Il y a des albums qui cherchent la puissance. D’autres la perfection. Head for a Fall, lui, cherche autre chose : une vérité émotionnelle.
Et c’est probablement ce qui le rend aussi profondément humain.

Le premier album de Harvestime ne donne jamais l’impression d’avoir été pensé pour séduire ou démontrer. Il avance plutôt comme une lente traversée mentale, un disque habité par la fatigue intérieure, les relations fissurées, les pensées obsessionnelles et cette sensation contemporaine d’exister dans un monde où tout semble légèrement déplacé, instable, trop rapide ou déjà usé.

Dès Roses of Despair, Harvestime installe un climat de confusion émotionnelle et d’enfermement psychique :

“Leave me alone inside my head”

Tout l’album semble contenu dans cette phrase.
Les personnages de Head for a Fall vivent enfermés dans leurs propres pensées, incapables de communiquer clairement leurs blessures, oscillant sans cesse entre désir de lien et besoin de retrait. Et plutôt que de transformer cette douleur en grand spectacle dramatique, le groupe choisit la retenue. Les morceaux respirent, hésitent, montent lentement avant d’exploser par vagues successives — exactement comme ces émotions que l’on croit maîtrisées avant qu’elles ne débordent.
L’influence de Deftones apparaît naturellement dans cette manière de construire la tension davantage par l’atmosphère que par la démonstration de force. Les guitares semblent imaginées comme des masses mouvantes, tantôt aériennes, tantôt étouffantes, toujours suspendues entre mélodie et saturation.

Et la basse 5 cordes donne au disque cette profondeur presque organique qui traverse des morceaux comme Darkside ou Lupa. On imagine pour le reste de l’album des lignes lourdes, enveloppantes, capables de maintenir une tension sourde même dans les passages les plus calmes.

La chute comme état permanent

Le titre même de l’album agit comme une promesse Head for a Fall. Non pas une chute spectaculaire, mais une trajectoire. Quelque chose que l’on poursuit malgré les avertissements, comme si les personnages du disque étaient incapables de modifier leur propre mouvement intérieur.

Le morceau-titre le dit explicitement :

“The road ends, the bridge is broken”

Harvestime explore ici une forme d’autodestruction lente, presque inconsciente. Les figures, qui traversent l’album, refusent de regarder leurs blessures. Elles déplacent leur culpabilité et sabotent leurs relations ou tentent simplement d’anesthésier leurs émotions.

Dans Lupa, la souffrance devient contamination mentale :

“The vampire disease”

Le morceau évoque la dépression comme une corrosion progressive de l’identité.
“Rotting in your mind”, dont la voix mélodique devient l’un des éléments les plus importants du disque. Le chant ne cherche jamais l’explosion démonstrative ; il flotte constamment entre fragilité et tension, donnant aux morceaux une sensation de vulnérabilité permanente.

Et c’est précisément cette retenue qui rend les moments plus lourds aussi efficaces.
Quand Harvestime explose, ce n’est jamais gratuit. La saturation semble toujours surgir d’un trop-plein émotionnel longtemps contenu.

Le bruit du monde moderne

Mais Head for a Fall ne reste pas enfermé dans l’intime.
Au fil des morceaux, le disque élargit progressivement son regard vers les mécanismes sociaux qui nourrissent cette fatigue intérieure.

All Liars introduit déjà un climat de défiance morale :

“Distortion of the truth”

Tandis que Utopia transforme le monde contemporain en système truqué :

“It’s as if someone is cheating the game”

Le morceau fonctionne presque comme une hallucination paranoïaque du capitalisme moderne : cartes manquantes, argent disparu, règles biaisées, injonction permanente à participer au système sans jamais le questionner.

Mais là encore, Harvestime évite soigneusement le discours militant simpliste. Le groupe préfère les fragments, les impressions, les répétitions. Comme si le monde extérieur lui-même devenait une boucle mentale supplémentaire.

Et Darkside pousse cette logique jusqu’à l’épuisement existentiel :

“Barely time to breathe
A new wave arrives”

Probablement l’un des morceaux les plus réussis du disque. Le temps y devient mécanique : soleil, lune, répétition, fatigue, surcharge.

Harvestime capte parfaitement cette sensation moderne de vivre dans un cycle continu d’obligations où l’on finit par ne plus savoir si l’on existe réellement :

“Only have free time at night / When you don’t know you’re alive”

Rarement l’épuisement contemporain aura été exprimé avec autant de simplicité.

Relations toxiques et prédateurs émotionnels

L’autre grande force de Head for a Fall, c’est sa manière d’aborder les relations humaines sans romantisme naïf. Dans Propaganda, l’amour ressemble déjà à une mécanique usée :

“Kiss Kiss Fight”

Les relations deviennent performatives, répétitives, vidées de leur authenticité. Puis Predator pousse cette logique vers quelque chose de beaucoup plus sombre encore : domination, manipulation, fascination pour le danger émotionnel. Le morceau adopte le point de vue du prédateur lui-même :

“Run away, hide, run away”

Et derrière cette menace flotte une sensualité toxique très maîtrisée. Ici encore, l’influence de la scène alternative américaine des années 90 se fait sentir, notamment dans cette capacité à mélanger le désir, la violence, la fragilité et le danger.

Une production imparfaite mais vivante

La production de Head for a Fall n’est pas irréprochable. Par moments, le disque manque de précision ou de puissance pour pleinement porter l’ambition émotionnelle des morceaux. Mais paradoxalement, cette légère rugosité sert aussi l’identité du groupe.

Parce que Harvestime ne sonne jamais clinique. Le disque conserve de l’air, des aspérités, une sensation organique,
qui renforcent l’impression d’écouter un album sincère plutôt qu’un produit entièrement lissé. Dans un paysage rock souvent obsédé par la compression parfaite et les productions gigantesques, cette fragilité technique finit même par devenir touchante.

Et derrière cette architecture émotionnelle, le jeu de batterie apporte une respiration essentielle : jamais démonstrative, mais constamment au service des dynamiques du disque, des montées lentes et des explosions contenues.

La lumière à travers les fissures

Puis vient Glass. Et soudain, après tant de tensions, de boucles mentales et de désillusions, l’album laisse enfin entrer quelque chose qui ressemble à de la clarté.

“Messy me outside
Crystal clear inside”

Magnifique conclusion, parce qu’elle ne cherche jamais la guérison totale. Les blessures restent là. La fragilité aussi. Mais le disque semble enfin accepter que l’on puisse continuer à vivre avec ses fissures sans forcément chercher à les masquer.

“Grown in the light
Carried by mountains”

Après un album souvent nocturne et étouffant, cette ouverture vers la lumière agit comme une respiration finale. Et c’est peut-être là toute la réussite de Head for a Fall : Harvestime ne transforme jamais la douleur en posture esthétique vide. Le groupe préfère explorer ce qu’il reste d’humain à l’intérieur du chaos commes les souvenirs, les tensions, les relations abîmées, les fatigues modernes et cette envie persistante de continuer malgré tout.

Un disque imparfait, dense, sincère — et précisément pour cela profondément vivant.

Vous pouvez également lire la chronique d’Hubert Jaulin à propos de Head for a Fall :
https://www.fppa.fr/chronique-de-hubert-jaulin/harvestime-head-for-a-fall-album/

Retrouvez l’album de Harvestime « Head for a Fall » en écoute sur le site

https://linktr.ee/harvestime

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Harvestime : les vertiges de l’intérieur
Chronique de Yaël « Grave Clave » Mothes

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MADxLANE « Deep Roost » EP

MADxLANE is an alternative rock band hailing from Bordeaux, in the southwest of France.

Formed in 2007 under the name « Les Gonz’à l’aise », the original lineup featured Alex and Jav’ on guitar, Cyril on vocals and piano, José on drums, and Sadam, later replaced by David, on bass. Between 2009 and 2012, the drummer and bassist left the group. AdriZ joined as the drummer, Jav’ switch to bass guitar. With Cyril, Jav’, Alex, and AdriZ, the band became MADxLANE.

These four passionate musicians share their love for music every week — or almost — carving out a creative escape amidst their busy professional lives. They initially joined various local associations before settling for five years with « L’Estran » in Saint-Médard-en-Jalles. Where they experienced some of their most memorable gigs and happiest moments.

Their sound? A powerful fusion of rock, metal, and alternative. Inspired by legendary bands like Foo Fighters, Linkin Park, Red Hot Chili Peppers, Incubus, and Audioslave.

While they started with covers, their true passion lies in creating original music. Writing, composing, and refining their sound is where they thrive. Over the years, they’ve amassed a collection of original tracks, some waiting to be polished, others finally recorded.

In 2024, MADxLANE reached a major milestone, recording in a renowned Bordeaux studio — a dream come true for the band!

After 17 years of performing on local stages, MADxLANE is finally releasing their debut EP, « Deep Roost ». Under the independent label « Flower Power Prod’ Action ». This four-track mini-album strikes a delicate balance between brutal emotion and soothing moments, blending intense words with introspection.

The first single, “Voices”, released on December 13, is a true emotional release. The track dives deep into inner struggles — anger, confusion, even madness — and transforms them into a liberating force. Powered by explosive rhythms and an unforgettable melody, « Voices » invites listeners to scream, move, and let go.

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Nous sommes ravis d’annoncer la sortie tant attendue du nouveau disque « A Few Pieces of Delicacy » du groupe de rock alternatif Bird and Lies ! Ce nouvel opus, composé de quatre titres envoûtants, vous emmène dans un voyage musical unique, mêlant des sonorités modernes et des textes poignants. Voici un aperçu des morceaux qui composent cet EP incontournable :

1. « OLD BIRD »

Le morceau d’ouverture, « OLD BIRD, » s’inscrit dans un registre à la fois introspectif et poignant. Avec des riffs de guitare accrocheurs et une mélodie mélancolique, ce titre explore les thèmes de la nostalgie et du passage inexorable du temps. La voix du chanteur, chargée d’émotion, vous transporte dans un univers sonore où chaque note résonne comme un écho du passé. Ce morceau met en lumière les moments fugaces de la vie, capturant l’essence d’un souvenir qui refuse de s’évanouir.

2. « CONFESSION »

« Son du jour spécial ! Ok les Bird and Lies ont passé la seconde. Cette semaine ils sortent Confession leur second single et c’est du lourd ! Bon alors pour les deux du fond qui ne suivent pas les sons du jour et qui ne connaitraient pas encore les Bird and Lies… [j’ai tellement honte pour vous]. Dans mon immense mansuétude, je vais une nouvelle fois vous les présentez (de rien, je suis un vrai gentil mais n’abuse pas, la prochaine fois c’est un coup de couteau dans l’œil). Il s’agit donc d’une formation du coin qui réunit, Nana au chant, Bobby aux grattes, Tommy à la batterie et Jacky au cor (quoi t’es de la police des compositions de groupe et tu t’interroges sur la présence d’un instrument peu habituel ? C’est vrai que c’est pas courant une guitare… Et bien fais avec et tu verras ça file comme un oiseau qui rentre au nid).

Ils balancent un métal inventif et moderne en s’appuyant sur les bonnes recettes du néo métal des 90’s. Ça transpire la gratte à 7 cordes des débuts des Deftones et Korn avant qu’ils bouffent leur spontanéité pour fournir du métal au kilomètre aussi dégueulasse qu’une recette de pain mouillé. Mais revenons à nos zoziaux et leurs carabistouilles (ouais, je suis bilingue ma gueule !). Leur morceau Confession évoque le doute, le besoin de se rassurer avant de se lancer dans une « épreuve ». Mais aussi l’infernal enchainement de décisions imparfaites qui crée une situation de plus en plus inextricable. Il peut être lu de bien des manières, le complexe de l’escroc, le besoin de s’extraire des faux soutiens qui poussent à la faute. Un début de parano ou encore la montée de stress qui peut être salutaire comme mortifère.

On peut même imaginer qu’il s’agisse là d’une allégorie sur nos sociétés qui ne prennent jamais le temps d’interroger leurs pratiques alors même que leur modèle de fuite en avant nous propulse vers le mur.
A peine doutent-elles, les sottes, de leur capacité à maîtriser l’inertie qu’elles ont générée. On ne sait pas quelle est la piste privilégiée par le groupe. Et franchement on s’en cogne on est là pour avoir du bon son si tu cherches un psy je te facturerai notre prochaine séance.

Faut dire qu’ils s’y entendent pour jouer avec les ambiances différentes au sein du morceau pour nous laisser dans cette incertitude. Dès le début du morceau la tension et l’urgence sont présentes avec la gratte et ces nappes de synthé (très 80’s) qui instiguent un climat d’inconfort. L’arrivée de la batterie qui accompagne les nombreuses syncopes appuie encore cette ambiance. Les refrains, plus mélodiques et à la structure rythmique plus linéaire, permettent d’évoquer la prise de hauteur et le fait de caresser un début de sortie de cet état : respirer, analyser avant de prendre la bonne option. Le cor est parfait pour apporter cette rondeur et cette chaleur qui semble presque aspirer le chaos du duo gratte batterie. Même les synthés se mettent au diapason en étant moins anxiogènes.

Après un troisième couplet qui marque la perte de repère, grâce à une interprétation très schizophrène (et soutenu par une Nana investie et une prod’ soignée), le groupe nous offre un pont avec un super « faux » solo de gratte avant de retrouver un refrain encore plus intense que les précédents. On sent notre héroïne aussi paumée qu’un humaniste lors d’un meeting du RN. Le pont suivant semble être la représentation d’une tempête dans le cerveau. L’apaisement du cor semble plus fragile face au rythme rapide et saccadé de la batterie soutenue par la guitare. Les derniers refrains inachevés ressemblent à des prières vaines, voire une forme de renoncement. Ouais, il y a tout ça dans ce morceau. Presque 6 minutes mais il y a surtout un son qui s’écoute avec plaisir pour son charme un peu surannée du vieux metal qui retrouverait un peu de fraîcheur et l’investissement de ces 4 musiciens sacrément doués et en osmose. Bravo les Birds ! Vivement la suite. » – Hubert Jaulin

3. « THE GENTLEMAN »

Pour clore cet album, « THE GENTLEMAN » se distingue par ses sonorités riches et ses arrangements sophistiqués. Ce titre explore les thèmes de l’honneur et de l’intégrité, racontant l’histoire d’un personnage empreint de noblesse et de rectitude. Les orchestrations élaborées, mêlant cordes et percussions, créent une ambiance majestueuse et épique. La voix du chanteur, profonde et expressive, guide l’auditeur à travers une réflexion sur les valeurs qui transcendent le temps et les épreuves.

4. « READY TO SHINE »

Vous souvenez-vous, de votre premier amour ? Quand vous pensiez vivre une chose exceptionnelle, privilégiée, et que personne ne pouvait comprendre ce que vous ressentiez ? Vous souvenez-vous de la première fois où respirer n’avait de sens, qu’auprès de votre bien-aimé ? Tous les espoirs, et la confiance que vous placiez dans cette première relation. Cette certitude inébranlable, qu’ensemble vous étiez plus forts que tout, que cet « autre » était la personne qui vous comprenait le mieux au monde, votre alter-égo, la moitié de vous que vous retrouviez ? Les mains qui tremblent, l’estomac qui se noue, la gorge qui se serre, l’attente qui vous consume entre chaque moment passé avec l’autre. Cette première histoire vous semblait unique, puissante, incroyablement exceptionnelle. Elle ne souffrait d’aucune crainte, vous ne doutiez d’aucune parole. 

Vous souvenez-vous, de la première fois où on vous a brisé le cœur ? Quand vous vous êtes rendu compte que l’amour ne dure pas toujours, que les belles paroles ne sont pas toujours sincères, et qu’on ne cherche pas forcément tous la même chose ? Cette fraction de seconde, où votre monde s’effondre, où vous découvrez la douleur et l’incompréhension du rejet. Vous pensiez n’avoir jamais autant souffert : qu’est-ce qui pouvait être pire que de perdre la moitié de soi ? De se sentir bafoué, trahi, oublié, effacé ? 

Il y a le premier amour, et la première désillusion. Tel des rites de passages, on s’est tous retrouvés un jour ou l’autre face à ces points d’étapes obligatoires. A travers des torrents de larmes, on a saisi les mains tendues, on a écouté les conseils creux de ceux qui étaient déjà passés par-là, en se disant qu’on avait probablement jamais entendu pire réconfort.

Ready to Shine nous renvoie juste à l’aube de cette découverte universelle, quand on avait encore dans le cœur, cet espoir innocent, de trouver la bonne personne. Juste avant que votre vie bascule.

« A Few Pieces of Delicacy » est plus qu’un simple album ; c’est une expérience auditive qui marie habilement des émotions brutes et des compositions raffinées. Bird and Lies démontre une fois de plus son talent pour créer des œuvres qui touchent l’âme et stimulent l’esprit.

Ne manquez pas cette nouvelle œuvre magistrale de Bird and Lies ! « A Few Pieces of Delicacy » est disponible dès maintenant sur toutes les plateformes de streaming et dans les magasins de disques. Plongez dans cet univers musical et laissez-vous séduire par la délicatesse des compositions de ce groupe talentueux.

Prêt à découvrir ces morceaux ? Écoutez maintenant et laissez-vous transporter par la magie de Bird and Lies !

A propos de Bird and Lies :

Quatuor éclectique influencé par le metal, le rock, le blues et la musique classique. Fondé  en 2024, le groupe prépare un EP complet. Trois singles sont déjà sortis fin 2024 « Old Bird », « Confession » et « Ready to Shine ». Disponibles sur les plateformes de streaming.

Et ce quatrième single, à présent, « The Gentleman » qui sort sur toutes les plateformes de streaming formant « A Few Pieces of Delicacy ». Des parties de cor puissantes, une guitare tranchante, une voix soûl et une batterie tonitruante délivrent un rock alternatif, mélodique et entraînant.

Après quelques scènes effectuées avec cette formation et fort de leurs années d’expérience respectives, le groupe est déjà prêt à dérouler une prestation solide. Tout est parti de Tommy le batteur et Bobby le guitariste. Ils ont souhaité rendre leur musique plus accessible en recrutant Nana au chant. Nana est une belle-gosse ayant écumé largement les scènes pendant plusieurs années.
Le trio a ensuite voulu apporter un élément original. Et ce, pour enrichir le côté mélodique et la puissance émotionnelle des morceaux. Quoique méconnu, malgré son omniprésence dans les ensembles de musique classique et dans les grosses productions cinématographiques par exemple, l’ajout d’un cor a rendu tout cela possible avec Chuck aux pistons.

Bird and Lies « A Few Pieces of Delicacy » EP

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Frédéric Herraïz « Odyssey » Album

Biographie de Frédéric HerraÏz

Je me prénomme Frédéric Herraïz, passionné de musique et principalement de la six cordes. Je suis professeur de guitare depuis vingt-trois années et endorsé Ibanez .
J’ai commencé à pratiquer l’instrument en découvrant l’album « Unplugged » d’Eric Clapton.
Ce fût mon premier « choc » musical. Par la suite, j’ai découvert la musique instrumentale à travers des guitaristes tel que Joe Satriani, Steve Vaî, Allan Holdsworth, Yngwie Malmsteen, ou encore Patrick Rondat.
J’ai par ailleurs étudier avec ce dernier pour perfectionner ma technique.

Autodidacte pendant de nombreux mois, j’ai ensuite intégré une école de jazz et d’harmonie pour me perfectionner.
J’ai accompagné plusieurs groupes de rock durant dix années ce qui m’a apporté aussi l’expérience de la scène.
A la fin de cette formation, j’ai décroché mon premier contrat en qualité de professeur de guitare dans une école de musique. Après quelques années d’enseignement constituées principalement de cours collectifs, j’ai décidé de me tourner vers les cours particuliers à domicile.

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Site internet de Frédéric Herraïz :
http://www.fredericherraiz.com

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Color-Full Death « Money Please for New Album » EP

Pourquoi choisir d’écouter un groupe de rock puis de punk puis de blues…
Alors que Cølør-Full Death existe?
Tout les styles de musiques possibles et imaginables combinés en un seul groupe…
La guitare 70’s d’Hatta
La batterie métal d’Arthur
La basse 90’s d’Amon
La voix pop punk et la guitare punk de Noreñato.
Ils sont là pour créer le son Cølør-Full Death.
Ce groupe vous montrera que certaines choses ne peuvent être définies.
Leur adage : « Sur scène ils ramènent la brutalité des acouphènes ».

https://www.instagram.com/colorfulldeathband

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Chronique de l’album Head for a fall par Hubert Jaulin
Avril 2026

Le temps de la récolte est venu !

Après avoir passé des mois à s’appliquer à planter les graines d’un album, s’être échiné à construire une cohérence avec authenticité et minutie, la sortie d’un album sonne à la fois comme une finalité et le début d’un nouveau chemin.

Harvestime, groupe bordelais de metal a choisi un artwork d’album qui semble représenter ce long chemin qui mène à un avenir souriant.

Head For a Fall, sorti en septembre 2025 est le fruit de 4 membres engagés. Au chant on retrouve Jessica qui explore aussi bien la fragilité que la puissance et l’assurance. Elle est accompagnée par un guitariste, Eric, porteur de mélodies nostalgiques et de riffs conçus pour satisfaire tout.e bon.ne head-bange.use.r qui se respecte !

On retrouve sur la section rythmique Damien à la batterie virevoltante (qui a cédé la place à Yaël récemment) et un impressionnant Florian à la basse.

Roses of Dispair

Le premier morceau de cet opus « Roses of Dispair » démarre par une intro bucolique teintée de nostalgie d’un temps calme révolu. Le texte démarre et confirme cette impression. On y entend Jessica s’interroger sur ce qui ne va pas chez elle dans sa relation avec celui ou celle à qui elle s’adresse.

A celles et ceux qui imaginent la jeune femme éconduire son interlocuteur.ice en mode « ce n’est pas toi qui ne fait pas ce qu’il faut, c’est moi » peuvent commencer à ranger leur empathie doublée de jugement viriliste pour cette femme qui « ne se sent pas assez bien pour l’autre ». T’as cru que tu écoutais un groupe de dark romance ?

T’inquiète, Jessica s’échauffait. Ça tombe bien, le groupe faisait de même. Fini le son très pop mélodique. Après une belle harmonique à la guitare, tout le monde s’énerve. Ça balance du gros son, une rythmique sèche et définitive et la descente d’un demi-ton en fin de phrase change le décor. La victime n’est pas du côté que l’on croit. Jessica a des comptes à régler et son interlocuteur.ice n’a pas voix au chapitre. « if I hurted you, then I let you hill ». C’est clair ?

Ce premier morceau pose de suite les bases de leur musique. Pas de concession. Pas d’accord. C’est cash macache !

Allez Harvestime, envoie la suite, je suis tout ouïe !

All Liars

Le second morceau All Liars ne prend pas de gants pour envoyer direct ! Un break de batterie et tout le monde rentre dedans. Le riff principal, saccadé et porté par une belle descente tire tout le monde vers le grave (« Le grave c’est la vie » aurait pu dire Karadock s’il avait vécu un temps où on pouvait électriser les luths) !

C’est le moment de mettre les poings, non pas sur les i, mais dans la gueule de ceux qui se permettent de nous vendre un narratif perverti de la réalité. Les menteurs peuvent aussi bien être des quidams lambda que des puissants, si tu mens tu prendras ton retour de bâton, sans doute lancé avec force et précision par le groupe 

L’ambiance musicale est au diapason pour envoyer sa sentence. La section rythmique est imparable pour soutenir le riff gras du guitariste.

Le premier pont soutenu par un petit passage de slap bien senti qui enchaine sur une liaison calme et progressive à la guitare semble préparer à l’estocade finale que Jessica répète « Let’s pretend it is not all true ». Comme une inversion des rôles. Alors menteur, prouve que je mens !

Je déclare Harvestime vainqueur par K.O.

Lupa

Lupa, troisième titre de l’album, évoque un combat perdu d’avance où seule la fin est espérée tant la lutte est douloureuse (pas la fin du morceau, hein… de la vie de son personnage. Merci de faire un petit effort pour me suivre sinon ça va être long. Je sais ce n’est pas l’plus simple). Si la joie n’est pas convoquée, la musique qui accompagne le morceau ne ressemble en rien à un renoncement.

On y ressent une certaine urgence appuyée par la basse qui suit le riff de guitare tout en appuyant cette course vers une issue espérée. La batterie saccadée et précise renforce encore ce sprint. Les couplets sont intenses et très efficaces. Les refrains désespérés au chant eux sont plus mélodieux comme l’issue presque heureuse qu’ils évoquent. Le pont est superbe, profond et prenant toute la place au diapason des pensées qui semblent tourner dans la tête de Lupa. Le dernier refrain est sublimé après ce pont tendu et très rythmique. Son côté plus mélodique donne un sentiment de sérénité et d’apaisement à la fin du morceau. Bien vu !

Head for a Fall

Vient ensuite Head For A Fall que je comprends comme un hymne à la prédétermination. SI tu pars en victime, n’espère pas être autre chose. Le tout est envoyé comme une description factuelle sans proposition de solution. Harvestime n’est pas là pour ça. Si tu veux changer, sors toi les doigts et fonce. En tout cas, musicalement c’est aussi direct que l’uppercut du texte pour celui ou celle qui en est destinataire. Notons la fin du morceau encore plus percutante avec un rythme du chant aussi syncopée et précis qu’une rafale définitive lâchée à bout portant.

The Line

Passons ensuite à The line et allons-y avec gourmandise parce qu’il en faudra pour apprécier les multiples couches de sons du morceau. Les riffs s’enchainent, les structures rythmiques sont toutes plus entraînantes les unes que les autres. Quelle générosité ! Le morceau est un banger ! Voilà un batteur qui a moyen de finir crevé à la fin du morceau. La syncope est à l’énergie rock ce que l’autotune est au manque de talent. Mention spéciale aux chœurs discrets mais bienvenus sur les refrains.

Darkside

Darkside prend la suite. Le morceau évoque la course infernale du temps et notre difficulté à faire pause même si ça ne serait pas une mauvaise idée. La guitare évoque bien cette inexorable boucle ultra rapide. La basse et la batterie semblent tenter de lutter contre ce cycle infernal. Pourtant au moment des refrains, on sent bien que le combat est perdu et tout le monde tente de s’aligner dans la souffrance pour suivre le rythme effréné imposé. J’aime bien ce sentiment de cohérence entre l’histoire racontée par le chant et celui exprimé par les musiciens. Au passage la virtuosité des musiciens explose une fois de plus.

Propaganda

Propaganda démarre sur un riff de gratte qui sent bon le stoner. Mais dès qu’il est rejoint par la section rythmique, le stoner a fui sans demander son reste face à un métal qui sort comme un diable de sa boîte. Il y a un côté néo métal dans le son compressé de la basse qui colle tellement bien au morceau. Le refrain me prend par surprise. Jessica se double elle-même et on glisse vers un métal teinté de pop pour l’occasion. Le mélange est aussi surprenant et intéressant qu’une vodka – calvados. Jessica, au chant, fait « all-in » sur l’indépendance des femmes. Elle le fait en hurlant pour que le message soit bien compris. Elle ne demande pas la permission pour rappeler que ce sont aux femmes de choisir ce qu’elles veulent, elle est prête à jouer son rôle pour que ce soit bien clair pour tou.te.s !

Predator

Predator commence avec un riff de basse au son magnifique. Les notes aigües des cordes semblent avoir été captées par un micro posé devant l’instru pendant l’enregistrement. Une nouvelle fois ce son me renvoie à des groupes de néo métal ou fusion des années 90. La basse est rejointe par les autres instrus pour envoyer du gros son. Je vais me permettre à cet instant de partager un regret. Celui que l’album ne soit pas masterisé pour éviter cette baisse d’intensité d’un signal trop limité pour donner toute sa place à chaque musicien. J’imagine la claque en live ou sur un support qui ne compresserait pas le signal global de tous les instrus…

Le morceau évoque l’excitation macabre d’une chasse et la voix autant que les instrus portent ce côté un peu sale de ce « hobby ». La vitesse, la ruse, l’excitation sont palpables et le tout fonctionne parfaitement.

Utopia

Utopia, le morceau suivant évoque aussi bien les jeux d’argent que la société ultralibérale qui te donnent l’impression de gagner sans que tu ne sois complètement dupe. « Le casino gagne à chaque fois ». Musicalement nous retiendrons ce pont un peu jazzy qui renforce le côté « entertainment » que semble dénoncer le morceau. Tout le reste n’est qu’efficacité des musiciens et de leur chanteuse.

Glass

L’album se conclue sur Glass qui me rappelle instantanément l’énergie du groupe No Doubt et sa synthèse de rock, de pop, teintée de reggae. Ok, la comparaison s’arrête dès la fin des couplets mais il y a dans ce riff de guitare quelque chose dans cet esprit et c’est pas mal. Les refrains sont eux beaucoup plus droits et radicaux. Le propos semble évoquer nos fêlures et le besoin de s’en accommoder. Pour cela les musiciens semblent se déchainer pour donner l’impression qu’il n’y a pas de place pour trop s’appesantir là-dessus et profiter à fond. Cette urgence à vivre est illustrée par la seconde partie du morceau sans répit. On fonce et on verra bien !

Que ce soit dans les textes ou dans certains sons du groupe, la philosophie punk n’est pas très éloignée. Elle n’est pas conviée pour « faire genre » et sait se montrer discrète mais elle ajoute un petit supplément d’âme aux morceaux. Souhaitons que les prochains messages de Harvestime rugissent et soient partagés largement.

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Harvestime « Head for a Fall » Album

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Neeru « For the Widows in Paradise » Cover. La musique de Neeru est un cours d’eau, affluent intrépide et toujours en mouvement. Elle prend sa source dans une une électro pop élégante et moderne, baignée de culture geek et de littérature contemporaine.

Depuis 2017, Neeru est devenu le terrain de jeu favori de Jérémie Voin, compositeur bordelais à l’origine du projet. Inspiré par des artistes comme M83, Junkie XL, Justice, L’Age d’Or ou Sufjan Stevens, il construit discrètement un pont entre musique urbaine et classique.

La musique de Neeru se caractérise par des mélodies accrocheuses, des arrangements électroniques complexes. Mais aussi des paroles poétiques qui abordent des thèmes universels tels que l’amour, la perte et l’introspection. Neeru a rapidement gagné en popularité sur la scène musicale indépendante attirant l’attention des critiques et des fans de toute la région bordelaise et au-delà.

Le groupe a sorti 2 EPs à succès et des covers acclamés par la critique. Leur son novateur et captivant continue de les propulser sur le devant de la scène de la musique electro-pop. Dès lors, cela leur a valu une base de fans dévouée. Neeru représente l’avant-garde de la musique pop-électro contemporaine, repoussant les frontières sonores et captivant les auditeurs avec leur son unique et envoûtant.

| Pour info | Le groupe n’est plus. A présent, Jérémie Voin aka Jay Rolland s’est tourné vers un autre projet : « Salut ! Je suis compositeur à l’esprit cinématographique. En tant que percussionniste, batteur et pianiste, mon univers musical est vaste mais je suis depuis longtemps passionné par les musiques de films. Je produis une musique orchestrale et cinématographique, mélangée à des éléments électroniques de design sonore, pour correspondre à tous types de médias ou simplement pour le plaisir d’une écoute occasionnelle. »

Je vous invite à découvrir sur les plateformes son nouvel univers :

https://linktr.ee/jayrollandmusic

Retrouvez les 2 premiers EP de Neeru
– « Scars and Magic » 2nd EP
– « The Tales of The Feather » 1er EP

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Neeru « For the Widows in Paradise » Cover

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Sour Eyes « Pup-Pet » EP. Sour Eyes est un groupe de rock dynamique forgé depuis 2010, autour de musiciens qui se sont découverts à travers la musique. Anciennement nommé Ek0et avec la charismatique Anaïs Bozzat , le groupe s’est construit avec Jérémy Fournier, le guitariste. Ainsi qu’Étienne Langlois à la batterie, puis s’est enrichi d’Hélène Chenal au chant arrivée fin 2017. Enfin, Steven Mollé à la basse est arrivé début 2018.

Le rock, l’énergie, et l’envie de bouger la tête caractérisent le style des morceaux de Sour Eyes. Essentiellement bâtis sur des compositions, avec quelques touches de covers remises au goût du groupe. D’influences aussi variées que la personnalité de ses membres, l’inspiration musicale de Sour Eyes puise sa source dans des groupes tels que Rage Against the Machine, Metallica. Ou encore Incubus, Counting Crows, Ben Harper, Bon Jovi, les RHCP. Mais aussi Queen, System Of a Down, John Butler, David Bowie, Noir Désir… et plus encore.

Cet EP « Pup-Pet » capture l’essence de l’énergie pure du groupe et leur valent une solide réputation sur la scène locale.

Le groupe gagne rapidement en popularité grâce à leurs performances énergiques et authentiques dans les salles et bars de la région bordelaise. Leurs concerts intenses sont devenus des événements incontournables pour les amateurs de rock locaux, attirant une fanbase fidèle.

Malgré leur statut de groupe local, Sour Eyes continue de se produire avec passion et dévouement, repoussant les limites de leur créativité et partageant leur musique avec leur communauté. Leur influence sur la scène musicale locale continue de grandir, inspirant d’autres jeunes musiciens à suivre leurs pas.

Aujourd’hui, le groupe reste une force dynamique et inspirante dans la scène du rock local, prouvant que la passion et l’authenticité peuvent transcender les frontières et toucher les cœurs, même au sein d’une communauté locale.

Discogs

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Sour Eyes « Pup-Pet » EP

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Sour Eyes « Storm » EP. Sour Eyes est un groupe de rock dynamique forgé depuis 2010, autour de musiciens qui se sont découverts à travers la musique. Anciennement nommé Ek0et avec la charismatique Anaïs Bozzat , le groupe s’est construit avec Jérémy Fournier, le guitariste. Mais aussi Étienne Langlois à la batterie, puis s’est enrichi d’Hélène Chenal au chant arrivée fin 2017. Enfin, Steven Mollé à la basse arrive début 2018.

Le rock, l’énergie, et l’envie de bouger la tête caractérisent le style des morceaux de Sour Eyes. Essentiellement bâtis sur des compositions, avec quelques touches de covers remises au goût du groupe. D’influences aussi variées que la personnalité de ses membres, l’inspiration musicale de Sour Eyes puise sa source dans des groupes tels que Rage Against the Machine. Ou encore Metallica, Incubus, Counting Crows, Ben Harper. Mais aussi Bon Jovi, les RHCP , Queen, System Of a Down, John Butler, David Bowie, Noir Désir… et plus encore.

Cet EP « Storm » capture l’essence de l’énergie pure du groupe et leur valent une solide réputation sur la scène locale.

Le groupe gagne rapidement en popularité grâce à leurs performances énergiques et authentiques dans les salles et bars de la région bordelaise. Leurs concerts intenses sont devenus des événements incontournables pour les amateurs de rock locaux, attirant une fanbase fidèle.

Malgré leur statut de groupe local, Sour Eyes continue de se produire avec passion et dévouement, repoussant les limites de leur créativité et partageant leur musique avec leur communauté. Leur influence sur la scène musicale locale continue de grandir, inspirant d’autres jeunes musiciens à suivre leurs pas.

Aujourd’hui, le groupe reste une force dynamique et inspirante dans la scène du rock local, prouvant que la passion et l’authenticité peuvent transcender les frontières et toucher les cœurs, même au sein d’une communauté locale.

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Megabin « Pity Party » Cover. C’est une chanson captivante de Melanie Martinez qui plonge l’auditeur dans un monde d’émotions complexes et de mélodies accrocheuses. Sortie en 2015, cette chanson fait partie de l’album « Cry Baby », où Melanie Martinez explore des thèmes tels que l’innocence perdue, la découverte de soi et les luttes intérieures.

La chanson débute par une atmosphère légère et enfantine, caractéristique du style distinctif de Melanie Martinez. Les premières notes évoquent une fête d’anniversaire, avec des ballons et une atmosphère festive. Cependant, l’ambiance change rapidement à mesure que les paroles révèlent une réalité plus sombre. Melanie chante avec une voix douce et mélodieuse, exprimant le sentiment de solitude et de déception lorsqu’elle réalise que personne n’est venu à sa fête.

Les paroles de « Pity Party » explorent la notion de la déception sociale, évoquant des sentiments de rejet et d’isolement. Melanie Martinez utilise des métaphores ingénieuses, comparant sa fête d’anniversaire déserte à sa vie sentimentale. Elle dépeint l’expérience universelle de se sentir ignoré et non apprécié, créant ainsi une connexion émotionnelle avec l’auditeur.

Le titre lui-même, « Pity Party » (fête de la pitié), suggère une célébration teintée d’une certaine tristesse. La chanson aborde la tendance humaine à s’apitoyer sur soi-même, mais elle le fait avec une touche d’ironie et d’autodérision. Melanie Martinez équilibre habilement des éléments sombres avec des mélodies accrocheuses, créant une expérience auditive qui invite à la réflexion tout en restant entraînante.

En conclusion, « Pity Party » de Melanie Martinez est bien plus qu’une simple chanson pop. Elle offre une exploration émotionnelle profonde, alliant des paroles poignantes à une instrumentation captivante. Cette œuvre artistique témoigne du talent de Melanie Martinez pour créer une musique qui transcende les genres tout en explorant les complexités de l’expérience humaine.

Soundcloud

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Megabin « Pity Party » Cover

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