”

Tout l’album semble contenu dans cette phrase.
Les personnages de Head for a Fall vivent enfermés dans leurs propres pensées, incapables de communiquer clairement leurs blessures, oscillant sans cesse entre désir de lien et besoin de retrait. Et plutôt que de transformer cette douleur en grand spectacle dramatique, le groupe choisit la retenue. Les morceaux respirent, hésitent, montent lentement avant d’exploser par vagues successives — exactement comme ces émotions que l’on croit maîtrisées avant qu’elles ne débordent.
L’influence de Deftones apparaît naturellement dans cette manière de construire la tension davantage par l’atmosphère que par la démonstration de force. Les guitares semblent imaginées comme des masses mouvantes, tantôt aériennes, tantôt étouffantes, toujours suspendues entre mélodie et saturation.

Et la basse 5 cordes donne au disque cette profondeur presque organique qui traverse des morceaux comme Darkside ou Lupa. On imagine pour le reste de l’album des lignes lourdes, enveloppantes, capables de maintenir une tension sourde même dans les passages les plus calmes.

La chute comme état permanent

Le titre même de l’album agit comme une promesse Head for a Fall. Non pas une chute spectaculaire, mais une trajectoire. Quelque chose que l’on poursuit malgré les avertissements, comme si les personnages du disque étaient incapables de modifier leur propre mouvement intérieur.

Le morceau-titre le dit explicitement :

“The road ends, the bridge is broken”

Harvestime explore ici une forme d’autodestruction lente, presque inconsciente. Les figures, qui traversent l’album, refusent de regarder leurs blessures. Elles déplacent leur culpabilité et sabotent leurs relations ou tentent simplement d’anesthésier leurs émotions.

Dans Lupa, la souffrance devient contamination mentale :

“The vampire disease”

Le morceau évoque la dépression comme une corrosion progressive de l’identité.
“Rotting in your mind”, dont la voix mélodique devient l’un des éléments les plus importants du disque. Le chant ne cherche jamais l’explosion démonstrative ; il flotte constamment entre fragilité et tension, donnant aux morceaux une sensation de vulnérabilité permanente.

Et c’est précisément cette retenue qui rend les moments plus lourds aussi efficaces.
Quand Harvestime explose, ce n’est jamais gratuit. La saturation semble toujours surgir d’un trop-plein émotionnel longtemps contenu.

Le bruit du monde moderne

Mais Head for a Fall ne reste pas enfermé dans l’intime.
Au fil des morceaux, le disque élargit progressivement son regard vers les mécanismes sociaux qui nourrissent cette fatigue intérieure.

All Liars introduit déjà un climat de défiance morale :

“Distortion of the truth”

Tandis que Utopia transforme le monde contemporain en système truqué :

“It’s as if someone is cheating the game”

Le morceau fonctionne presque comme une hallucination paranoïaque du capitalisme moderne : cartes manquantes, argent disparu, règles biaisées, injonction permanente à participer au système sans jamais le questionner.

Mais là encore, Harvestime évite soigneusement le discours militant simpliste. Le groupe préfère les fragments, les impressions, les répétitions. Comme si le monde extérieur lui-même devenait une boucle mentale supplémentaire.

Et Darkside pousse cette logique jusqu’à l’épuisement existentiel :

“Barely time to breathe
A new wave arrives”

Probablement l’un des morceaux les plus réussis du disque. Le temps y devient mécanique : soleil, lune, répétition, fatigue, surcharge.

Harvestime capte parfaitement cette sensation moderne de vivre dans un cycle continu d’obligations où l’on finit par ne plus savoir si l’on existe réellement :

“Only have free time at night / When you don’t know you’re alive”

Rarement l’épuisement contemporain aura été exprimé avec autant de simplicité.

Relations toxiques et prédateurs émotionnels

L’autre grande force de Head for a Fall, c’est sa manière d’aborder les relations humaines sans romantisme naïf. Dans Propaganda, l’amour ressemble déjà à une mécanique usée :

“Kiss Kiss Fight”

Les relations deviennent performatives, répétitives, vidées de leur authenticité. Puis Predator pousse cette logique vers quelque chose de beaucoup plus sombre encore : domination, manipulation, fascination pour le danger émotionnel. Le morceau adopte le point de vue du prédateur lui-même :

“Run away, hide, run away”

Et derrière cette menace flotte une sensualité toxique très maîtrisée. Ici encore, l’influence de la scène alternative américaine des années 90 se fait sentir, notamment dans cette capacité à mélanger le désir, la violence, la fragilité et le danger.

Une production imparfaite mais vivante

La production de Head for a Fall n’est pas irréprochable. Par moments, le disque manque de précision ou de puissance pour pleinement porter l’ambition émotionnelle des morceaux. Mais paradoxalement, cette légère rugosité sert aussi l’identité du groupe.

Parce que Harvestime ne sonne jamais clinique. Le disque conserve de l’air, des aspérités, une sensation organique,
qui renforcent l’impression d’écouter un album sincère plutôt qu’un produit entièrement lissé. Dans un paysage rock souvent obsédé par la compression parfaite et les productions gigantesques, cette fragilité technique finit même par devenir touchante.

Et derrière cette architecture émotionnelle, le jeu de batterie apporte une respiration essentielle : jamais démonstrative, mais constamment au service des dynamiques du disque, des montées lentes et des explosions contenues.

La lumière à travers les fissures

Puis vient Glass. Et soudain, après tant de tensions, de boucles mentales et de désillusions, l’album laisse enfin entrer quelque chose qui ressemble à de la clarté.

“Messy me outside
Crystal clear inside”

Magnifique conclusion, parce qu’elle ne cherche jamais la guérison totale. Les blessures restent là. La fragilité aussi. Mais le disque semble enfin accepter que l’on puisse continuer à vivre avec ses fissures sans forcément chercher à les masquer.

“Grown in the light
Carried by mountains”

Après un album souvent nocturne et étouffant, cette ouverture vers la lumière agit comme une respiration finale. Et c’est peut-être là toute la réussite de Head for a Fall : Harvestime ne transforme jamais la douleur en posture esthétique vide. Le groupe préfère explorer ce qu’il reste d’humain à l’intérieur du chaos commes les souvenirs, les tensions, les relations abîmées, les fatigues modernes et cette envie persistante de continuer malgré tout.

Un disque imparfait, dense, sincère — et précisément pour cela profondément vivant.

Vous pouvez également lire la chronique d’Hubert Jaulin à propos de Head for a Fall :
https://www.fppa.fr/chronique-de-hubert-jaulin/harvestime-head-for-a-fall-album/

Retrouvez l’album de Harvestime « Head for a Fall » en écoute sur le site

https://linktr.ee/harvestime

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Harvestime : les vertiges de l’intérieur
Chronique de Yaël « Grave Clave » Mothes

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Cargo « Terrien » chronique d’un monde qui s’épuise

Il y a des albums qui cherchent encore à divertir. Terrien, lui, semble vouloir témoigner.
Le troisième disque du groupe bordelais Cargo n’avance ni masqué, ni décoratif. Il regarde le monde droit dans les yeux — ses fractures écologiques, ses violences sociales, sa fatigue humaine — mais sans jamais transformer ce regard en démonstration froide. C’est peut-être là sa plus grande force : faire de l’inquiétude contemporaine une matière profondément sensible. Car Terrien n’est pas un manifeste. C’est un disque habité.

Dès le morceau-titre, Cargo pose ce qui deviendra la grande tension de l’album : l’opposition entre l’enracinement et la déconnexion moderne. La figure de cet homme qui “retourne la terre” comme “le faisaient ses pères” agit moins comme une nostalgie rurale que comme le rappel d’un rapport ancien au réel — un rapport concret, physique, cyclique. Ici, la terre n’est pas un symbole abstrait : elle est travail, mémoire, transmission.

« Ici on oublie tout / Sauf d’où l’on vient »

Rarement une phrase aura aussi bien résumé l’esprit du disque. Car chez Cargo, être “terrien” ne relève pas d’une identité folklorique ou d’un retour romantique à la nature. C’est presque devenu une résistance. Résister au bruit permanent, à l’accélération, à la saturation technologique. Quand le morceau bascule soudain dans un vocabulaire de “bandes passantes”, d’ondes et de flux numériques, le contraste devient brutal. Le groupe oppose alors deux mondes : celui du geste et celui du réseau.
Mais jamais de manière simpliste. Cargo sait que nous appartenons déjà aux deux. Cette ambivalence traverse tout l’album.

Le bruit du monde

Au fil des morceaux, Terrien compose ainsi une véritable cartographie de l’époque contemporaine. Une époque où l’humanité semble parfaitement consciente de la catastrophe — mais incapable de modifier sa trajectoire.
Dans Ondeline, probablement l’un des morceaux les plus beaux du disque, les nuages “pleurent du spectacle d’en bas” tandis que les hommes continuent d’avancer :

« Puisqu’on ne comprend pas on y va tout droit »

Toute la tragédie moderne tient dans cette ligne. Nous savons, mais nous persistons.
Cargo touche ici à quelque chose de profondément actuel : cette sensation étrange d’assister lucidement à l’effondrement écologique, social ou moral du monde, tout en continuant malgré tout à participer à sa mécanique. Et plutôt que de transformer cette intuition en discours militant, le groupe choisit la poésie inquiète, les images flottantes, les refrains qui tournent comme des pensées obsessionnelles.
L’ombre de Humain, trop humain plane d’ailleurs explicitement sur le morceau, comme si Cargo cherchait à montrer une humanité prisonnière de ses propres contradictions :

« Toujours plus toujours pour rien »

Cette phrase pourrait presque devenir le sous-titre de l’album.

Les corps oubliés

Mais Terrien ne se contente pas de parler d’effondrement abstrait. Le disque revient sans cesse aux corps, aux existences invisibles, aux vies usées par les logiques économiques contemporaines.

Tsunami est sans doute le morceau le plus frontalement politique du lot. Le capitalisme y apparaît comme une machine autonome, froide, lancée dans sa propre fuite en avant :

« Cash Flow Cash Flow
Business Angels The Finance Corporate »

Le langage économique devient un bruit mécanique, désincarné, récité comme une liturgie absurde pendant que “la planète engloutie” disparaît sous les suies toxiques. Pourtant, même ici, Cargo refuse le slogan facile. Ce qui traverse le morceau, ce n’est pas seulement la colère ; c’est une immense fatigue morale face à un système devenu incapable de regarder les dégâts qu’il produit.

Cette même fatigue irrigue Ultramètre, l’un des titres les plus sombres du disque.
Le morceau donne voix aux “forgotten people”, ceux qui travaillent dans “la graisse des cuisines sordides” ou “la poussière des usines obscures”. La répétition permanente des phrases crée une sensation d’enfermement presque physique. On n’y trouve plus d’horizon, seulement la répétition des jours, du travail et des dettes.

« This man work and pay all day long and even at night »

Le travail ne permet plus de vivre ; il permet seulement de continuer à payer.

Et c’est précisément là que Terrien devient bouleversant : Cargo ne parle jamais des grandes catastrophes sans revenir immédiatement à leurs conséquences humaines concrètes. Derrière les systèmes, il y a toujours des corps fatigués, des gestes répétitifs, des existences reléguées dans l’angle mort du progrès.

Une musique de la tension

Musicalement, cette vision du monde trouve un écho particulièrement cohérent. Cargo construit un rock tendu, organique, sans surcharge. On imagine des guitares rugueuses, des rythmiques insistantes, des morceaux qui avancent davantage par pression continue que par explosion spectaculaire.

Et c’est sans doute le choix le plus juste.

Car Terrien n’est pas un album de démonstration. Il travaille plutôt l’usure, la répétition, la persistance des inquiétudes. Même les textes fonctionnent ainsi : refrains martelés, motifs récurrents, phrases qui reviennent jusqu’à devenir presque des mantras modernes.

Dans Motoridles, morceau minimal et fiévreux, quelques lignes suffisent à installer une sensation de perte affective et d’urgence nerveuse :

« I want you I want you I want you »

Là encore, Cargo privilégie l’impact brut plutôt que la sophistication littéraire. Et cette économie de moyens donne parfois aux morceaux une intensité presque post-punk.

Habiter le réel

Ce qui impressionne finalement dans Terrien, c’est sa cohérence profonde. Peu de groupes parviennent aujourd’hui à parler du monde contemporain sans tomber : soit dans le cynisme désabusé, soit dans le discours militant illustré.

Cargo évite les deux pièges. Le groupe choisit une voie plus rare : celle d’une inquiétude incarnée. Une inquiétude qui passe par les paysages, les corps, les machines, les éléments naturels, les gestes quotidiens. Terrien regarde un monde épuisé, saturé de flux, d’exploitation et de bruit — mais continue malgré tout à chercher ce qui pourrait encore relier les hommes à quelque chose de tangible.

La terre. Le vivant. Les autres.

Et peut-être est-ce cela, au fond, le véritable sujet de l’album : non pas l’effondrement lui-même, mais la difficulté croissante à rester humain au milieu de lui.

Un disque dense, tendu, profondément contemporain — et qui rappelle que le rock peut encore être un lieu où penser, sentir et résister sans jamais cesser de vibrer. Cargo « Terrien » chronique d’un monde qui s’épuise.

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Cargo « Terrien » chronique d’un monde qui s’épuise

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Il y a des disques qui cherchent à convaincre immédiatement. Des disques pensés pour l’efficacité, le réflexe, l’instant. Note Blanche, lui, avance autrement.
Le nouvel EP de Blacktong ne cherche jamais le confort. Il préfère les failles, les débordements, les zones émotionnelles instables. Et c’est précisément ce qui le rend aussi singulier dans le paysage du rock français actuel.

Dès la pochette, quelque chose intrigue. Une maison rouge perdue dans un décor presque irréel. Des feuilles blanches emportées par le vent. Une chouette qui traverse l’image comme une présence silencieuse. Tout semble suspendu entre refuge et disparition. Entre mémoire et vertige. Exactement comme les morceaux qui composent l’EP.

Ce visuel raconte déjà beaucoup de choses sur Blacktong. Le groupe bordelais ne travaille pas dans le réalisme brut. Il construit plutôt des paysages émotionnels. Des espaces mentaux. Des chansons qui ressemblent à des lieux habités par la fatigue, les souvenirs, les tensions affectives, la colère. Et ce besoin presque désespéré de préserver quelque chose d’humain au milieu du chaos contemporain.

Disponible en streaming mais également en vinyle, Note Blanche apparaît immédiatement comme un disque pensé pour être traversé d’un seul mouvement. On sent une volonté de continuité émotionnelle. Une progression intérieure. Rien ici ne ressemble à une simple collection de morceaux isolés.

Et après une release party organisée le 29 avril 2026 à Villenave-d’Ornon, Blacktong confirme aussi son ancrage dans une scène indépendante encore profondément vivante. Une scène où les chansons existent autant sur scène que dans les écouteurs. Une scène où l’on continue de croire à la force physique du rock.

Le langage des blessures

Le morceau d’ouverture, Note Blanche, agit comme une déclaration d’intention.

« À toi la môme aux yeux luisants d’avenir »

Dès les premières lignes, le groupe impose une écriture dense, mouvante, presque fiévreuse parfois. Les textes avancent par fragments. Les images surgissent puis disparaissent. Le langage parlé côtoie des visions beaucoup plus littéraires. Et cette collision permanente donne au disque une vraie personnalité.

Blacktong écrit des chansons qui refusent de se figer dans un seul état émotionnel.
Les morceaux oscillent constamment entre tendresse et rage, entre lucidité et abandon, entre désir de fuite et besoin de lien.

Le chant féminin au centre du projet joue énormément dans cette sensation d’instabilité émotionnelle. La voix ne cherche jamais la démonstration technique ou la puissance forcée. Elle paraît au contraire constamment traversée par quelque chose de fragile. Une tension intérieure permanente. Une manière de chanter qui donne parfois l’impression que les morceaux pourraient se désagréger à tout moment.

Et c’est précisément cette fragilité qui les rend crédibles.

La maison intérieure de La Baraque

Puis arrive La Baraque, probablement l’un des sommets émotionnels de l’EP.

Le morceau transforme l’intime en véritable espace de combustion affective.
La “baraque” devient à la fois refuge, prison, territoire mental, lieu de dépendance mais aussi dernier endroit où continuer à ressentir quelque chose malgré les blessures.

« Dans ma baraque pleine de sensations »

Cette phrase résume presque tout l’univers de Note Blanche.
Chez Blacktong, les émotions ne sont jamais propres ou parfaitement définies. Elles débordent, se mélangent et contaminent tout.

L’invention du mot “Tendr’haine” est d’ailleurs très révélatrice de cette logique.
Le groupe refuse constamment de séparer l’amour et la violence, la douceur et la destruction, le désir et le ressentiment.

Et c’est ce qui donne au morceau une profondeur rare. La Baraque ne parle pas seulement d’une relation compliquée. Il parle de cette étrange dépendance émotionnelle qui pousse parfois à retourner vers ce qui nous abîme simplement pour continuer à se sentir vivant.

Musicalement, on imagine parfaitement le groupe jouer sur les montées lentes, les respirations, les changements de dynamique et les explosions retenues.

Le format guitare / basse / batterie permet justement à Blacktong de conserver quelque chose de très organique. Rien ne semble figé. Les morceaux avancent comme des corps nerveux.

Le vertige verbal de Vouloir

Mais c’est probablement avec Vouloir que l’EP atteint son point de bascule.

Accompagné au piano par L’Artisan Chansonnier, le morceau dépasse rapidement le simple cadre du rock alternatif pour devenir une véritable spirale mentale.

« Vouloir comprendre
Vouloir entendre
Vouloir saisir »

Le mot “vouloir” revient sans cesse jusqu’à devenir presque obsessionnel.
Le texte fonctionne comme une accumulation incontrôlable : vouloir aimer, vouloir changer, vouloir guérir.

Blacktong capte ici quelque chose de profondément contemporain : l’impossibilité de calmer le désir humain. Tout semble devoir être vécu, compris, ressenti, possédé, dépassé.

Et le morceau devient progressivement une immense litanie de frustrations, de contradictions et d’aspirations impossibles à résoudre.

Le piano de L’Artisan Chansonnier joue alors un rôle fondamental. Il apporte de l’espace, de la respiration et une forme de tension harmonique, au milieu du débordement verbal.

Les passages en arpèges créent des zones suspendues avant que le texte ne replonge dans ses propres boucles mentales.

Rarement le rock français récent aura osé une telle densité textuelle sans tomber dans la pose intellectuelle ou le maniérisme vide.
Parce que chez Blacktong, tout semble partir d’un besoin réel. D’une urgence émotionnelle. Le groupe ne cherche jamais à impressionner par les mots. Il cherche à traduire un état intérieur devenu trop vaste pour rester silencieux.

Note Blanche, la beauté nerveuse des fissures

L’ailleurs, la fuite et les ruines modernes

Le reste de l’EP prolonge cette même sensation de mouvement permanent.

Somewhere Else apporte une respiration plus mélancolique. Le morceau parle du départ, de l’éloignement, du besoin de quitter certains espaces pour survivre émotionnellement.

“Feeling alone, meanwhile I feel free”

Très belle ligne, parce qu’elle résume parfaitement la contradiction qui traverse tout le disque :
la liberté implique souvent la solitude.

Puis Chacun son train referme l’EP avec une lucidité presque désarmée.

« Chacun son wagon, son siège et ses jouets »

Le morceau reconnecte brutalement l’intime au collectif.
Le monde décrit par Blacktong apparaît fragmenté, fatigué, saturé de charge mentale et prisonnier de cycles émotionnels et sociaux qui se répètent sans cesse.

Mais malgré cette noirceur diffuse, le groupe refuse toujours le cynisme absolu. Les morceaux continuent de chercher une possibilité de lien et une forme de sincérité. Ou simplement une manière de continuer à aimer sans totalement se perdre.

Et c’est probablement là que Note Blanche touche le plus juste.

Un disque profondément artisanal

L’EP a été enregistré, édité, produit et mixé par Yaël Mothes. Et cela s’entend immédiatement.

Le disque conserve des aspérités, de l’air, une respiration organique, loin des productions ultra-lissées qui dominent souvent le rock actuel.

Le mastering assuré par Alexis Bardinet de Globe Audio Mastering permet justement à cette matière émotionnelle très dense de rester lisible sans perdre sa rugosité.

Et cette fabrication artisanale prolonge naturellement l’évolution du groupe depuis Mademoiselle O. Là où ce précédent disque semblait encore attaché à une figure centrale ou à une narration identifiable, Note Blanche paraît beaucoup plus fragmentaire, plus sensoriel, presque impressionniste par moments.

Dès lors, Blacktong semble désormais écrire des chansons comme on écrit des éclats de mémoire ou des journaux de tension intérieure.

Le vertige comme forme de sincérité

Au fond, Note Blanche est un disque sur l’impossibilité de stabiliser quoi que ce soit : les relations, les désirs, les souvenirs, les identités ou même les certitudes que l’on croyait solides.

Tout vacille constamment. Mais Blacktong transforme ce vacillement en langage artistique. Le groupe refuse les émotions prémâchées, les refrains décoratifs, les résolutions faciles et les postures artificielles.

À la place, il propose des chansons qui acceptent l’excès, les contradictions, les débordements, les hésitations et les blessures ouvertes.

Et dans une époque obsédée par la vitesse et l’immédiateté, cette fragilité devient presque un geste politique.

Note Blanche n’est pas un disque parfait.
C’est beaucoup mieux que ça.

C’est un disque vivant.

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Note Blanche, la beauté nerveuse des fissures

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Chronique de l’album Head for a fall par Hubert Jaulin
Avril 2026

Le temps de la récolte est venu !

Après avoir passé des mois à s’appliquer à planter les graines d’un album, s’être échiné à construire une cohérence avec authenticité et minutie, la sortie d’un album sonne à la fois comme une finalité et le début d’un nouveau chemin.

Harvestime, groupe bordelais de metal a choisi un artwork d’album qui semble représenter ce long chemin qui mène à un avenir souriant.

Head For a Fall, sorti en septembre 2025 est le fruit de 4 membres engagés. Au chant on retrouve Jessica qui explore aussi bien la fragilité que la puissance et l’assurance. Elle est accompagnée par un guitariste, Eric, porteur de mélodies nostalgiques et de riffs conçus pour satisfaire tout.e bon.ne head-bange.use.r qui se respecte !

On retrouve sur la section rythmique Damien à la batterie virevoltante (qui a cédé la place à Yaël récemment) et un impressionnant Florian à la basse.

Roses of Dispair

Le premier morceau de cet opus « Roses of Dispair » démarre par une intro bucolique teintée de nostalgie d’un temps calme révolu. Le texte démarre et confirme cette impression. On y entend Jessica s’interroger sur ce qui ne va pas chez elle dans sa relation avec celui ou celle à qui elle s’adresse.

A celles et ceux qui imaginent la jeune femme éconduire son interlocuteur.ice en mode « ce n’est pas toi qui ne fait pas ce qu’il faut, c’est moi » peuvent commencer à ranger leur empathie doublée de jugement viriliste pour cette femme qui « ne se sent pas assez bien pour l’autre ». T’as cru que tu écoutais un groupe de dark romance ?

T’inquiète, Jessica s’échauffait. Ça tombe bien, le groupe faisait de même. Fini le son très pop mélodique. Après une belle harmonique à la guitare, tout le monde s’énerve. Ça balance du gros son, une rythmique sèche et définitive et la descente d’un demi-ton en fin de phrase change le décor. La victime n’est pas du côté que l’on croit. Jessica a des comptes à régler et son interlocuteur.ice n’a pas voix au chapitre. « if I hurted you, then I let you hill ». C’est clair ?

Ce premier morceau pose de suite les bases de leur musique. Pas de concession. Pas d’accord. C’est cash macache !

Allez Harvestime, envoie la suite, je suis tout ouïe !

All Liars

Le second morceau All Liars ne prend pas de gants pour envoyer direct ! Un break de batterie et tout le monde rentre dedans. Le riff principal, saccadé et porté par une belle descente tire tout le monde vers le grave (« Le grave c’est la vie » aurait pu dire Karadock s’il avait vécu un temps où on pouvait électriser les luths) !

C’est le moment de mettre les poings, non pas sur les i, mais dans la gueule de ceux qui se permettent de nous vendre un narratif perverti de la réalité. Les menteurs peuvent aussi bien être des quidams lambda que des puissants, si tu mens tu prendras ton retour de bâton, sans doute lancé avec force et précision par le groupe 

L’ambiance musicale est au diapason pour envoyer sa sentence. La section rythmique est imparable pour soutenir le riff gras du guitariste.

Le premier pont soutenu par un petit passage de slap bien senti qui enchaine sur une liaison calme et progressive à la guitare semble préparer à l’estocade finale que Jessica répète « Let’s pretend it is not all true ». Comme une inversion des rôles. Alors menteur, prouve que je mens !

Je déclare Harvestime vainqueur par K.O.

Lupa

Lupa, troisième titre de l’album, évoque un combat perdu d’avance où seule la fin est espérée tant la lutte est douloureuse (pas la fin du morceau, hein… de la vie de son personnage. Merci de faire un petit effort pour me suivre sinon ça va être long. Je sais ce n’est pas l’plus simple). Si la joie n’est pas convoquée, la musique qui accompagne le morceau ne ressemble en rien à un renoncement.

On y ressent une certaine urgence appuyée par la basse qui suit le riff de guitare tout en appuyant cette course vers une issue espérée. La batterie saccadée et précise renforce encore ce sprint. Les couplets sont intenses et très efficaces. Les refrains désespérés au chant eux sont plus mélodieux comme l’issue presque heureuse qu’ils évoquent. Le pont est superbe, profond et prenant toute la place au diapason des pensées qui semblent tourner dans la tête de Lupa. Le dernier refrain est sublimé après ce pont tendu et très rythmique. Son côté plus mélodique donne un sentiment de sérénité et d’apaisement à la fin du morceau. Bien vu !

Head for a Fall

Vient ensuite Head For A Fall que je comprends comme un hymne à la prédétermination. SI tu pars en victime, n’espère pas être autre chose. Le tout est envoyé comme une description factuelle sans proposition de solution. Harvestime n’est pas là pour ça. Si tu veux changer, sors toi les doigts et fonce. En tout cas, musicalement c’est aussi direct que l’uppercut du texte pour celui ou celle qui en est destinataire. Notons la fin du morceau encore plus percutante avec un rythme du chant aussi syncopée et précis qu’une rafale définitive lâchée à bout portant.

The Line

Passons ensuite à The line et allons-y avec gourmandise parce qu’il en faudra pour apprécier les multiples couches de sons du morceau. Les riffs s’enchainent, les structures rythmiques sont toutes plus entraînantes les unes que les autres. Quelle générosité ! Le morceau est un banger ! Voilà un batteur qui a moyen de finir crevé à la fin du morceau. La syncope est à l’énergie rock ce que l’autotune est au manque de talent. Mention spéciale aux chœurs discrets mais bienvenus sur les refrains.

Darkside

Darkside prend la suite. Le morceau évoque la course infernale du temps et notre difficulté à faire pause même si ça ne serait pas une mauvaise idée. La guitare évoque bien cette inexorable boucle ultra rapide. La basse et la batterie semblent tenter de lutter contre ce cycle infernal. Pourtant au moment des refrains, on sent bien que le combat est perdu et tout le monde tente de s’aligner dans la souffrance pour suivre le rythme effréné imposé. J’aime bien ce sentiment de cohérence entre l’histoire racontée par le chant et celui exprimé par les musiciens. Au passage la virtuosité des musiciens explose une fois de plus.

Propaganda

Propaganda démarre sur un riff de gratte qui sent bon le stoner. Mais dès qu’il est rejoint par la section rythmique, le stoner a fui sans demander son reste face à un métal qui sort comme un diable de sa boîte. Il y a un côté néo métal dans le son compressé de la basse qui colle tellement bien au morceau. Le refrain me prend par surprise. Jessica se double elle-même et on glisse vers un métal teinté de pop pour l’occasion. Le mélange est aussi surprenant et intéressant qu’une vodka – calvados. Jessica, au chant, fait « all-in » sur l’indépendance des femmes. Elle le fait en hurlant pour que le message soit bien compris. Elle ne demande pas la permission pour rappeler que ce sont aux femmes de choisir ce qu’elles veulent, elle est prête à jouer son rôle pour que ce soit bien clair pour tou.te.s !

Predator

Predator commence avec un riff de basse au son magnifique. Les notes aigües des cordes semblent avoir été captées par un micro posé devant l’instru pendant l’enregistrement. Une nouvelle fois ce son me renvoie à des groupes de néo métal ou fusion des années 90. La basse est rejointe par les autres instrus pour envoyer du gros son. Je vais me permettre à cet instant de partager un regret. Celui que l’album ne soit pas masterisé pour éviter cette baisse d’intensité d’un signal trop limité pour donner toute sa place à chaque musicien. J’imagine la claque en live ou sur un support qui ne compresserait pas le signal global de tous les instrus…

Le morceau évoque l’excitation macabre d’une chasse et la voix autant que les instrus portent ce côté un peu sale de ce « hobby ». La vitesse, la ruse, l’excitation sont palpables et le tout fonctionne parfaitement.

Utopia

Utopia, le morceau suivant évoque aussi bien les jeux d’argent que la société ultralibérale qui te donnent l’impression de gagner sans que tu ne sois complètement dupe. « Le casino gagne à chaque fois ». Musicalement nous retiendrons ce pont un peu jazzy qui renforce le côté « entertainment » que semble dénoncer le morceau. Tout le reste n’est qu’efficacité des musiciens et de leur chanteuse.

Glass

L’album se conclue sur Glass qui me rappelle instantanément l’énergie du groupe No Doubt et sa synthèse de rock, de pop, teintée de reggae. Ok, la comparaison s’arrête dès la fin des couplets mais il y a dans ce riff de guitare quelque chose dans cet esprit et c’est pas mal. Les refrains sont eux beaucoup plus droits et radicaux. Le propos semble évoquer nos fêlures et le besoin de s’en accommoder. Pour cela les musiciens semblent se déchainer pour donner l’impression qu’il n’y a pas de place pour trop s’appesantir là-dessus et profiter à fond. Cette urgence à vivre est illustrée par la seconde partie du morceau sans répit. On fonce et on verra bien !

Que ce soit dans les textes ou dans certains sons du groupe, la philosophie punk n’est pas très éloignée. Elle n’est pas conviée pour « faire genre » et sait se montrer discrète mais elle ajoute un petit supplément d’âme aux morceaux. Souhaitons que les prochains messages de Harvestime rugissent et soient partagés largement.

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Harvestime « Head for a Fall » Album

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