Déjà un second EP pour Blacktong

Sorti en octobre 2023, un premier E.P. résolument rock joue avec les influences de la chanson française, du blues punk, et du psychédélisme folk d’une artiste charentaise. Titre phare à la plume fugace, « Mademoiselle O » est un texte universel qui prête son nom à ce premier album studio. La voix roots au langage poétique y décrit les déroutes sociales vécues, des thèmes écologistes teintés de féminisme y sont récurrents. La chanteuse y parle de la société, de ses déboires et du « marche ou crève » ambiant en France. Cinq autres titres dépeignent des humeurs plutôt lunatiques, de la joie à la rébellion, de l’amour à parfois des règlements de comptes ou encore du voyage.
Enfin, l’écologie est appuyée au coeur de toutes ses thématiques dans le second E.P : « Note Blanche » en 2026, aux cinq titres homogènes de caractère : « Somewhere Else », « La Baraque », « Vouloir » , « Chacun son Train ».

Changement de line-up pour une évolution évidente

Blacktong est né à Paris en 2013, lancé par Mathilde Ayrault, en tant qu’auteure, chanteuse et interprète. En 2014, elle produit avec ses acolytes parisiens un premier enregistrement live de 4 titres. (E.P. ‘’BLACKTONG’’ ). Puis en 2016, elle part s’enrichir de sonorités anglaises en Australie. En effet, elle y fait progresser son jeu dans les bars tout en puisant de l’inspiration pour la création de nouveaux textes.

Après quoi, à son retour en France, elle s’établit à Bordeaux ; la ville du rock devient sa nouvelle patrie. Par la suite, en 2022, Guillaume Evrard, bassiste et guitariste, intègre le projet. Vient ensuite la rencontre avec Lucie à la batterie, qui après un premier enregistrement est remplacée par Frédéric Lardeur. Ensemble, ils préparent un deuxième E.P « Note Blanche » à Maison des Arts Vivants dans le parc Sourreil à Villenave-d’Ornon. Ce disque est composé de cinq titres à paraître le 13 février sur toutes les plateformes de streaming. Cet E.P est déjà prometteur, de part sa palette rock et ses textes en français toujours aussi militants.

Blacktong ré-ose avec 5 titres percutants et émouvants

En 2025, Blacktong enregistre son second EP « Note Blanche », produit et mixé à la Maison des Arts Vivants de Villenave-d’Ornon. Le noyau définitif du power trio — Mathilde Ayrault, Guillaume Evrard, Frédéric Lardeur — est rejoint en studio par Ludovic Flamand à la guitare. Julien Bischerour signe le piano et partage un duo exclusif à la voix sur le titre engagé « Vouloir », en concert également. « Note Blanche » explore une nouvelle symbolique, plus terrestre, après l’univers aquatique de « Mademoiselle O ». Ainsi, le temps, le mouvement plus terrestre et l’empreinte humaine y deviennent centraux.
Le titre éponyme est un constat véhément et mélancolique : celui d’une planète blessée, d’un paysage décousu par l’Homme. Dès lors, écrit comme une catharsis quasi schizophrénique, le texte s’adresse à l’enfant que la chanteuse a été. Plus précisément et parmi les titres :

• Somewhere Else, chanté en anglais, évoque le voyage, l’exil et la transcendance du temps.

• La Baraque, chronique des rumeurs et des préjugés sociaux, parle de l’espace intérieur et du désir d’aimer. Au travers des saisons impondérables qui rythment l’existence.

• Vouloir, duo explosif, condense toutes les thématiques de l’EP dans un jeu de rimes et de tensions. L’avidité azimut, entre tous et contradictoire de l’Homme, est imagée de façon ludique autour de ses mots.

• Chacun son train, texte énigmatique, déroule une cadence musicale évoquant la course du temps et la chronologie d’une vie. Un texte presque politique parlant presque d’égocentrisme.

Sortie officielle le 13 février 2026

Blacktong, l’essence, l’origine

Blacktong est un groupe de rock indépendant, issu et nourri de la grande famille de la chanson française. Les textes sont écrits en français et l’esthétique musicale dépasse largement l’étiquette de “rock français”. BLACKTONG développe une pop rock lunatique et débridée, traversée d’élans psychédéliques, de guitares abrasives et d’instants plus folk. Les influences revendiquées vont de PJ Harvey, Patti Smith, Pixies, The Clash, à une filiation française assumée. et respirations sensibles. Les textes, au cœur du projet, abordent des thématiques universelles : l’amour, le travail, la place de l’individu dans la société, avec une attention particulière portée aux enjeux sociaux et écologiques. La voix androgyne de la chanteuse apporte une sensibilité féminine singulière, capable de passer du murmure à la scansion, de la poésie à la tension rock.

Sortie & perspectives pour le groupe :

Tout d’abord, NOTE BLANCHE sortira en digital le 13 février 2026, sur toutes les plateformes streaming. De plus, un pressage vinyle est également prévu. Une release party aura lieu le 29 avril dans la grande salle de la Maison des Arts Vivants de Villenave-d’Ornon avec le groupe Cargo en co-plateau. BLACKTONG, est prêt à défendre ce nouveau répertoire sur scène.
C’est la raison pour laquelle ils seront aussi sur la Grande scène extérieure de la Fête des Vins de Sauveterre de Guyenne le 24 Juillet 2026, ouverture de ce grand week-end festif dans l’Entre-deux-mers.

www.blacktong.com

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Blacktong « Note blanche » EP

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Après « De l’ombre à la lumière », Emmanuel revient avec un nouvel EP de 4 titres intitulé « Clair-obscur ». Cette nouvelle immersion dans son univers musical est comme une introspection qui vous fera voyager au grès de ses souvenirs et de ses aspirations.

Au travers des différents thèmes et mélodies, Emmanuel a choisi de soigner le son d’ensemble. Il l’a souhaité chaud et coloré, organique. Mais au-delà de cette esthétique, vous distinguerez peut-être son attachement à ses valeurs, à sa région la Gironde, à la langue française. Cet ancrage local est très important à ses yeux et c’est sans doute cela qui forge son identité au même titre que les notes qu’il a choisies d’utiliser.

Niveau musical justement, l’ensemble est plus homogène que « De l’ombre à la lumière ». Les musiciens qui ont participé au projet amènent une vraie plus-value en termes de son, de musicalité et d’énergie. De invités de choix ont d’ailleurs accepté de participer à « Clair-obscur » ce qui donne encore plus de profondeur aux quatre titres. En tout cas, l’accent a été mis une nouvelle fois sur les mélodies, les couleurs sonores, l’authenticité. Les ambiances au sein de chaque morceau se succèdent donc et proposent à l’auditeur un mélange de subtile mélancolie et d’énergie.

Laissez-vous surprendre par ce voyage…, écoutez « Clair-obscur »…

La team :

Guitares : Emmanuel Grocolas
Basse : Léo Romand
Batterie : Julien de Paola
Cor d’harmonie sur « Une étoile » : Julien Blanc
Piano sur « Congruence » : Jun Norindr
2° solo de guitare sur « Proche de l’abîme » : Frédéric Herraiz (Ibanez France – LNA effets – Savarez)
Voix : Cristel Bento – Robin Grocolas Bento – Jean Julien – Jean Claude Charley – Kalym

Découvrez l’interview d’Emmanuel Grocolas à propos de cet EP…

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Emmanuel Grocolas « Clair-obscur » EP

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MADxLANE « Deep Roost » EP

MADxLANE is an alternative rock band hailing from Bordeaux, in the southwest of France.

Formed in 2007 under the name « Les Gonz’à l’aise », the original lineup featured Alex and Jav’ on guitar, Cyril on vocals and piano, José on drums, and Sadam, later replaced by David, on bass. Between 2009 and 2012, the drummer and bassist left the group. AdriZ joined as the drummer, Jav’ switch to bass guitar. With Cyril, Jav’, Alex, and AdriZ, the band became MADxLANE.

These four passionate musicians share their love for music every week — or almost — carving out a creative escape amidst their busy professional lives. They initially joined various local associations before settling for five years with « L’Estran » in Saint-Médard-en-Jalles. Where they experienced some of their most memorable gigs and happiest moments.

Their sound? A powerful fusion of rock, metal, and alternative. Inspired by legendary bands like Foo Fighters, Linkin Park, Red Hot Chili Peppers, Incubus, and Audioslave.

While they started with covers, their true passion lies in creating original music. Writing, composing, and refining their sound is where they thrive. Over the years, they’ve amassed a collection of original tracks, some waiting to be polished, others finally recorded.

In 2024, MADxLANE reached a major milestone, recording in a renowned Bordeaux studio — a dream come true for the band!

After 17 years of performing on local stages, MADxLANE is finally releasing their debut EP, « Deep Roost ». Under the independent label « Flower Power Prod’ Action ». This four-track mini-album strikes a delicate balance between brutal emotion and soothing moments, blending intense words with introspection.

The first single, “Voices”, released on December 13, is a true emotional release. The track dives deep into inner struggles — anger, confusion, even madness — and transforms them into a liberating force. Powered by explosive rhythms and an unforgettable melody, « Voices » invites listeners to scream, move, and let go.

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Nous sommes ravis d’annoncer la sortie tant attendue du nouveau disque « A Few Pieces of Delicacy » du groupe de rock alternatif Bird and Lies ! Ce nouvel opus, composé de quatre titres envoûtants, vous emmène dans un voyage musical unique, mêlant des sonorités modernes et des textes poignants. Voici un aperçu des morceaux qui composent cet EP incontournable :

1. « OLD BIRD »

Le morceau d’ouverture, « OLD BIRD, » s’inscrit dans un registre à la fois introspectif et poignant. Avec des riffs de guitare accrocheurs et une mélodie mélancolique, ce titre explore les thèmes de la nostalgie et du passage inexorable du temps. La voix du chanteur, chargée d’émotion, vous transporte dans un univers sonore où chaque note résonne comme un écho du passé. Ce morceau met en lumière les moments fugaces de la vie, capturant l’essence d’un souvenir qui refuse de s’évanouir.

2. « CONFESSION »

« Son du jour spécial ! Ok les Bird and Lies ont passé la seconde. Cette semaine ils sortent Confession leur second single et c’est du lourd ! Bon alors pour les deux du fond qui ne suivent pas les sons du jour et qui ne connaitraient pas encore les Bird and Lies… [j’ai tellement honte pour vous]. Dans mon immense mansuétude, je vais une nouvelle fois vous les présentez (de rien, je suis un vrai gentil mais n’abuse pas, la prochaine fois c’est un coup de couteau dans l’œil). Il s’agit donc d’une formation du coin qui réunit, Nana au chant, Bobby aux grattes, Tommy à la batterie et Jacky au cor (quoi t’es de la police des compositions de groupe et tu t’interroges sur la présence d’un instrument peu habituel ? C’est vrai que c’est pas courant une guitare… Et bien fais avec et tu verras ça file comme un oiseau qui rentre au nid).

Ils balancent un métal inventif et moderne en s’appuyant sur les bonnes recettes du néo métal des 90’s. Ça transpire la gratte à 7 cordes des débuts des Deftones et Korn avant qu’ils bouffent leur spontanéité pour fournir du métal au kilomètre aussi dégueulasse qu’une recette de pain mouillé. Mais revenons à nos zoziaux et leurs carabistouilles (ouais, je suis bilingue ma gueule !). Leur morceau Confession évoque le doute, le besoin de se rassurer avant de se lancer dans une « épreuve ». Mais aussi l’infernal enchainement de décisions imparfaites qui crée une situation de plus en plus inextricable. Il peut être lu de bien des manières, le complexe de l’escroc, le besoin de s’extraire des faux soutiens qui poussent à la faute. Un début de parano ou encore la montée de stress qui peut être salutaire comme mortifère.

On peut même imaginer qu’il s’agisse là d’une allégorie sur nos sociétés qui ne prennent jamais le temps d’interroger leurs pratiques alors même que leur modèle de fuite en avant nous propulse vers le mur.
A peine doutent-elles, les sottes, de leur capacité à maîtriser l’inertie qu’elles ont générée. On ne sait pas quelle est la piste privilégiée par le groupe. Et franchement on s’en cogne on est là pour avoir du bon son si tu cherches un psy je te facturerai notre prochaine séance.

Faut dire qu’ils s’y entendent pour jouer avec les ambiances différentes au sein du morceau pour nous laisser dans cette incertitude. Dès le début du morceau la tension et l’urgence sont présentes avec la gratte et ces nappes de synthé (très 80’s) qui instiguent un climat d’inconfort. L’arrivée de la batterie qui accompagne les nombreuses syncopes appuie encore cette ambiance. Les refrains, plus mélodiques et à la structure rythmique plus linéaire, permettent d’évoquer la prise de hauteur et le fait de caresser un début de sortie de cet état : respirer, analyser avant de prendre la bonne option. Le cor est parfait pour apporter cette rondeur et cette chaleur qui semble presque aspirer le chaos du duo gratte batterie. Même les synthés se mettent au diapason en étant moins anxiogènes.

Après un troisième couplet qui marque la perte de repère, grâce à une interprétation très schizophrène (et soutenu par une Nana investie et une prod’ soignée), le groupe nous offre un pont avec un super « faux » solo de gratte avant de retrouver un refrain encore plus intense que les précédents. On sent notre héroïne aussi paumée qu’un humaniste lors d’un meeting du RN. Le pont suivant semble être la représentation d’une tempête dans le cerveau. L’apaisement du cor semble plus fragile face au rythme rapide et saccadé de la batterie soutenue par la guitare. Les derniers refrains inachevés ressemblent à des prières vaines, voire une forme de renoncement. Ouais, il y a tout ça dans ce morceau. Presque 6 minutes mais il y a surtout un son qui s’écoute avec plaisir pour son charme un peu surannée du vieux metal qui retrouverait un peu de fraîcheur et l’investissement de ces 4 musiciens sacrément doués et en osmose. Bravo les Birds ! Vivement la suite. » – Hubert Jaulin

3. « THE GENTLEMAN »

Pour clore cet album, « THE GENTLEMAN » se distingue par ses sonorités riches et ses arrangements sophistiqués. Ce titre explore les thèmes de l’honneur et de l’intégrité, racontant l’histoire d’un personnage empreint de noblesse et de rectitude. Les orchestrations élaborées, mêlant cordes et percussions, créent une ambiance majestueuse et épique. La voix du chanteur, profonde et expressive, guide l’auditeur à travers une réflexion sur les valeurs qui transcendent le temps et les épreuves.

4. « READY TO SHINE »

Vous souvenez-vous, de votre premier amour ? Quand vous pensiez vivre une chose exceptionnelle, privilégiée, et que personne ne pouvait comprendre ce que vous ressentiez ? Vous souvenez-vous de la première fois où respirer n’avait de sens, qu’auprès de votre bien-aimé ? Tous les espoirs, et la confiance que vous placiez dans cette première relation. Cette certitude inébranlable, qu’ensemble vous étiez plus forts que tout, que cet « autre » était la personne qui vous comprenait le mieux au monde, votre alter-égo, la moitié de vous que vous retrouviez ? Les mains qui tremblent, l’estomac qui se noue, la gorge qui se serre, l’attente qui vous consume entre chaque moment passé avec l’autre. Cette première histoire vous semblait unique, puissante, incroyablement exceptionnelle. Elle ne souffrait d’aucune crainte, vous ne doutiez d’aucune parole. 

Vous souvenez-vous, de la première fois où on vous a brisé le cœur ? Quand vous vous êtes rendu compte que l’amour ne dure pas toujours, que les belles paroles ne sont pas toujours sincères, et qu’on ne cherche pas forcément tous la même chose ? Cette fraction de seconde, où votre monde s’effondre, où vous découvrez la douleur et l’incompréhension du rejet. Vous pensiez n’avoir jamais autant souffert : qu’est-ce qui pouvait être pire que de perdre la moitié de soi ? De se sentir bafoué, trahi, oublié, effacé ? 

Il y a le premier amour, et la première désillusion. Tel des rites de passages, on s’est tous retrouvés un jour ou l’autre face à ces points d’étapes obligatoires. A travers des torrents de larmes, on a saisi les mains tendues, on a écouté les conseils creux de ceux qui étaient déjà passés par-là, en se disant qu’on avait probablement jamais entendu pire réconfort.

Ready to Shine nous renvoie juste à l’aube de cette découverte universelle, quand on avait encore dans le cœur, cet espoir innocent, de trouver la bonne personne. Juste avant que votre vie bascule.

« A Few Pieces of Delicacy » est plus qu’un simple album ; c’est une expérience auditive qui marie habilement des émotions brutes et des compositions raffinées. Bird and Lies démontre une fois de plus son talent pour créer des œuvres qui touchent l’âme et stimulent l’esprit.

Ne manquez pas cette nouvelle œuvre magistrale de Bird and Lies ! « A Few Pieces of Delicacy » est disponible dès maintenant sur toutes les plateformes de streaming et dans les magasins de disques. Plongez dans cet univers musical et laissez-vous séduire par la délicatesse des compositions de ce groupe talentueux.

Prêt à découvrir ces morceaux ? Écoutez maintenant et laissez-vous transporter par la magie de Bird and Lies !

A propos de Bird and Lies :

Quatuor éclectique influencé par le metal, le rock, le blues et la musique classique. Fondé  en 2024, le groupe prépare un EP complet. Trois singles sont déjà sortis fin 2024 « Old Bird », « Confession » et « Ready to Shine ». Disponibles sur les plateformes de streaming.

Et ce quatrième single, à présent, « The Gentleman » qui sort sur toutes les plateformes de streaming formant « A Few Pieces of Delicacy ». Des parties de cor puissantes, une guitare tranchante, une voix soûl et une batterie tonitruante délivrent un rock alternatif, mélodique et entraînant.

Après quelques scènes effectuées avec cette formation et fort de leurs années d’expérience respectives, le groupe est déjà prêt à dérouler une prestation solide. Tout est parti de Tommy le batteur et Bobby le guitariste. Ils ont souhaité rendre leur musique plus accessible en recrutant Nana au chant. Nana est une belle-gosse ayant écumé largement les scènes pendant plusieurs années.
Le trio a ensuite voulu apporter un élément original. Et ce, pour enrichir le côté mélodique et la puissance émotionnelle des morceaux. Quoique méconnu, malgré son omniprésence dans les ensembles de musique classique et dans les grosses productions cinématographiques par exemple, l’ajout d’un cor a rendu tout cela possible avec Chuck aux pistons.

Bird and Lies « A Few Pieces of Delicacy » EP

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Frédéric Herraïz « Odyssey » Album

Biographie de Frédéric HerraÏz

Je me prénomme Frédéric Herraïz, passionné de musique et principalement de la six cordes. Je suis professeur de guitare depuis vingt-trois années et endorsé Ibanez .
J’ai commencé à pratiquer l’instrument en découvrant l’album « Unplugged » d’Eric Clapton.
Ce fût mon premier « choc » musical. Par la suite, j’ai découvert la musique instrumentale à travers des guitaristes tel que Joe Satriani, Steve Vaî, Allan Holdsworth, Yngwie Malmsteen, ou encore Patrick Rondat.
J’ai par ailleurs étudier avec ce dernier pour perfectionner ma technique.

Autodidacte pendant de nombreux mois, j’ai ensuite intégré une école de jazz et d’harmonie pour me perfectionner.
J’ai accompagné plusieurs groupes de rock durant dix années ce qui m’a apporté aussi l’expérience de la scène.
A la fin de cette formation, j’ai décroché mon premier contrat en qualité de professeur de guitare dans une école de musique. Après quelques années d’enseignement constituées principalement de cours collectifs, j’ai décidé de me tourner vers les cours particuliers à domicile.

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Site internet de Frédéric Herraïz :
http://www.fredericherraiz.com

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Le groupe bordelais est né en octobre 2020. Il se compose de quatre musiciens aux styles éclectiques, coutumiers de la scène et des studios : Jérémie à la batterie, Eric et Jean-Phi aux guitares, Antoine au chant et à la basse. Dark Sail a fait ses armes chez Julio Répétition à Pessac en produisant un rock heavy puissant aux influences allant de Smashing Pumpkins à Metallica, en passant par Guns N’ Roses et Deftones.

Le groupe s’est produit pour la première fois en live au Steady le 28 mai 2022 et a conquis le public par son style détonnant. Depuis deux morceaux ont été enregistrés et mixés par Yaël « Grave Clave » Mothes et deux autres singles sont déjà en préparation. L’objectif du groupe est de jouer sur scène et de partager son énergie avec le public, en espérant convaincre le plus possible à chaque fois.
Un clip vidéo est également disponible, celui de leur premier single ‘Playing for the last time‘ disponible ici. https://www.youtube.com/@darksailmusic >>>

« Oh ! Le son du jour nous vient encore du coin ! Une nouvelle prod du grand Yael Grave Clave Mothes pour le groupe Dark Sail qui se définit comme groupe de rock heavy.2 grosses grattes, une section rythmique qui envoie des parpaings, dont le bassiste au chant et une ribambelle de gamins pour les chœurs et l’orchestre philarmonique (mais qui sont tous restés dans le Tour bus. Ça leur apprendra à réclamer une deuxième tranche de pain rassis en guise de nourriture quotidienne).
Le titre Blast doit sans doute évoquer la caresse d’une rosée matinale déposant délicatement des sanglots humides sur la mousse confortable. Ou pas… (et alors, qu’est-ce que tu vas faire ? Réécoute le morceau pour voir ! Eux ça leur fait des streams en plus et toi tu pourrais réapprécier le voyage).
Le groupe intrigue avec un morceau mêlant habilement métal (la voix du chanteur m’évoque tellement celle de Chino sur les premiers Deftones…) avec une bonne dose de heavy dans la construction des solos de grattes techniques et suraiguës.Les ponts entre parties (fin de refrain, pré-solos), sont très intéressants par leur caractère hargneux et annonciateurs de changement d’ambiance tout en étant d’excellents fournisseurs de head banging.
Bref, ça poutre et on ne s’ennuie pas. Et puis quand t’as un rhume, au lieu du grog habituel, le Dark Sail, ça débouche le sinus . En plus à la différence du rhum qui porte le même nom, c’est à consommer sans modération. La chance… »

Chronique : Hubert Jaulin

Dark Sail « Blast » Single
Sortie officielle le 13 novembre 2024

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Dark Sail, groupe bordelais créé en 2020 proposant un style Heavy / Grunge / Rock. La bande se compose de Tonio (Chant, basse), Chips (guitares, chant), Rico (guitares) et Jérémie (batterie). Bienvenue à bord et bonne écoute ! Dark Sail « Playing for the last time » Single

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Color-Full Death « Money Please for New Album » EP

Pourquoi choisir d’écouter un groupe de rock puis de punk puis de blues…
Alors que Cølør-Full Death existe?
Tout les styles de musiques possibles et imaginables combinés en un seul groupe…
La guitare 70’s d’Hatta
La batterie métal d’Arthur
La basse 90’s d’Amon
La voix pop punk et la guitare punk de Noreñato.
Ils sont là pour créer le son Cølør-Full Death.
Ce groupe vous montrera que certaines choses ne peuvent être définies.
Leur adage : « Sur scène ils ramènent la brutalité des acouphènes ».

https://www.instagram.com/colorfulldeathband

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Looking Up « Steps » EP. Quartet de Jazz-rock ou jazz-fusion se composant de Benoit Arveiler au saxophone alto et soprano. Antoine Tabarin aux claviers ; synthétiseurs, piano à queue. Philippe Kudra à la basse électrique. Et enfin Yaël « Grave Clave » Mothes à la batterie. Tous les quatre étant tombés très tôt dans la grosse marmite du jazz électrique…

1er single avant la sortie officielle le 05 janvier 2024

Constitué dans les années 2000, Looking Up puise dans les standards du jazz-fusion des années 70 à 90. Epoque de créativité musicale encore toute proche durant laquelle les jazzmen s’invitaient régulièrement dans les “Hits”.

Dans la tradition du jazz, Looking Up s’approprie et réinterprète les originaux des grandes figures de la « fusion ». Telles que Miles Davis (plugged), Yellow Jackets, Herbie Hancock, Billy Cobbham, David Sanborn, Larry Carlton, les Crusaders…

Looking Up sur Bordeaux

Looking Up participe ainsi à l’animation de la scène jazz bordelaise et de Gironde. Et ce, depuis une vingtaine d’années. Ils se produisent dans différents clubs et salles de jazz (Thélonious, Amadeus, Lambarzique, Le Baryton, Station Ausone..).

Mais aussi participent à divers évènements tels que le festival Ciné Jazz de Seignosse ou le « off » des 24 heures du swing de Monségur …

En 2022, Looking Up propose un répertoire « Tribute to Steps Ahead » basé sur les morceaux de ce groupe mythique fondé par Mike Mainieri. Et issu des sessions qui avaient lieu au club New Yorkais de Michael Brecker sur la septième avenue.

Un répertoire qui a fortement marqué l’histoire du jazz-rock par ses couleurs et son contenu mélodique et qui a su entrainer dans son sillon un large public.

Looking Up « Steps » EP lors de l’enregistrement au studio Berduquet

Si vous ne connaissez pas Steps Ahead, je vous propose ces quelques lignes de biographie fort utiles :

Steps Ahead est un groupe de jazz fusion qui a émergé dans les années 1980. Il marque une nouvelle ère dans le monde du jazz contemporain. Fondé par le vibraphoniste Mike Mainieri, Steps Ahead a réussi à fusionner des éléments du jazz traditionnel avec des éléments de musique électronique et du funk. Ce qui aura pour but de créer ainsi un son novateur et captivant.

Le noyau du groupe était composé de musiciens talentueux et innovants tels que Michael Brecker (saxophone). Don Grolnick (claviers). Eddie Gomez (basse) et Peter Erskine (batterie). Ces artistes avaient déjà établi leur réputation dans l’industrie musicale avant de rejoindre Steps Ahead. Ainsi, ils apportent avec eux une richesse d’expérience et de créativité.

Il ne faut pas oublier que l’une des caractéristiques les plus distinctives de Steps Ahead était leur capacité à intégrer des éléments de musique électronique dans leur son. À une époque où la technologie musicale était en plein essor, le groupe a su exploiter ces nouvelles possibilités. Ainsi, ils pouvaient créer des textures sonores uniques. Les synthétiseurs et les boîtes à rythmes faisaient partie intégrante de leur palette musicale. De telle manière que cela ajoutait une dimension futuriste à leur musique.

L’album éponyme « Steps Ahead »

Ce disque est sorti en 1983, a été un jalon important dans la carrière du groupe. Il a été acclamé par la critique. Puis a attiré l’attention du public sur le talent et la créativité de Steps Ahead. L’album présentait des compositions originales qui mêlaient habilement des éléments de jazz, de fusion et de musique électronique. à ce propos, les solos virtuoses de Michael Brecker et les grooves inventifs de Don Grolnick ont contribué à faire de cet album un classique du genre.

Au fur et à mesure, le succès de « Steps Ahead » a ouvert de nouvelles opportunités pour le groupe. Dès lors, cela les amène à tourner à travers le monde et à collaborer avec d’autres musiciens de renom. Leur capacité à mélanger des styles musicaux variés a élargi leur auditoire. Ils attirent à la fois les amateurs de jazz traditionnel et les fans de musique moderne.

Au fil des années, Steps Ahead a continué à innover et à évoluer, sortant plusieurs albums qui ont consolidé leur réputation dans le monde de la musique. Pour cela, des morceaux tels que « Pools » et « Trains » ont démontré leur habileté à créer des compositions captivantes et immersives. Tout en conservant une approche expérimentale et avant-gardiste.

Steps Ahead, groupe qui tient sacrément la route

Malgré des changements de formation au fil des ans, Steps Ahead a toujours su maintenir un haut niveau d’excellence musicale. De nouveaux membres tels que le saxophoniste Bob Berg ont apporté leur propre sensibilité artistique au groupe, contribuant ainsi à élargir encore davantage leur son.

En fin de compte, Steps Ahead reste un groupe emblématique de la fusion jazz, ayant laissé une empreinte indélébile sur le paysage musical. Leur capacité à repousser les limites du genre et à créer une musique qui transcende les conventions a influencé de nombreux artistes et continue d’inspirer les musiciens d’aujourd’hui.

En conclusion

En définitive, Steps Ahead est un groupe qui a marqué son époque en repoussant les frontières du jazz fusion. Pour cela, leur mélange novateur de jazz, de musique électronique et de funk a créé un son distinctif qui continue de captiver les auditeurs du monde entier. Mentionnons tout de même qu’avec des musiciens exceptionnellement talentueux et une vision artistique unique, Steps Ahead restera à jamais gravé dans l’histoire de la musique contemporaine. 

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BLACKTONG : c’est quoi ?

Il s’agit bien là d’un groupe de rock alternatif issu et inspiré de la grande famille de la chanson française. Armé d’une constellation de morceaux en chantier depuis 2013 environ. Le projet indépendant BLACKTONG est porté par la chanteuse Mathilde Ayrault.

C’est en effet après un premier enregistrement électrique live de 4 titres sur Paris, que l’autrice compositrice préfère quitter ses congénères et partir s’enrichir de sonorités plus anglaises. Ainsi, elle s’expatrie une année à l’étranger (Australie et Indonésie).

À son retour en France, elle s’établit à Bordeaux.Elle est alors parée de nouveaux textes mais toujours écrits en français. C’est dans cette langue qu’elle se sent le plus à l’aise pour jouer avec ses mots et ses sentiments.

Ainsi un premier échantillon de titres écrits par ses soins figure sur cet EP. Six titres enregistrés en studio dans les locaux de la Maison des Arts Vivants à Villenave-d’Ornon (33).

L’ E.P « Mademoiselle O »

Le résultat de sa recherche de nouveaux musiciens sur Bordeaux est plus qu’aventureux. Mais surtout riche en rencontres humaines. L’auditeur prend conscience, en plongeant ses oreilles dans cet E.P presque fugitif, que de nouveaux rockeurs se sont greffés au projet afin de toujours l’enrichir et le consolider sur ses partis pris artistiques.

Aujourd’hui, c’est avec Guillaume Evrard à la basse, Louis Kuhna à la guitare et Lucie Lemit à la batterie, qu’on voit les morceaux en français s’intensifier. Enfin se figer, et tenter de laisser eux aussi leur marque.

Dans cette introspection personnelle ouverte sur le « reste des hommes ».  l’universel « Mademoiselle O » est ce titre qui prête son nom à ce nouvel E.P de BLACKTONG. Ce dernier aborde les déroutes sociales que peuvent rencontrer certaines personnes dans la société actuelle du : « Marche ou crève ». Il est le seul accompagné d’un piano interprété par Julien Bischerour. Il est orchestré par Yaël « Grave Clave » Mothes, fervent mixeur et arrangeur du groupe. Les autres chansons imprègnent des thèmes toujours universels. Ainsi sont abordés l’écologie, la postérité, les relations et les maladies ( depuis que le COVID s’est invité sur notre jolie « Mappebombe »).

Aussi, lors de ce premier enregistrement réalisé en studio au printemps 2023, Yaël Mothes, autorise de nouveaux instruments. La trompette et le piano viennent édulcorer l’atmosphère du E.P de BLACKTONG. Cette dernière est en effet tantôt chaude mais orageuse. Tantôt joyeuse et vindicative !

Des guitares solos s’ajoutent à des mélodies pop. Mais aussi parfois déchaînées, symptômes d’influences stoner (Chanson « Mappebombe »), bluespunk ( « Indemne » et « Saut de page »), voire folk ( « Signifie-lui » et le « Diable l’emporte »). Un alliage qui peut constituer un certain pari musical. Surtout quand on sait que les influences de BLACKTONG sont très éclectiques dans la palette du rock (et pas que !)
« Vivement la suite ? » Le groupe l’espère en 2024 !

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Blacktong « Mademoiselle O » EP

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3ème single : MY BAD

Commitment and free will…
« […]ce titre qui démarre avec un harmonica sur l’intro. Folk + harmonica, on est évidemment aspiré par l’univers de Dylan. Pourtant la comparaison disparait rapidement pour laisser place à un morceau plus pop indé, très 90’s.
[…]Le propos s’entend à plusieurs niveaux. La nécessité d’être raccord avec son auditoire quitte à dire des choses consensuelles […] (la m fameuse pression sociale, sous-titre de la chanson) ou encore le besoin d’être soutenu sans réserve dans ses prises de position par ses proches. Dans les deux cas, les questions de la confiance en soi […] et de l’engagement sont posées. »

2nd single : WICKED MINDS

« Wicked Minds que l’on pourrait traduire comme « la perversion de l’esprit » […]illustre une autre part d’ombre des Hommes. […]La conclusion du morceau sonne comme une leçon retenue, celle de ne plus s’imposer et d’accepter l’autre tel qu’il est. Le texte est simple, fluide mais assez bouleversant. […]Creepy Mojo nous dévoile les petits travers de l’Homme. Sans complaisance ni fausse modestie. Il en a conscience et en assume le poids. Mieux, il cherche à s’en défaire et son mea culpa, n’en est que plus juste. »

1er single : ALL PASSENGERS

 « Soyons tout à fait clair, ce morceau est une merveille et cela ne souffre aucune contestation. Pourquoi ? Eh bien, parce que je vous le dis… Comment ça ? Ça ne suffit pas ? Attention, vous commencez à me chauffer. Je suis quand même classé 15-4 en judo alors c’est vous dire si je suis prêt pour la chicane… Si ce morceau est exceptionnel, c’est avant tout en raison de sa musique. On démarre avec une chanson pop avant de tourner à une forme de déchaînement rock indie aux accents californiens portée par des guitares, une basse et une batterie. La structure du morceau, bien que plus classique que les précédentes enchaînant couplets et refrains, est d’une efficacité rare en raison de son ingrédient magique qui fait toute la différence.

   Lors des refrains la métrique passe de 4 à 3 temps sur certaines phrases. Supprimer ce simple temps donne un allant formidable au morceau. Solaire et optimiste, il confirme que le personnage de Creepy Mojo reste capable d’un enthousiasme enfantin. Il y est question de souvenirs d’enfance lors d’un voyage. Celui-ci est-il réel ? Imaginaire ? Amoureux ? Emotionnel lors de la découverte d’un artiste ou de son œuvre ? Sans doute un peu tout cela. Ici le voyage semble plus important que la destination et définit l’objet même des ambitions musicales de son auteur « awakening your soul, make a deal with illusion » La musique, toute en progression, est un parfait condensé des sons indie 90’s avec des accents rétro. Il y a un côté Pixies dans son efficacité redoutable.

Léo Romand : guitares, basse

La ligne de basse du morceau est grandiose, les guitares ont un effet antidépressif quasi immédiat et s’accumulent avec gourmandise. La batterie, au service du morceau, souligne avec précision sa progression et son incroyable changement de rythme du refrain. Ce morceau envoie du bonheur pendant 5 minutes qui paraissent pourtant si courtes. « Greatful for the ride » conclue le « Mojo Flippant ». On peut dire qu’il nous aura enlevé les mots de la bouche.

Guillaume Huckel : batterie

   À l’enregistrement, mixage et production on retrouve le boss Yaël « Grave Clave » Mothes (qui finira par choisir un vrai nom de scène crédible si nous continuons à le harceler). Et pour parfaire tout ça, Mister Alexis Bardinet de Globe Audio s’est chargé du mastering.

   Le résultat combiné de ces deux passionnés et de Creepy Mojo donne un son 70’s parfaitement adapté au projet. L’usage d’un enregistreur à bandes d’époque ajoute le grain idéal aux morceaux. Si le diable se cache dans les détails, le sérieux d’un projet le fait tout autant. »

– Hubert Jaulin

Creepy Mojo à Globe Audio Mastering avec Alexis Bardinet

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Creepy Mojo « The Devil We Know » Album

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   Premièremennt, les académies de tennis aux Etats-Unis aux « gigs » dans les salles londoniennes… Deuxièmement, les cafés-concerts des plages basques… Troisièmement, le passage dans la onzième saison de la Nouvelle Star… Si bien que Romain Baudry a tout du baroudeur fonceur et curieux de tout. Après la pop française sur son EP éponyme et la “far western pop” sur son premier album “Blue Lion Girl”. Ensuite, il poursuit avec ses nouvelles chansons majoritairement en anglais ses explorations musicales dans des sonorités électro et new wave.

L’artiste nous révèle une facette supplémentaire de ses influences où les machines jouent les premiers rôles mais où le cœur rock de ses créations reste prégnant. Ainsi, on y retrouve Killing Joke, Alphaville mais aussi Gorillaz ou James Blake pour les orchestrations et toujours Bashung pour l’inspiration littéraire.

Matérialisées sur scène, ces nouvelles créations se succèdent comme autant de courts métrages électriques. En effet, on y évoque l’amour, le sacrifice de soi, la torpeur, l’inéluctabilité des destins. Toutefois, Romain Baudry révèlera ce nouvel album en juin 2023.

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Romain Baudry « Bonnie and Clyde » Single

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Chronique de l’album Head for a fall par Hubert Jaulin
Avril 2026

Le temps de la récolte est venu !

Après avoir passé des mois à s’appliquer à planter les graines d’un album, s’être échiné à construire une cohérence avec authenticité et minutie, la sortie d’un album sonne à la fois comme une finalité et le début d’un nouveau chemin.

Harvestime, groupe bordelais de metal a choisi un artwork d’album qui semble représenter ce long chemin qui mène à un avenir souriant.

Head For a Fall, sorti en septembre 2025 est le fruit de 4 membres engagés. Au chant on retrouve Jessica qui explore aussi bien la fragilité que la puissance et l’assurance. Elle est accompagnée par un guitariste, Eric, porteur de mélodies nostalgiques et de riffs conçus pour satisfaire tout.e bon.ne head-bange.use.r qui se respecte !

On retrouve sur la section rythmique Damien à la batterie virevoltante (qui a cédé la place à Yaël récemment) et un impressionnant Florian à la basse.

Roses of Dispair

Le premier morceau de cet opus « Roses of Dispair » démarre par une intro bucolique teintée de nostalgie d’un temps calme révolu. Le texte démarre et confirme cette impression. On y entend Jessica s’interroger sur ce qui ne va pas chez elle dans sa relation avec celui ou celle à qui elle s’adresse.

A celles et ceux qui imaginent la jeune femme éconduire son interlocuteur.ice en mode « ce n’est pas toi qui ne fait pas ce qu’il faut, c’est moi » peuvent commencer à ranger leur empathie doublée de jugement viriliste pour cette femme qui « ne se sent pas assez bien pour l’autre ». T’as cru que tu écoutais un groupe de dark romance ?

T’inquiète, Jessica s’échauffait. Ça tombe bien, le groupe faisait de même. Fini le son très pop mélodique. Après une belle harmonique à la guitare, tout le monde s’énerve. Ça balance du gros son, une rythmique sèche et définitive et la descente d’un demi-ton en fin de phrase change le décor. La victime n’est pas du côté que l’on croit. Jessica a des comptes à régler et son interlocuteur.ice n’a pas voix au chapitre. « if I hurted you, then I let you hill ». C’est clair ?

Ce premier morceau pose de suite les bases de leur musique. Pas de concession. Pas d’accord. C’est cash macache !

Allez Harvestime, envoie la suite, je suis tout ouïe !

All Liars

Le second morceau All Liars ne prend pas de gants pour envoyer direct ! Un break de batterie et tout le monde rentre dedans. Le riff principal, saccadé et porté par une belle descente tire tout le monde vers le grave (« Le grave c’est la vie » aurait pu dire Karadock s’il avait vécu un temps où on pouvait électriser les luths) !

C’est le moment de mettre les poings, non pas sur les i, mais dans la gueule de ceux qui se permettent de nous vendre un narratif perverti de la réalité. Les menteurs peuvent aussi bien être des quidams lambda que des puissants, si tu mens tu prendras ton retour de bâton, sans doute lancé avec force et précision par le groupe 

L’ambiance musicale est au diapason pour envoyer sa sentence. La section rythmique est imparable pour soutenir le riff gras du guitariste.

Le premier pont soutenu par un petit passage de slap bien senti qui enchaine sur une liaison calme et progressive à la guitare semble préparer à l’estocade finale que Jessica répète « Let’s pretend it is not all true ». Comme une inversion des rôles. Alors menteur, prouve que je mens !

Je déclare Harvestime vainqueur par K.O.

Lupa

Lupa, troisième titre de l’album, évoque un combat perdu d’avance où seule la fin est espérée tant la lutte est douloureuse (pas la fin du morceau, hein… de la vie de son personnage. Merci de faire un petit effort pour me suivre sinon ça va être long. Je sais ce n’est pas l’plus simple). Si la joie n’est pas convoquée, la musique qui accompagne le morceau ne ressemble en rien à un renoncement.

On y ressent une certaine urgence appuyée par la basse qui suit le riff de guitare tout en appuyant cette course vers une issue espérée. La batterie saccadée et précise renforce encore ce sprint. Les couplets sont intenses et très efficaces. Les refrains désespérés au chant eux sont plus mélodieux comme l’issue presque heureuse qu’ils évoquent. Le pont est superbe, profond et prenant toute la place au diapason des pensées qui semblent tourner dans la tête de Lupa. Le dernier refrain est sublimé après ce pont tendu et très rythmique. Son côté plus mélodique donne un sentiment de sérénité et d’apaisement à la fin du morceau. Bien vu !

Head for a Fall

Vient ensuite Head For A Fall que je comprends comme un hymne à la prédétermination. SI tu pars en victime, n’espère pas être autre chose. Le tout est envoyé comme une description factuelle sans proposition de solution. Harvestime n’est pas là pour ça. Si tu veux changer, sors toi les doigts et fonce. En tout cas, musicalement c’est aussi direct que l’uppercut du texte pour celui ou celle qui en est destinataire. Notons la fin du morceau encore plus percutante avec un rythme du chant aussi syncopée et précis qu’une rafale définitive lâchée à bout portant.

The Line

Passons ensuite à The line et allons-y avec gourmandise parce qu’il en faudra pour apprécier les multiples couches de sons du morceau. Les riffs s’enchainent, les structures rythmiques sont toutes plus entraînantes les unes que les autres. Quelle générosité ! Le morceau est un banger ! Voilà un batteur qui a moyen de finir crevé à la fin du morceau. La syncope est à l’énergie rock ce que l’autotune est au manque de talent. Mention spéciale aux chœurs discrets mais bienvenus sur les refrains.

Darkside

Darkside prend la suite. Le morceau évoque la course infernale du temps et notre difficulté à faire pause même si ça ne serait pas une mauvaise idée. La guitare évoque bien cette inexorable boucle ultra rapide. La basse et la batterie semblent tenter de lutter contre ce cycle infernal. Pourtant au moment des refrains, on sent bien que le combat est perdu et tout le monde tente de s’aligner dans la souffrance pour suivre le rythme effréné imposé. J’aime bien ce sentiment de cohérence entre l’histoire racontée par le chant et celui exprimé par les musiciens. Au passage la virtuosité des musiciens explose une fois de plus.

Propaganda

Propaganda démarre sur un riff de gratte qui sent bon le stoner. Mais dès qu’il est rejoint par la section rythmique, le stoner a fui sans demander son reste face à un métal qui sort comme un diable de sa boîte. Il y a un côté néo métal dans le son compressé de la basse qui colle tellement bien au morceau. Le refrain me prend par surprise. Jessica se double elle-même et on glisse vers un métal teinté de pop pour l’occasion. Le mélange est aussi surprenant et intéressant qu’une vodka – calvados. Jessica, au chant, fait « all-in » sur l’indépendance des femmes. Elle le fait en hurlant pour que le message soit bien compris. Elle ne demande pas la permission pour rappeler que ce sont aux femmes de choisir ce qu’elles veulent, elle est prête à jouer son rôle pour que ce soit bien clair pour tou.te.s !

Predator

Predator commence avec un riff de basse au son magnifique. Les notes aigües des cordes semblent avoir été captées par un micro posé devant l’instru pendant l’enregistrement. Une nouvelle fois ce son me renvoie à des groupes de néo métal ou fusion des années 90. La basse est rejointe par les autres instrus pour envoyer du gros son. Je vais me permettre à cet instant de partager un regret. Celui que l’album ne soit pas masterisé pour éviter cette baisse d’intensité d’un signal trop limité pour donner toute sa place à chaque musicien. J’imagine la claque en live ou sur un support qui ne compresserait pas le signal global de tous les instrus…

Le morceau évoque l’excitation macabre d’une chasse et la voix autant que les instrus portent ce côté un peu sale de ce « hobby ». La vitesse, la ruse, l’excitation sont palpables et le tout fonctionne parfaitement.

Utopia

Utopia, le morceau suivant évoque aussi bien les jeux d’argent que la société ultralibérale qui te donnent l’impression de gagner sans que tu ne sois complètement dupe. « Le casino gagne à chaque fois ». Musicalement nous retiendrons ce pont un peu jazzy qui renforce le côté « entertainment » que semble dénoncer le morceau. Tout le reste n’est qu’efficacité des musiciens et de leur chanteuse.

Glass

L’album se conclue sur Glass qui me rappelle instantanément l’énergie du groupe No Doubt et sa synthèse de rock, de pop, teintée de reggae. Ok, la comparaison s’arrête dès la fin des couplets mais il y a dans ce riff de guitare quelque chose dans cet esprit et c’est pas mal. Les refrains sont eux beaucoup plus droits et radicaux. Le propos semble évoquer nos fêlures et le besoin de s’en accommoder. Pour cela les musiciens semblent se déchainer pour donner l’impression qu’il n’y a pas de place pour trop s’appesantir là-dessus et profiter à fond. Cette urgence à vivre est illustrée par la seconde partie du morceau sans répit. On fonce et on verra bien !

Que ce soit dans les textes ou dans certains sons du groupe, la philosophie punk n’est pas très éloignée. Elle n’est pas conviée pour « faire genre » et sait se montrer discrète mais elle ajoute un petit supplément d’âme aux morceaux. Souhaitons que les prochains messages de Harvestime rugissent et soient partagés largement.

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Harvestime « Head for a Fall » Album

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Après avoir participé à plusieurs projets musicaux en tant que guitariste, batteur et bassiste, Emmanuel Grocolas est revenu à son instrument de prédilection, la guitare. Il nous proposer un premier EP de 4 titres intimistes et éclectiques, intitulé « De l’ombre à la lumière » qui sortira le 24 février 2023.

Ses idées musicales, inspirées par ses nombreuses influences et expériences musicales, ses voyages et ses expériences de vie, ont doucement maturé jusqu’à présent. Il était donc temps pour lui de laisser libre court à sa créativité. Il propose donc au public de découvrir son univers musical puissant, subtilement mélancolique et parfois touchant.

Cet ancien élève du CIAM et du Conservatoire Jacques Thibaud à Bordeaux propose une musique instrumentale. La guitare y a une place de choix. Il explore des thèmes qui lui sont chers comme la famille, la paternité, la protection. Mais également l’environnement et le sentiment amoureux pour sa compagne. La musique est vraie, exigeante et fait voyager l’auditeur dans des ambiances où le jazz, le blues et le rock s’entrecroisent, où le métal s’invite parfois. Le tout agrémenté par des harmonies riches et subtiles.

Vous pourrez le découvrir sur scène notamment avec son groupe de soul épissée et métissée Random.

Découvrez l’interview d’Emmanuel Grocolas à propos de son 2nd EP du 13 septembre 2024

Emmanuel Grocolas et Yaël « Grave Clave » Mothes chez Globe Audio

Globe Audio Mastering

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Emmanuel Grocolas « De l’ombre à la lumière » EP

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Romain Baudry « Victoria » Single. Des académies de tennis aux Etats-Unis aux « gigs » dans les salles londoniennes, puis aux cafés concerts des plages basques en passant par la 11ème saison de la Nouvelle Star, Romain Baudry a tout du baroudeur fonceur et curieux de tout. Après la pop française sur son EP éponyme et la “far western pop” sur son premier album “Blue Lion Girl”, il poursuit avec ses nouvelles chansons majoritairement en anglais ses explorations musicales dans des sonorités électro et new wave.

L’artiste nous révèle une facette supplémentaire de ses influences où les machines jouent les premiers rôles. Mais où le cœur rock de ses créations reste prégnant. On y retrouve Killing Joke, Alphaville mais aussi Gorillaz ou James Blake pour les orchestrations et toujours Bashung pour l’inspiration littéraire.
Matérialisées sur scène, ces nouvelles créations se succèdent comme autant de courts métrages électriques. On y évoque ’amour, le sacrifice de soi, la torpeur, l’inéluctabilité des destins. Romain Baudry révèlera ce nouvel album en juin 2023.
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Romain Baudry « Victoria » Single

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   Des académies de tennis aux Etats-Unis aux « gigs » dans les salles londoniennes. Puis aux cafés concerts des plages basques en passant par la 11ème saison de la Nouvelle Star, Romain Baudry a tout du baroudeur fonceur et curieux de tout. Après la pop française sur son EP éponyme… Après la “far western pop” sur son premier album “Blue Lion Girl”… Il poursuit avec ses nouvelles chansons majoritairement en anglais ses explorations musicales dans des sonorités électro et new wave.
L’artiste nous révèle une facette supplémentaire de ses influences. Où les machines jouent les premiers rôles mais où le cœur rock de ses créations reste prégnant. On y retrouve Killing Joke, Alphaville mais aussi Gorillaz ou James Blake pour les orchestrations. Et toujours Bashung pour l’inspiration littéraire.Matérialisées sur scène, ces nouvelles créations se succèdent comme autant de courts métrages électriques. On y évoque l’amour, le sacrifice de soi, la torpeur, l’inéluctabilité des destins. Romain Baudry révèlera ce nouvel album avec un premier extrait à paraître à l’automne 2022… avant d’enchaîner sur une série de concerts en trio en 2023 avec au cœur la hâte de retrouver son public.

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Romain Baudry « Let’s talk sense » Single

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longskirt « The End » Cover. Depuis ses 15 ans, longskirt s’improvise chanteuse et s’accompagne à la guitare. La création musicale ne vient que tardivement chez elle, mais même sans la pratiquer, elle baigne dans des univers tels que ceux de Bowie, Bjork, The Beatles, Bashung, Radiohead, et bien d’autres. Ce n’est que l’an dernier, à 18 ans, qu’elle compose sa première chanson guitare-voix « the necklace ». S’en suivront ainsi d’autres compositions, dans lesquelles on retrouve des influences indie-rock ou encore folk.

Titre : The End.
Artiste : November Ultra
Album : The End.
TuneCore, UMG (au nom de Universal Music Division Virgin Records); Kobalt Music Publishing, BMI – Broadcast Music Inc. et 4 sociétés de gestion des droits musicaux.

November Ultra, artiste émergent

Sa musique transcende les frontières du genre. Sa chanson emblématique, « The End », capture l’essence de son style unique. Avec des paroles profondes et une instrumentation envoûtante, l’artiste crée une atmosphère envoûtante qui invite l’auditeur à une introspection profonde.

« The End » se distingue par son mélange de sonorités électro-pop et de mélodies poignantes. Les paroles, imprégnées d’émotion, explorent des thèmes universels tels que l’amour, la perte et la résilience. La voix envoûtante de November Ultra guide l’auditeur à travers une expérience musicale captivante.

Le travail de November Ultra a rapidement attiré l’attention des critiques et des fans du monde entier. Son talent pour fusionner des éléments sonores divers crée une expérience auditive qui transcende les limites conventionnelles de la musique pop. Avec « The End », l’artiste laisse une empreinte indélébile dans le paysage musical contemporain et offre une vision nouvelle et émotionnelle de l’art sonore.

En somme, November Ultra et sa chanson « The End » sont une invitation à plonger dans un univers musical riche en émotion et en innovation, confirmant ainsi l’artiste comme l’une des voix les plus prometteuses de la scène musicale actuelle.

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longskirt « The End » Cover

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   Helichryse est un groupe de metal bordelais créé en 2021. Damien (guitare), Mathias (batterie) et Sébastien (chanteur et auteur) forment Helichryse en 2021. Machine Head, Guns’n’Roses, System Of A Down ou encore Insomnium comptent parmi les influences de ce groupe. Les compositions mêlent des passages trash metal à des sonorités issues du heavy metal. Les injustices quelles qu’elles soient, ce que l’Homme fait de pire, la protection du vivant assortie d’une dose de magie spirituelle inspirent largement les sujets abordés dans leurs titres.

Ce groupe sort ses tripes et se dépense sans compter (façon Jurassic Park) à chaque concert. Que ça soit dans des bars bordelais (les Runes, le Fiacre, Parc Sourreil), lors de la fête de L’humanité en 2018 (sur une scène si petite soit-elle), ou sur les soirées organisées par le Hellfest Cult à Concarneau et à Angoulême en 2019. « Born In Pain », premier opus du groupe réunissant 9 titres, sort le 3 décembre 2021. Mixé par Yaël « Grave Clave » Mothes (Flower Power Prod’Action) et masterisé par Alexis Bardinet (Globe Audio Mastering), il bénéficie d’une identité sonore unique pour ravir tes oreilles et te défriser la moustache !

L’hélichryse étant aussi une plante aux vertus apaisantes et cicatrisantes. Si tu as un coup de mou, un cœur brisé ou la rage au ventre, écoute Helichryse 2 fois par jour. Tu verras, tout ira déjà beaucoup mieux ! L’objectif du groupe est de se produire sur des festivals, des tremplins, de monter des plateaux avec d’autres groupes ayant la même énergie à revendre et par-dessus tout se défoncer pour un public !!

« Old Shadows donne le ton direct… « It’s coming from the dark » et le Dark a l’air étouffant, âpre et accueillant comme un sourire d’Emile Louis… En tout cas l’intro déclencherait un head banging à la Wayne’s World. Alors que le combat fait rage et que les humains semblent en prendre plein la tronche, le groupe, lui, ne semble pas prêt d’abdiquer. Grace à mon bac +9 en second degré, je suis à peu près sûr que ce combat est une métaphore d’une société en perte de sens (ou alors d’un gars qui se serait cogné le petit orteil sur une table basse dans une pièce obscure, mais j’y crois moins).
En tout cas le morceau boosté à la testostérone propose un break extraordinaire alternant une rythmique très droite et des breaks de batterie aussi précis qu’entropiques. La guitare clos le morceau avec un vibrato dingue trop souvent considéré comme un effet du passé et qui laisse l’auditeur reprendre son souffle, impatient d’entendre la suite. Quelle mise en bouche! »

Critique du single par Hubert Jaulin
Bassiste de Cargo

Formation bordelaise créée en 2021, Helichryse tire son nom d’une plante aux vertus cicatrisantes et apaisantes. Ce premier opus « Born In Pain » est un condensé d’un metal avec quelques structures thrashisantes modernes et heavy. Bref, la prod est vachement bien foutue pour une première réalisation, avec aussi des passages légèrement groovy comme sur « In Zombies Mind ».
Ensuite le riff est bien gras et dépote les esgourdes avec une alternance de chant grave, puissant et voix claire. Puis, il faut reconnaître que le combo bordelais alterne les tempos avec dextérité, avec une décontraction musicale qui peut rendre certains jaloux ou dubitatifs.
Voilà donc une sacrée baffe musicale qui ne demande qu’à défourailler vos chaumières et surtout n’importe quelle scène de notre bel hexagone.

Chronique par Jean-Mimi
dans l’émission metal hard rock
Boomerang sur O2 Radio

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Helichryse « Born in Pain » Album

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The Lost Meridian

Quintet bordelais à la voix féminine. Il puise dans les influences rock/trip hop des années 90 pour créer son univers propre. Il mêle avec justesse la mélancolie des Rhodes et les saturations atmosphériques dignes de the XX. Une musique influencée par Portishead, Morcheeba, Archive, Moloko. Une voix envoûtante parachèvent des mélodies qui nous transportent. Leurs titres alternent colère et douceur comme sur le premier single du nouvel opus “Caterpillar”.
Ce titre relate le quotidien et les angoisses de femmes subissant le harcèlement sexiste et les violences sexuelles dans les transports en commun. Le titre (« la chenille » en français) traduit la tendance que peuvent avoir ces victimes à se recouvrir pour se protéger des regards insistants.

A propos du clip

Au regard du thème poignant et actuel de cette chanson, nous avons projeté une collaboration avec le collectif Collages Féministes Bordeaux qui a accepté. Ensuite, nous avons calé le scénario sur la chronologie d’une session collage. En commençant par la peinture des lettres noires dans l’intimité d’une mansarde bordelaise. Pour finir par arpenter les ruelles du vieux Bordeaux en collant sur les murs les messages relatant le quotidien de tant de femmes harcelées sexuellement. Ainsi, l’idée a été de retranscrire un maximum d’émotions au fil de la narration. Au détour des regards et des gestes. Avant de révéler toute la portée des messages sur le bouquet final (lorsque la puissance du chant atteint son paroxysme).

A propos de l’EP

Nous sortons notre troisième EP masterisé chez Globe Audio avec Alexis Bardinet avec le clip du premier single en juin. Suivi du deuxième clip “Omen” qui accompagnera la sortie de l’EP sur toutes les plateformes en septembre prochain. Nous retrouverons la scène fin juin. Puis, nous reprendrons une série de concerts à partir de septembre pour la sortie de l’EP.

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The Lost Meridian « Regardless of What the Omen Said » EP

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Lili Marleen, c’est un groupe de rock en français, pour tenter d’exprimer ce qui transhume et s’effiloche :

Fantasmes qui fument, fêtes anamorphes, cabanes de bamboches où les humeurs s’enlisent, femmes roseaux des mangroves d’Amérique, belles de nuit, villes de brume et corridors…

Depuis 2014, on triturait dans nos chambres bordelaises, des instants à éterniser. Ça veut dire qu’on agitait très fort, deux têtes entre les murs, nos carnets de balades et nos désillusions, jusqu’au moment où ça ressemblait à de la musique, qu’on enregistrait.

Parfois ce n’était plus du rock mais ça venait d’ici.

Des copains d’aventure sont venus se joindre à l’expédition. On a grimpé à notre rythme, « Volcan de plume », notre premier EP. Et le volcan la pété en numérique, au début de l’année 2019.

Pour l’instant et à l’avenir, Lili Marleen explore la meilleure façon de vous faire gesticuler : en live très probablement ; à l’intérieur d’un transducteur électroacoustique et d’un écran, pourquoi pas.

« La poésie peut se passer des illusions, le rock’n’roll fricoter avec les belles paroles, la phrase tanguer sur le fil de riffs acérés et l’espoir parfois se teinter de noir. Qu’importe… Lili Marleen est un mot de passe pour oreilles exigeantes et non domptées. » 

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Lili Marleen « Au Nord » EP

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Biographie :

De nulle part ou d’ailleurs on fait comme tout le monde. Comme tout le reste, on s’envole si le vent nous porte on retombe quand il nous laisse. Sable, calcaire, bitume, cagnard, odeur de pins, vallée du Rhône du Gabas, tous les mêmes, on s’écoule si le flot nous porte. On s’échoue quand il nous jette là ou là mais tranquille, seul pénard, on kiffe une de ces pages lumineuses de notre petit monde et si vite on trépigne alors on repart, nulle part, peut être mais, ailleurs, parce qu’on a en a follement envie et parce qu’après, juste après c’est fini, il parait.

À propos de Lèche Party

Ronds de jambe, circonvolutions, sourires de façade, enfumage permanent, un métier, avec ses bancs et ses écoles. Un théâtre cynique aux marionnettes semblables et échangeables à l’envie, toutes, sortant du même moule. Et nous censés bien vouloir les avaler… les anacondas !

À propos de Mon Ange

Salut à tous et voilà aujourd’hui un nouvel extrait de l album Réplique.
Son nom vous parle ? Oui, c’est normal, il était déjà sur « Une ligne de Plus » mais… garanti… Pas pareil
Ce morceau nous suit et nous, on le poursuit, on le booste, on l’a petit à petit, satellisé à force de le jouer. On est très contents du résultat, on espère qu’il vous plaira autant qu’il nous a plu.
Une bonne écoute, on vous embrasse. Merci d’être là, voici Mon ange

À propos d’Amor Veritas Certo

C’est en janvier 2018, au Cabinet Musical du Dr Larsene que nous avons commencé à travailler ce morceau. A l’époque, Léo venait de nous rejoindre en tant que clavier (expérience qui ne dura que quelques mois avant qu’il cesse de transporter deux claviers et leurs pieds au profit d’une 6 cordes bien moins encombrante). Mathieu, était arrivé avec une mélodie et son texte (oui le même Mathieu qui ne se considère pas comme un musicien ). Ensuite, de mémoire, Jérémie a proposé ce riff un peu syncopé à la guitare pour le couplet, que la section rythmique a cherché à accompagner.

Le morceau était à l’origine, plus long, près de 8 minutes… Trop long mais parfois on prend tellement de plaisir à jouer certaines parties qu’on a tendance à les faire durer… C’est lors de l’enregistrement avec Flower Power Prod’Action que notre ingé son / producteur (l’excellent Yael Grave Clave Mothes) nous a incité à le réduire avec cette petite phrase « bon, les gars, on coupe, on tranche et on va arrêter de se faire chier à vous écouter vous br#§@er pendant des plombes bande de « sales timbanques », Léo va me faire un café, Jérémie et Simon allez chercher des chocolatines, plein, Hubert et Mathieu, cessez de respirer, ça me déconcentre. »
Du coup, 2 syncopes plus tard (Mathieu a plus de souffle que son bassiste mais après 8 minutes d’apnée, il tombe aussi), le morceau a rejoint sa forme finale d’environ 4’30.

Quant au sens du texte

Il fallait voir l’indice fourni par l’acronyme du morceau Amor Veritas Certo. Mathieu l’explique ainsi :
« Il y a des matins moins drôles que d’autres où quand le téléphone sonne, la voix de ton proche de l’autre côté n’est pas la même, pas du tout , elle t’agrippe aux tripes tout de suite et les mots tombent…
Le ciel devient sombre
Tout s’arrête tout autour »
Plus rien n’existe ou n’a d’importance et le mur en face, une lame de bulldozer, t’écrabouille comme un moucheron, dans le silence et l’oubli. Seul, meurtri, triste, la peur et l’angoisse sont tes seuls et derniers moteurs. Vivement quand ils surviennent, que ces jours là cessent. »

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Cargo « Réplique » Album

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« Merci à Yaël pour son accueil. Nous avons apprécié la qualité de ses conseils, notamment dans la gestion du travail en studio du groupe… Une vraie valeur ajoutée pour le groupe sur les répétitions qui ont suivi. Nous avons également été servis par le haut niveau d’investissement dont il a fait preuve suite à cette session d’enregistrement. Bref, comme nous le disons: «caviar» pour une première expérience. Nous le recommandons! »

Random recording artist @GroupeRandom

Random « Covers » EP :

Session d’enregistrement studio avec Random

Qui de nous 4 inspire les autres ? Telle pourrait être la question à l’écoute de notre musique. En effet, Random, groupe originaire du sud de Bordeaux, propose une Soul épicée et métissée par une voix chaude soutenue par une guitare colorées et une section rythmique pétillante. Le groupe explore et revisite son répertoire en tentant de s’affranchir des étiquettes.

Le groupe Random, c’est :

Un style plutôt Soul épicé

Matthieu au chant. Bernard à la basse. Paul à la batterie. Et aussi, un artiste FPPA bien connu à savoir :

Emmanuel Grocolas à la guitare.

Après avoir participé à plusieurs projets musicaux en tant que guitariste, batteur et bassiste, Emmanuel Grocolas est revenu à son instrument de prédilection, la guitare. Il nous propose un premier EP de 4 titres intimistes et éclectiques, intitulé « De l’ombre à la lumière » sorti le 24 février 2023 que vous pourrez retrouver sur notre site en cliquant ici : https://www.fppa.fr/rock/emmanuel-grocolas-de-lombre-a-la-lumiere-ep/

Ses idées musicales, inspirées par ses nombreuses influences et expériences musicales, ses voyages et ses expériences de vie, ont doucement maturé jusqu’à présent. Il était donc temps pour lui de laisser libre court à sa créativité. Il propose donc au public de découvrir son univers musical puissant, subtilement mélancolique et parfois touchant.

Cet ancien élève du CIAM et du Conservatoire Jacques Thibaud à Bordeaux propose une musique instrumentale. La guitare y a une place de choix. Il explore des thèmes qui lui sont chers comme la famille, la paternité, la protection. Mais également l’environnement et le sentiment amoureux pour sa compagne. La musique est vraie, exigeante et fait voyager l’auditeur dans des ambiances où le jazz, le blues et le rock s’entrecroisent, où le métal s’invite parfois. Le tout agrémenté par des harmonies riches et subtiles.

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Random Baby Dont Leave Me Cover

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Royal Blood « Out of the black » #quaranteam Covid-19 avec
Lena Lehcen : Vocals, Air Tubular Bells
Julien Monteiro : Air Guitars
Yaël « Grave Clave » Mothes : Air Drums, Air Modular, Editing, Mix
feat. Pumba and Simba and Dumbo

Out of the Black : La Puissance Explosive de Royal Blood

La chanson « Out of the Black » du groupe britannique Royal Blood est une véritable explosion d’énergie et de créativité. Sortie en 2014 sur leur premier album éponyme, cette piste emblématique démontre l’incroyable talent du duo formé par Mike Kerr et Ben Thatcher.

Dès les premières notes, « Out of the Black » transporte l’auditeur dans un univers sonore unique. La fusion du jeu de basse incisif de Mike Kerr et de la batterie tonitruante de Ben Thatcher crée une dynamique inimitable. Le riff d’ouverture est instantanément reconnaissable, avec son rythme hypnotique et sa puissance dévastatrice.

Les paroles de la chanson sont tout aussi captivantes. Elles abordent des thèmes de lutte, de résilience et d’affirmation de soi. Elles évoquent une volonté de se libérer des contraintes et des limites imposées par la société. Le refrain, chanté avec une intensité brute par Kerr, résonne comme un cri de rébellion et d’affirmation de soi.

La production de Out of the Black est un autre élément remarquable. Malgré le fait qu’il s’agisse d’un duo, le son de Royal Blood est colossal, créant une expérience auditive qui semble aller bien au-delà des limites d’un groupe conventionnel. La guitare de Kerr, qui est modifiée pour émuler les sonorités d’une guitare électrique, ajoute une profondeur supplémentaire à leur son unique.

La chanson a également été saluée pour ses performances en live. Le groupe parvient à reproduire l’intensité de l’enregistrement studio avec une énergie brute qui galvanise les foules.

Out of the Black de Royal Blood est une véritable démonstration de l’originalité et du talent du groupe. Avec son mélange explosif de basses vibrantes, de batterie percutante et de paroles percutantes, cette chanson reste un pilier incontournable du répertoire de Royal Blood. Elle continue de captiver les auditeurs du monde entier.

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Royal Blood Out of the black Cover

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TUNKS is an instrumental, heavy rock band from Bordeaux, France that recently released it’s debut album ‘Julio’s Walls Shake’ (read a few words about it here) so we took the chance to have a little chat with them and specifically with Bertrand the drummer of the band. Here is the mini interview that we prepared for you.

01.-Hello and welcome to Downtuned. First of all, give us some info about the band’s background just to let people know you better. Where did you get started? How did you meet?

First of all, thank you for doing this interview. The band started 5 years ago: Bruce (guitar) and Nico (bass), were already friends and played together. They were looking for a drummer… so they put an ad in which I answered, I played 2 songs with them and here we are!

02.-Did the members of the band participate in other projects or bands in the past and what kind of music did they play?
Bruce and Nico played in an alternative rock band; I played in several bands: punk rock, blues rock, and some cover bands… For all of us it was a good school.

03.-How did you come up with the name « TUNKS »? Does it mean something particular for you?
Well, we are fans of the Blues culture, the Delta of the Mississippi, Robert Johnson, Howling Wolf and all those fabulous musicians. Nico was reading some lines about the juke-joints, the honky-tonks… and he found that some of them were called tonks or tunks. He talked to us about it and the deal was done!

04.-How would you describe your music to someone who doesn’t know you yet? Is that the style that defines « TUNKS » or is there room for further experimentation?
To answer to this question I will use the words of a friend of Bruce who’s not in the stoner world. She came to our show and she said to us: I left myself go and I took a trip… ‘Music for your inner trip’, that’s a good definition. The stoner is the heart of it but not the whole thing…We listen to lots of different things from jazz to metal, blues, soul music, funk. So we try to put some pieces of all we love in our music.

05.-Your music is instrumental and you chose to name your tracks with numbers. The whole concept obviously would remind ‘Karma to Burn’ to someone. Is this one of your influences? What were the main reasons and influences that made you adopt this style in your music?
We name our tracks with number because it’s simple. That’s the main reason. We love Karma to Burn (the best band’s name in rock history for me) it’s a real badass band! Their music is direct, without compromise and if there’s something we tried to ‘steal’ from them it’s that! Our main influences are Deep Purple, Pink Floyd, Black Sabbath, Buffalo, Blue Oyster Cult, the in-your-face rock of the MC5, the Stooges and Nirvana and I should add ZZ Top and guys like Buddy Guy.

06.-What kind of music do you mostly listen to and what is currently in your daily playlist?
We are 3 dads so currently our playlist is Christmas songs! But we still find some time to listen to Nirvana, All them Witches for Nico who is also a punk rock fan. Bruce is a Deep Purple addict. He also likes 1000mods, Pink Floyd, the Re-stoned, Earthless, the Black Rainbows. Currently I listen to Villagers of Ioannina City, Bruce Springsteen, Clutch and Gary Moore.
Julio’s wall shake

07.-A few months ago you released your debut album « Julio’s Walls Shake ». Is there a story behind this name? How did you decide to name it that way?
Well, the name of the owner of the studio where we rehearse every Friday is Julio. At the begining we played in a tiny wood studio, which were also Julio’s home at this time. One day he came to us to say ‘Hey guys calm down please! You are too loud! Walls are shaking!’ We kept these words in mind, knowing we’ll do something with it.

08.-Is there a story behind the photo in the cover of the album?
The photo has been taken by my wife in the Bardenas desert in Spain. We spent a weekend there for my birthday. The pic was cool. I proposed it to the band with ‘Julio’s Walls Shake’ on it as the tittle. And it worked for all of us.

09.-Are you satisfied with the result or there are things you would have done differently under different circumstances?
The result presents the band like it was at this specific moment. It’s a particularly honest job, I think. At the beginning we thought we would be able to record maybe 5 songs. But Yael, the producer/sound engineer made the things so easy, we recorded 6, 7 and then 10 songs. We recorded live in the studio, 2 or 3 takes of songs. No more. It was easy, quick, and very pleasant.

10.-What were the biggest difficulties that you encountered in producing and releasing your debut? Are those difficulties going to affect the way you’ll handle your future releases?
In fact, there were no difficulties. The way we live is ‘things happen… or not; if it happens it’s cool; if not who cares!’. We met the right people at the right moment. The culture service of the city where Bruce lives have a program to help bands to record. We put together a file and they gave us this opportunity.

11.-What is the strongest memory you have from the recording process of your debut?
The strongest moment… I mean the worst was the coffee… worst thing ever. The best was when you listen to your songs for the first time… it gave us chills. It was like: it’s me playing? It’s so loud, is it us? Like children in a toy store !

12.-Are there any special people that helped you in any way in the whole process and you’d like to mention or thank?
Yes! Julio of course because if you have no studio to play then you have no band! Etienne, a friend of mine, a drummer in band called Sour Eyes and he introduced us to Yaël « Grave Clave » Mothes of Flower Power Prod’Action who recorded the album. Yaël is a brilliant sound engineer and a talented producer but first of all he loves music and working with musicians and he really listens to what you want and he respects who you are.

13.-How does the whole songwriting process work for you? What are the emotions you want people to receive when they hear your music?
Most of the songs were born like this: Bruce, or Nico or me play something; the others start to follow. It’s mostly jam… After that, we talk about structure, intro, outro, bridge… all the things we should keep, and the things we shoudn’t. And of course we give a number to it.

14.-During a gig, is the communication with the crowd important for you? Does the positive feedback from the crowd motivate you to perform with more passion?
Communication is important. The way we see it is to create a mood with people and make them come into our ‘experience’. We are not ‘Hey! Are you with me tonight?’ and that kind of things. And mostly we play in tiny bars or cellars sometimes, because of the lights, we don’t even see the people so we wonder if they’re really there!

15.-Are there any « special » bands that you dream to share the stage with?
We are fans of the Greek stoner scene so every band from 1000mods to Tuber…. And maybe the Re-stoned, Earth, and jam with Billy Gibbons, Bob Balch or Matt Pike!

16.-What are your plans for this year and how do you plan to promote your brand new album? Have you scheduled any live appearances or a release party? Is it a priority for you to try and participate in gigs outside France?
We already made a release party in May with 2 bands; our friends Sour Eyes and Skunk and Noises. People response was great. For the promotion of the album, we try to contact as many web radios, or rock blogs as we can. We are currently trying to arrange some live appearances for spring. We hope one day we’ll be lucky enough to play in a Greek festival. There are so many good bands in your country; we’ll be happy to share the stage with them.

17.-How do you imagine « TUNKS » in 2029?
Well, TUNKS in 2029? Three old guys that play stoner and have fun. This band is a real cool project that was made to last. We have time, this band is built for comfort not for speed like Howlin’ Wolf said.

Retrouvez l’intégralité de l’interview de Tunks
à propos de « Julio’s Walls Shake » par DownTunedMag

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Tunks « Julio’s Walls Shake » album

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Seven-Pointed Star « Become a Lion » EP. Début 2010, Leslie et Seb commencent à composer en home studio une musique issue de leur culture commune pop/rock, mûrie par leurs expériences respectives.

Le son produit, efficace et dynamique, associe riffs stoner et beats électro pop. Sous l’influence des Ting Tings ou d’Awolnation, les titres se succèdent. Et la formation live naît avec l’arrivée de Yaël « Grave Clave » Mothes à la batterie fin 2012. Un jeu sur-puissant, une frappe incroyable, l’homme qu’on nommait 120dB+ haha

Sur Become a Lion, cinq titres vont voir le jour sorti du studio de la maison des arts vivants de Villenave d’Ornon dans le magnifique parc Sourreil de la ville. Ainsi on retrouve Become a Lion, le titre éponyme survolté et énergisé avec de la testostérone en barre. Only the Start que vous pourrez voir en version lyrics video un peu plus bas sur cette page. Et enfin Never Lost, A Sweet Melody et Obsession dont vous pourrez voir un extrait du live à la Rock School Barbey en 2014 lors d’un tremplin.

Bandcamp de Seven-Pointed Star

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Sour Eyes « Pup-Pet » EP. Sour Eyes est un groupe de rock dynamique forgé depuis 2010, autour de musiciens qui se sont découverts à travers la musique. Anciennement nommé Ek0et avec la charismatique Anaïs Bozzat , le groupe s’est construit avec Jérémy Fournier, le guitariste. Ainsi qu’Étienne Langlois à la batterie, puis s’est enrichi d’Hélène Chenal au chant arrivée fin 2017. Enfin, Steven Mollé à la basse est arrivé début 2018.

Le rock, l’énergie, et l’envie de bouger la tête caractérisent le style des morceaux de Sour Eyes. Essentiellement bâtis sur des compositions, avec quelques touches de covers remises au goût du groupe. D’influences aussi variées que la personnalité de ses membres, l’inspiration musicale de Sour Eyes puise sa source dans des groupes tels que Rage Against the Machine, Metallica. Ou encore Incubus, Counting Crows, Ben Harper, Bon Jovi, les RHCP. Mais aussi Queen, System Of a Down, John Butler, David Bowie, Noir Désir… et plus encore.

Cet EP « Pup-Pet » capture l’essence de l’énergie pure du groupe et leur valent une solide réputation sur la scène locale.

Le groupe gagne rapidement en popularité grâce à leurs performances énergiques et authentiques dans les salles et bars de la région bordelaise. Leurs concerts intenses sont devenus des événements incontournables pour les amateurs de rock locaux, attirant une fanbase fidèle.

Malgré leur statut de groupe local, Sour Eyes continue de se produire avec passion et dévouement, repoussant les limites de leur créativité et partageant leur musique avec leur communauté. Leur influence sur la scène musicale locale continue de grandir, inspirant d’autres jeunes musiciens à suivre leurs pas.

Aujourd’hui, le groupe reste une force dynamique et inspirante dans la scène du rock local, prouvant que la passion et l’authenticité peuvent transcender les frontières et toucher les cœurs, même au sein d’une communauté locale.

Discogs

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Sour Eyes « Pup-Pet » EP

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Sour Eyes « Storm » EP. Sour Eyes est un groupe de rock dynamique forgé depuis 2010, autour de musiciens qui se sont découverts à travers la musique. Anciennement nommé Ek0et avec la charismatique Anaïs Bozzat , le groupe s’est construit avec Jérémy Fournier, le guitariste. Mais aussi Étienne Langlois à la batterie, puis s’est enrichi d’Hélène Chenal au chant arrivée fin 2017. Enfin, Steven Mollé à la basse arrive début 2018.

Le rock, l’énergie, et l’envie de bouger la tête caractérisent le style des morceaux de Sour Eyes. Essentiellement bâtis sur des compositions, avec quelques touches de covers remises au goût du groupe. D’influences aussi variées que la personnalité de ses membres, l’inspiration musicale de Sour Eyes puise sa source dans des groupes tels que Rage Against the Machine. Ou encore Metallica, Incubus, Counting Crows, Ben Harper. Mais aussi Bon Jovi, les RHCP , Queen, System Of a Down, John Butler, David Bowie, Noir Désir… et plus encore.

Cet EP « Storm » capture l’essence de l’énergie pure du groupe et leur valent une solide réputation sur la scène locale.

Le groupe gagne rapidement en popularité grâce à leurs performances énergiques et authentiques dans les salles et bars de la région bordelaise. Leurs concerts intenses sont devenus des événements incontournables pour les amateurs de rock locaux, attirant une fanbase fidèle.

Malgré leur statut de groupe local, Sour Eyes continue de se produire avec passion et dévouement, repoussant les limites de leur créativité et partageant leur musique avec leur communauté. Leur influence sur la scène musicale locale continue de grandir, inspirant d’autres jeunes musiciens à suivre leurs pas.

Aujourd’hui, le groupe reste une force dynamique et inspirante dans la scène du rock local, prouvant que la passion et l’authenticité peuvent transcender les frontières et toucher les cœurs, même au sein d’une communauté locale.

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Dec, 2018

« Blue Carandache », un Blues Band de 6 musiciens qui aiment bien faire des pas de côté, devant, derrière et au milieu du blues !
–
Notre répertoire, bien qu’articulé autour des standards du blues, ne rechigne pas devant la soul (James Brown, Aretha Franklin, Etta James..) ni devant le rock (Tina Turner,) va se frotter sans vergogne au jazz (Peggy Lee,Nina Simone) et grâce à l’arrivée d’une seconde voix, en se serrant bien, on peut faire une petite place à la Pop ! (Beatles, les Corrs). Nous proposons deux heures de musique, réparties en deux sets : soit au total un temps moyen de concert autour de 2h30.
Chant : Marie – Christine
Trempée dans les bains éclectiques des voix féminines, elle vous charmera par sa voix à la fois douce et puissante et vous emportera avec son énergie qu’elle partage sans compter.
Guitare : Antoine
S’il a débuté par la country et le rock des Rolling Stones, aujourd’hui, c’est dans le blues qu’il trouve et partage ce subtil mélange d’émotions à la fois simples et complexes. Une touche délicate.
Guitare : Thierry
Il y a eu entre autres Gilmour et les groupes des années 70 pour le façonner!
Cette sensibilité et cette virtuosité mises au service du blues parviennent aussi bien à nous enflammer qu’à nous faire décoller avec des solos d’une émotion intense.
Harmonica : Bernard
La juste touche de blues : tour à tour discrète ou lumineuse, une pincée bien dosée, du fait maison !
Basse, Contrebasse : Danny
Ses premières amours le porteront vers la Country, les Creedence mais aussi Marcel Dadi et le finger picking. Il sera ensuite happé par le blues qui ne le lâchera plus et qu’il mâtinera de jazz !
Batterie : Patrick
C’est dans les «bœufs» et les Jams de Bordeaux qu’il découvre que la batterie : c’est pour lui ! Il aime tout mais son cœur penche vers Clapton et B.B.King. Il aime que ça sonne avec : du groove, du groove et rien que du groove !

Page Facebook de Blue Caranche

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Blue Carandache EP

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Lili Marleen, c’est un groupe de rock en français, pour tenter d’exprimer ce qui transhume et s’effiloche :

Fantasmes qui fument, fêtes anamorphes, cabanes de bamboches où les humeurs s’enlisent, femmes roseaux des mangroves d’Amérique, belles de nuit, villes de brume et corridors…

Depuis 2014, on triturait dans nos chambres bordelaises, des instants à éterniser. Ça veut dire qu’on agitait très fort, deux têtes entre les murs, nos carnets de balades et nos désillusions, jusqu’au moment où ça ressemblait à de la musique, qu’on enregistrait.

Parfois ce n’était plus du rock mais ça venait d’ici.

Des copains d’aventure sont venus se joindre à l’expédition. On a grimpé à notre rythme, « Volcan de plume », notre premier EP. Et le volcan la pété en numérique, au début de l’année 2019.

Pour l’instant et à l’avenir, Lili Marleen explore la meilleure façon de vous faire gesticuler : en live très probablement ; à l’intérieur d’un transducteur électroacoustique et d’un écran, pourquoi pas.

« La poésie peut se passer des illusions, le rock’n’roll fricoter avec les belles paroles, la phrase tanguer sur le fil de riffs acérés et l’espoir parfois se teinter de noir. Qu’importe… Lili Marleen est un mot de passe pour oreilles exigeantes et non domptées. » 

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Lili Marleen « Volcan de plumes » EP

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Seven-Pointed Star « Become a Lion » EP. Début 2010, Leslie et Seb commencent à composer en home studio une musique issue de leur culture commune pop/rock, mûrie par leurs expériences respectives.

Ainsi, Le son produit, efficace et dynamique, associe riffs stoner et beats électro pop. Sous l’influence des Ting Tings ou d’Awolnation, les titres se succèdent. Dès lors, la formation live naît avec l’arrivée de Yaël « Grave Clave » Mothes à la batterie fin 2012. En effet, on lui voit un jeu puissant, une frappe incroyable. A tel point qu’on le surnommait l’homme qui valait les 120dB+ haha

Sur Become a Lion, cinq titres vont voir le jour sorti du studio de la maison des arts vivants de Villenave d’Ornon dans le magnifique parc Sourreil de la ville. Ainsi, on retrouve « Become a Lion« , le titre éponyme; survolté et énergisé avec de la testostérone en barre. Par ailleurs, « Only the Start » que vous pourrez voir en version lyrics video un peu plus bas sur cette page. Et enfin Never Lost, A Sweet Melody et Obsession dont vous pourrez voir un extrait du live à la Rock School Barbey en 2014 lors d’un tremplin. A ce jour, il faut souligner que ce groupe n’est plus…

Bandcamp de Seven-Pointed Star

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Yaël Grave Clave Mothes · Looking Up Cantaloupe Island Cover

Yaël Grave Clave Mothes · Looking Up Mambo Koyama Cover

Looking Up est un quartet de Jazz-rock ou jazz-fusion se composant de Benoit Arveiler (saxophone alto et soprano), Antoine Tabarin (claviers), Philippe Kudra (basse électrique) et Yaël Mothes (batterie). Tous les quatre étant tombés très tôt dans la marmite du jazz électrique…

Constitué dans les années 2000, Looking Up puise dans les standards du jazz-fusion des années 70 à 90. Epoque de créativité musicale encore toute proche durant laquelle les jazzmen s’invitaient régulièrement dans les “Hits”. Dans la tradition du jazz, Looking Up s’approprie et réinterprète les originaux des grandes figures de la « fusion ». Telles que Miles Davis (plugged), Yellow Jackets, Herbie Hancock, Billy Cobham, David Sanborn, Larry Carlton, les Crusaders…

Looking Up participe ainsi à l’animation de la scène jazz bordelaise et de Gironde depuis une vingtaine d’années. Ils se produisent dans différents clubs et salles de jazz (Thélonious, Amadeus, Lambarzique, Le Baryton, Station Ausone..). Mais aussi participent à divers évènements tels que le festival Ciné Jazz de Seignosse ou le « off » des24 heures du swing de Monségur …

En 2022, Looking Up propose un répertoire « Tribute to Steps Ahead » basé sur les morceaux de ce groupe mythique fondé par Mike Mainieri. Et issu des sessions qui avaient lieu au club New Yorkais de Michael Brecker sur la septième avenue. Un répertoire qui a fortement marqué l’histoire du jazz-rock par ses couleurs et son contenu mélodique et qui a su entrainer dans son sillon un large public.

Looking Up #1 LP

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Looking Up #1 LP

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Burning Fight « Unity » EP. Formé dans les quartiers underground de la ville industrielle de Darmstadt en Allemagne, Burning Fight est un groupe de hard-core, metal, rock. En effetn ce dernier a rapidement fait parler de lui dans la scène musicale locale. Composé de membres passionnés par la musique et l’énergie brute de la vie urbaine, le groupe incarne la rage et la puissance de leur environnement.

Ensemble, ils créent une fusion sonore d’accords de guitare déchirants… Des lignes de basse explosives… Des rythmes de batterie frénétiques.

Leur premier EP, sobrement intitulé « Unity », a été une révélation totale. Dès lors, ils ont immédiatement attiré l’attention de la communauté musicale locale. Les morceaux comme « Round X » et « Breakpoint » ont rapidement gagné en popularité, définissant leur son agressif et énergique.

Ainsi, Burning Fight devenait un pilier des scènes locales underground. Ils enflammaient les clubs et les salles de concert des alentours avec leurs performances explosives. Leurs shows étaient connus pour leur intensité et leur interaction passionnée avec le public. Ils créaient une atmosphère d’unité et de catharsis entre les fans.

Au fil des mois, le groupe a écrit plusieurs titres. Ils ont décidé de venir en France pour enregistrer à Villenave d’Ornon avec Yaël « Grave Clave » Mothes cet EP de 3 titres « Unity ».

En Allemagne, leur réputation de groupe incendiaire et énergique a attiré l’attention de labels indépendants. Mais ils ont choisi de rester fidèles à leur indépendance artistique.

Burning Fight n’est plus. Ils représentaient la véritable essence du hard-core, metal, rock local énergique. Ancré dans leur communauté tout en continuant à élargir leur base de fans. Ils demeurent, cependant, une force puissante de la scène underground. Inspirant de nouveaux groupes et apportant une dose d’énergie brute à tous ceux qui les écoutent.

Soundcloud

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Burning Fight « Unity » EP

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Looking Up est un quartet de Jazz-rock ou jazz-fusion se composant de Benoit Arveiler (saxophone alto et soprano), Antoine Tabarin (claviers), Philippe Kudra (basse électrique) et Yaël Mothes (batterie). Tous les quatre étant tombés très tôt dans la marmite du jazz électrique…

Constitué dans les années 2000, Looking Up puise dans les standards du jazz-fusion des années 70 à 90. Epoque de créativité musicale encore toute proche durant laquelle les jazzmen s’invitaient régulièrement dans les “Hits”. Dans la tradition du jazz, Looking Up s’approprie et réinterprète les originaux des grandes figures de la « fusion ». Telles que Miles Davis (plugged), Yellow Jackets, Herbie Hancock, Billy Cobbham, David Sanborn, Larry Carlton, les Crusaders…

Looking Up participe ainsi à l’animation de la scène jazz bordelaise et de Gironde depuis une vingtaine d’années. Ils se produisent dans différents clubs et salles de jazz (Thélonious, Amadeus, Lambarzique, Le Baryton, Station Ausone..). Mais aussi participent à divers évènements tels que le festival Ciné Jazz de Seignosse ou le « off » des24 heures du swing de Monségur …

En 2022, Looking Up propose un répertoire « Tribute to Steps Ahead » basé sur les morceaux de ce groupe mythique fondé par Mike Mainieri. Et issu des sessions qui avaient lieu au club New Yorkais de Michael Brecker sur la septième avenue. Un répertoire qui a fortement marqué l’histoire du jazz-rock par ses couleurs et son contenu mélodique et qui a su entrainer dans son sillon un large public.

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Looking Up « Double Mud » Double Single

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Deux titres exquis

Jade Morisson « Dans mes mains » single. Jade est auteur-compositeur-interprète. Sa voix révoltée, au bord de la brisure, n’en finit pas d’électriser ses mots. Jade monte sur scène comme en urgence avec des chansons à textes rageuses et sous tension.
Après des mois de recherche et d’imprégnation et une future résidence à l’Inox, Jade Morisson reprend, en 2016, une quinzaine de chansons de Barbara, accompagnée de lectures d’extraits de ses mémoires interrompues et de textes de chansons.

Quelques mots sur Barbara :

Barbara, de son vrai nom Monique Andrée Serf, était une chanteuse et compositrice française née le 9 juin 1930 à Paris. Elle fut l’une des figures emblématiques de la chanson française du XXe siècle. Son style musical était caractérisé par des textes poétiques et introspectifs. Ils étaient accompagnés d’une voix à la fois grave et émouvante.

Dès son plus jeune âge, Barbara montra un intérêt marqué pour la musique, apprenant le piano et le chant. Elle débuta sa carrière dans les cabarets parisiens, où elle se fit remarquer par son talent singulier. En 1957, elle sortit son premier album, et rapidement, sa réputation grandit, attirant un public fidèle.

Barbara avait cette capacité à raconter des histoires poignantes à travers ses chansons, abordant des thèmes tels que l’amour, la solitude et les tourments de l’âme humaine. Ses titres les plus célèbres incluent « L’aigle noir », « Ma plus belle histoire d’amour c’est vous » et « Nantes ».

Au fil de sa carrière, Barbara travailla avec de nombreux artistes renommés et se produisit sur des scènes prestigieuses à travers le monde. Egalement femme engagée, elle s’impliquait dans des causes sociales et humanitaires.

Barbara s’éteignit le 24 novembre 1997 à l’âge de 67 ans, laissant derrière elle un héritage musical indélébile. Sa musique continue d’inspirer et de toucher des générations de mélomanes, faisant d’elle une icône intemporelle de la chanson française.

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Les Voisins d’en Face, c’est le côté potaches des Sex Pistols, un sax à La Béru en plus. Comme ils l’expliquent eux même, ce sont des : « chansons à hurler sous la douche (quand il n’y a plus d’eau chaude) ». Tout est dit ou presque si ce n’est qu’avec deux albums en 15 ans, les bordelais n’inondent pas le marché !

En revanche, que ce soit pour le premier album enregistré avec Fred Foulquier ou le second enregistré dans les vignes de Saint Emilion, ils le font en français. Avec humour et talent, accordant également à l’artwork une attention toute particulière. L’illustration façon BD en noir et blanc de l’album « Tout va bien » en est une éblouissante preuve.

Une musique rageuse, teigneuse, beaucoup d’humour, le nouvel album de ce groupe  d’origine bordelaise est véritablement décoiffant ! Un rock à la fois nerveux et plein de bonne humeur,  au travers duquel il nous parle avec légèreté et humour, tant de l’angoisse fébrile de tout artiste face à la fameuse page blanche, que de la nostalgie des années 80, mais aussi du chômage, de ces moments de vie ou tout n’est pas toujours idyllique.

Dans leurs chansons Les années 80, Les Voisins affichent autant leurs références musicales ( Noir Désir, les Wampas, les Vrp, la Mano Negra, les Souris Déglingués) que le spleen des années folles… Internet, la TNT, les mp3 n’existaient pas, ainsi que les acteurs qui les ont marqués : Patrick Sabatier, Yannick Noah, Gold, Image, Gilbert Montagné, Plastick Bertrand, Jeanne Mas, « Fofie Favier », Desproges et Coluche… Mais aussi les héroïnes de ces séries qui ont marqué la jeunesse de bon nombre d’entre nous.

Ils dépeignent également les vicissitudes du quotidien, notamment avec les chansons ” Un jour sans “. Ces jours où rien ne va. Où l’on a juste envie de rester enfermés  et de tout casser. Et évidemment ces histoires d’amours qui finissent mal et qui nous enragent dans leur titre “Le casse du siècle”. Enfin, leur titre Winnie l’ourson montre plus que les autres leur côté délirant. Le groupe célèbre ici l’ancienne gloire de ce héros des tout-petits devenu fauché qui aujourd’hui tente de revenir et de prendre sa vengeance.

Musicalement inspirés de Trust, AC-DC, Foo Figthers, les Béruriers Noirs évidement, Les Voisins d’en face affichent des rythmiques vives et des mélodies impétueuses. Comme dans leur chanson Tellement mieux, aux riffs accrocheurs qui rappelent parfois même Offsprings. De même, le titre Combien tu m’aimes, entre guitare hargneuse et fulminante rage et mélodie pleine de folie nous remémore l’esprit des Garçons Bouchers. 

Quand tu Bouges, affiche quant à elle en plus de l’humour, une douce frénésie, comme un doux vent de démence. A noter, quelques bons arrangements insérant saxophone et térémine au sein du groupe. Et le tout parfaitement équilibré ! De manière globale, l’album s’ouvre et se clos sur des répliques de la fameuse série, Lucile Amour et Rock’n’Roll. Ce qui marque d’autant plus le côté décalé et l’humour premier degré de ce groupe bordelais.

En outre, les titres s’enchaînent tous avec beaucoup de fluidité, de continuité. Ce nouvel opus s’écoute donc très facilement et agréablement. Des voisins certes survoltés, délurés et bruyants, mais surtout un groupe festif, energique sans non plus être trop brutal.

Bref, un bon petit rock punk ravageur sur lequel on prend plaisir à sauter, crier, se défouler, se décoiffer !!

Discogs

Les Voisins D’en Face « Phoque! » Album

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Batterie par Yaël « Grave Clave » Mothes

Les Voisins d’en Face, c’est le côté potaches des Sex Pistols, un sax à La Béru en plus. Comme ils l’expliquent eux même, ce sont des : « chansons à hurler sous la douche (quand il n’y a plus d’eau chaude) ». Tout est dit ou presque si ce n’est qu’avec deux albums en 15 ans, les bordelais n’inondent pas le marché !

En revanche, que ce soit pour le premier album enregistré avec Fred Foulquier ou le second enregistré dans les vignes de Saint Emilion, ils le font en français. Avec humour et talent, accordant également à l’artwork une attention toute particulière. L’illustration façon BD en noir et blanc de l’album « Tout va bien » en est une éblouissante preuve.

Une musique rageuse, teigneuse, beaucoup d’humour, le nouvel album de ce groupe  d’origine bordelaise est véritablement décoiffant ! Un rock à la fois nerveux et plein de bonne humeur,  au travers duquel il nous parle avec légèreté et humour, tant de l’angoisse fébrile de tout artiste face à la fameuse page blanche, que de la nostalgie des années 80, mais aussi du chômage, de ces moments de vie ou tout n’est pas toujours idyllique.

Dans leurs chansons Les années 80, Les Voisins affichent autant leurs références musicales ( Noir Désir, les Wampas, les Vrp, la Mano Negra, les Souris Déglingués) que le spleen des années folles… Internet, la TNT, les mp3 n’existaient pas, ainsi que les acteurs qui les ont marqués : Patrick Sabatier, Yannick Noah, Gold, Image, Gilbert Montagné, Plastick Bertrand, Jeanne Mas, « Fofie Favier », Desproges et Coluche… Mais aussi les héroïnes de ces séries qui ont marqué la jeunesse de bon nombre d’entre nous.

Ils dépeignent également les vicissitudes du quotidien, notamment avec les chansons ” Un jour sans “. Ces jours où rien ne va. Où l’on a juste envie de rester enfermés  et de tout casser. Et évidemment ces histoires d’amours qui finissent mal et qui nous enragent dans leur titre “Le casse du siècle”. Enfin, leur titre Winnie l’ourson montre plus que les autres leur côté délirant. Le groupe célèbre ici l’ancienne gloire de ce héros des tout-petits devenu fauché qui aujourd’hui tente de revenir et de prendre sa vengeance.

Musicalement inspirés de Trust, AC-DC, Foo Figthers, les Béruriers Noirs évidement, Les Voisins d’en face affichent des rythmiques vives et des mélodies impétueuses. Comme dans leur chanson Tellement mieux, aux riffs accrocheurs qui rappelent parfois même Offsprings. De même, le titre Combien tu m’aimes, entre guitare hargneuse et fulminante rage et mélodie pleine de folie nous remémore l’esprit des Garçons Bouchers. 

Quand tu bouges affiche, quant à elle, en plus de l’humour, une douce frénésie, comme un doux vent de démence. A noter, quelques bons arrangements insérant saxophone et térémine au sein du groupe. Et le tout parfaitement équilibré ! De manière globale, l’album s’ouvre et se clos sur des répliques de la fameuse série Lucile, Amour et Rock’n’Roll. Ce qui marque d’autant plus le côté décalé et l’humour premier degré de ce groupe bordelais.

En outre, les titres s’enchaînent tous avec beaucoup de fluidité et de continuité. Ce nouvel opus s’écoute donc très facilement et agréablement. Des voisins, certes survoltés, délurés et bruyants, mais surtout un groupe festif, énergique sans non plus être trop brutal. Bref, un bon petit rock punk ravageur sur lequel on prend plaisir à sauter, crier, se défouler, se décoiffer !!

Discogs

Les Voisins D’en Face « Phoque! » Album

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