Naked Sunshine est un duo de rock indie/garage né à Bordeaux.

Une étincelle sur le plectre, quelques accords suspendus dans l’air, et c’est tout un horizon qui s’illumine : Naked Sunshine débarque avec un premier EP incandescent, aussi instinctif que maîtrisé. En cinq titres denses et explosifs, le jeune duo d’indie-rock impose déjà une identité forte, oscillant avec élégance entre énergie brute, mélodies accrocheuses et nuances plus introspectives.

Les guitares nerveuses y côtoient des passages plus aériens, portés par une écriture sensible et des arrangements épurés, pour des compositions animées d’un saisissant sens du contraste. Chaque morceau semble tendre à un équilibre entre spontanéité et précision, laissant transparaître la complicité des deux membres.
Cet opus dévoile ainsi une identité forte, alternant avec élégance entre énergie brute, mélodies accrocheuses et nuances plus introspectives, témoignant d’un état d’esprit oscillant entre fatalisme et espérance…

Porté par une écriture sensible et des arrangements d’une étonnante maturité, ce premier projet révèle un véritable sens du contraste : des guitares nerveuses qui côtoient des passages plus aériens, une tension permanente entre urgence rock et délicatesse émotionnelle. Chaque morceau semble chercher le point d’équilibre parfait entre spontanéité et précision, laissant transparaître toute la complicité artistique des deux musiciens.

Avec ce disque EP, le duo ne se contente pas de signer une entrée en matière prometteuse : le duo pose les fondations solides d’un univers déjà singulier et captivant. Une première étape franchie avec éclat, qui laisse présager un avenir particulièrement lumineux pour cette formation à suivre de très près.

Sortie officielle le 29 mai 2026

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Naked Sunshine « Between Selves » EP

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Il y a des albums qui cherchent la puissance. D’autres la perfection. Head for a Fall, lui, cherche autre chose : une vérité émotionnelle.
Et c’est probablement ce qui le rend aussi profondément humain.

Le premier album de Harvestime ne donne jamais l’impression d’avoir été pensé pour séduire ou démontrer. Il avance plutôt comme une lente traversée mentale, un disque habité par la fatigue intérieure, les relations fissurées, les pensées obsessionnelles et cette sensation contemporaine d’exister dans un monde où tout semble légèrement déplacé, instable, trop rapide ou déjà usé.

Dès Roses of Despair, Harvestime installe un climat de confusion émotionnelle et d’enfermement psychique :

“Leave me alone inside my head”

Tout l’album semble contenu dans cette phrase.
Les personnages de Head for a Fall vivent enfermés dans leurs propres pensées, incapables de communiquer clairement leurs blessures, oscillant sans cesse entre désir de lien et besoin de retrait. Et plutôt que de transformer cette douleur en grand spectacle dramatique, le groupe choisit la retenue. Les morceaux respirent, hésitent, montent lentement avant d’exploser par vagues successives — exactement comme ces émotions que l’on croit maîtrisées avant qu’elles ne débordent.
L’influence de Deftones apparaît naturellement dans cette manière de construire la tension davantage par l’atmosphère que par la démonstration de force. Les guitares semblent imaginées comme des masses mouvantes, tantôt aériennes, tantôt étouffantes, toujours suspendues entre mélodie et saturation.

Et la basse 5 cordes donne au disque cette profondeur presque organique qui traverse des morceaux comme Darkside ou Lupa. On imagine pour le reste de l’album des lignes lourdes, enveloppantes, capables de maintenir une tension sourde même dans les passages les plus calmes.

La chute comme état permanent

Le titre même de l’album agit comme une promesse Head for a Fall. Non pas une chute spectaculaire, mais une trajectoire. Quelque chose que l’on poursuit malgré les avertissements, comme si les personnages du disque étaient incapables de modifier leur propre mouvement intérieur.

Le morceau-titre le dit explicitement :

“The road ends, the bridge is broken”

Harvestime explore ici une forme d’autodestruction lente, presque inconsciente. Les figures, qui traversent l’album, refusent de regarder leurs blessures. Elles déplacent leur culpabilité et sabotent leurs relations ou tentent simplement d’anesthésier leurs émotions.

Dans Lupa, la souffrance devient contamination mentale :

“The vampire disease”

Le morceau évoque la dépression comme une corrosion progressive de l’identité.
“Rotting in your mind”, dont la voix mélodique devient l’un des éléments les plus importants du disque. Le chant ne cherche jamais l’explosion démonstrative ; il flotte constamment entre fragilité et tension, donnant aux morceaux une sensation de vulnérabilité permanente.

Et c’est précisément cette retenue qui rend les moments plus lourds aussi efficaces.
Quand Harvestime explose, ce n’est jamais gratuit. La saturation semble toujours surgir d’un trop-plein émotionnel longtemps contenu.

Le bruit du monde moderne

Mais Head for a Fall ne reste pas enfermé dans l’intime.
Au fil des morceaux, le disque élargit progressivement son regard vers les mécanismes sociaux qui nourrissent cette fatigue intérieure.

All Liars introduit déjà un climat de défiance morale :

“Distortion of the truth”

Tandis que Utopia transforme le monde contemporain en système truqué :

“It’s as if someone is cheating the game”

Le morceau fonctionne presque comme une hallucination paranoïaque du capitalisme moderne : cartes manquantes, argent disparu, règles biaisées, injonction permanente à participer au système sans jamais le questionner.

Mais là encore, Harvestime évite soigneusement le discours militant simpliste. Le groupe préfère les fragments, les impressions, les répétitions. Comme si le monde extérieur lui-même devenait une boucle mentale supplémentaire.

Et Darkside pousse cette logique jusqu’à l’épuisement existentiel :

“Barely time to breathe
A new wave arrives”

Probablement l’un des morceaux les plus réussis du disque. Le temps y devient mécanique : soleil, lune, répétition, fatigue, surcharge.

Harvestime capte parfaitement cette sensation moderne de vivre dans un cycle continu d’obligations où l’on finit par ne plus savoir si l’on existe réellement :

“Only have free time at night / When you don’t know you’re alive”

Rarement l’épuisement contemporain aura été exprimé avec autant de simplicité.

Relations toxiques et prédateurs émotionnels

L’autre grande force de Head for a Fall, c’est sa manière d’aborder les relations humaines sans romantisme naïf. Dans Propaganda, l’amour ressemble déjà à une mécanique usée :

“Kiss Kiss Fight”

Les relations deviennent performatives, répétitives, vidées de leur authenticité. Puis Predator pousse cette logique vers quelque chose de beaucoup plus sombre encore : domination, manipulation, fascination pour le danger émotionnel. Le morceau adopte le point de vue du prédateur lui-même :

“Run away, hide, run away”

Et derrière cette menace flotte une sensualité toxique très maîtrisée. Ici encore, l’influence de la scène alternative américaine des années 90 se fait sentir, notamment dans cette capacité à mélanger le désir, la violence, la fragilité et le danger.

Une production imparfaite mais vivante

La production de Head for a Fall n’est pas irréprochable. Par moments, le disque manque de précision ou de puissance pour pleinement porter l’ambition émotionnelle des morceaux. Mais paradoxalement, cette légère rugosité sert aussi l’identité du groupe.

Parce que Harvestime ne sonne jamais clinique. Le disque conserve de l’air, des aspérités, une sensation organique,
qui renforcent l’impression d’écouter un album sincère plutôt qu’un produit entièrement lissé. Dans un paysage rock souvent obsédé par la compression parfaite et les productions gigantesques, cette fragilité technique finit même par devenir touchante.

Et derrière cette architecture émotionnelle, le jeu de batterie apporte une respiration essentielle : jamais démonstrative, mais constamment au service des dynamiques du disque, des montées lentes et des explosions contenues.

La lumière à travers les fissures

Puis vient Glass. Et soudain, après tant de tensions, de boucles mentales et de désillusions, l’album laisse enfin entrer quelque chose qui ressemble à de la clarté.

“Messy me outside
Crystal clear inside”

Magnifique conclusion, parce qu’elle ne cherche jamais la guérison totale. Les blessures restent là. La fragilité aussi. Mais le disque semble enfin accepter que l’on puisse continuer à vivre avec ses fissures sans forcément chercher à les masquer.

“Grown in the light
Carried by mountains”

Après un album souvent nocturne et étouffant, cette ouverture vers la lumière agit comme une respiration finale. Et c’est peut-être là toute la réussite de Head for a Fall : Harvestime ne transforme jamais la douleur en posture esthétique vide. Le groupe préfère explorer ce qu’il reste d’humain à l’intérieur du chaos commes les souvenirs, les tensions, les relations abîmées, les fatigues modernes et cette envie persistante de continuer malgré tout.

Un disque imparfait, dense, sincère — et précisément pour cela profondément vivant.

Vous pouvez également lire la chronique d’Hubert Jaulin à propos de Head for a Fall :
https://www.fppa.fr/chronique-de-hubert-jaulin/harvestime-head-for-a-fall-album/

Retrouvez l’album de Harvestime « Head for a Fall » en écoute sur le site

https://linktr.ee/harvestime

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Harvestime : les vertiges de l’intérieur
Chronique de Yaël « Grave Clave » Mothes

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Cargo « Terrien » chronique d’un monde qui s’épuise

Il y a des albums qui cherchent encore à divertir. Terrien, lui, semble vouloir témoigner.
Le troisième disque du groupe bordelais Cargo n’avance ni masqué, ni décoratif. Il regarde le monde droit dans les yeux — ses fractures écologiques, ses violences sociales, sa fatigue humaine — mais sans jamais transformer ce regard en démonstration froide. C’est peut-être là sa plus grande force : faire de l’inquiétude contemporaine une matière profondément sensible. Car Terrien n’est pas un manifeste. C’est un disque habité.

Dès le morceau-titre, Cargo pose ce qui deviendra la grande tension de l’album : l’opposition entre l’enracinement et la déconnexion moderne. La figure de cet homme qui “retourne la terre” comme “le faisaient ses pères” agit moins comme une nostalgie rurale que comme le rappel d’un rapport ancien au réel — un rapport concret, physique, cyclique. Ici, la terre n’est pas un symbole abstrait : elle est travail, mémoire, transmission.

« Ici on oublie tout / Sauf d’où l’on vient »

Rarement une phrase aura aussi bien résumé l’esprit du disque. Car chez Cargo, être “terrien” ne relève pas d’une identité folklorique ou d’un retour romantique à la nature. C’est presque devenu une résistance. Résister au bruit permanent, à l’accélération, à la saturation technologique. Quand le morceau bascule soudain dans un vocabulaire de “bandes passantes”, d’ondes et de flux numériques, le contraste devient brutal. Le groupe oppose alors deux mondes : celui du geste et celui du réseau.
Mais jamais de manière simpliste. Cargo sait que nous appartenons déjà aux deux. Cette ambivalence traverse tout l’album.

Le bruit du monde

Au fil des morceaux, Terrien compose ainsi une véritable cartographie de l’époque contemporaine. Une époque où l’humanité semble parfaitement consciente de la catastrophe — mais incapable de modifier sa trajectoire.
Dans Ondeline, probablement l’un des morceaux les plus beaux du disque, les nuages “pleurent du spectacle d’en bas” tandis que les hommes continuent d’avancer :

« Puisqu’on ne comprend pas on y va tout droit »

Toute la tragédie moderne tient dans cette ligne. Nous savons, mais nous persistons.
Cargo touche ici à quelque chose de profondément actuel : cette sensation étrange d’assister lucidement à l’effondrement écologique, social ou moral du monde, tout en continuant malgré tout à participer à sa mécanique. Et plutôt que de transformer cette intuition en discours militant, le groupe choisit la poésie inquiète, les images flottantes, les refrains qui tournent comme des pensées obsessionnelles.
L’ombre de Humain, trop humain plane d’ailleurs explicitement sur le morceau, comme si Cargo cherchait à montrer une humanité prisonnière de ses propres contradictions :

« Toujours plus toujours pour rien »

Cette phrase pourrait presque devenir le sous-titre de l’album.

Les corps oubliés

Mais Terrien ne se contente pas de parler d’effondrement abstrait. Le disque revient sans cesse aux corps, aux existences invisibles, aux vies usées par les logiques économiques contemporaines.

Tsunami est sans doute le morceau le plus frontalement politique du lot. Le capitalisme y apparaît comme une machine autonome, froide, lancée dans sa propre fuite en avant :

« Cash Flow Cash Flow
Business Angels The Finance Corporate »

Le langage économique devient un bruit mécanique, désincarné, récité comme une liturgie absurde pendant que “la planète engloutie” disparaît sous les suies toxiques. Pourtant, même ici, Cargo refuse le slogan facile. Ce qui traverse le morceau, ce n’est pas seulement la colère ; c’est une immense fatigue morale face à un système devenu incapable de regarder les dégâts qu’il produit.

Cette même fatigue irrigue Ultramètre, l’un des titres les plus sombres du disque.
Le morceau donne voix aux “forgotten people”, ceux qui travaillent dans “la graisse des cuisines sordides” ou “la poussière des usines obscures”. La répétition permanente des phrases crée une sensation d’enfermement presque physique. On n’y trouve plus d’horizon, seulement la répétition des jours, du travail et des dettes.

« This man work and pay all day long and even at night »

Le travail ne permet plus de vivre ; il permet seulement de continuer à payer.

Et c’est précisément là que Terrien devient bouleversant : Cargo ne parle jamais des grandes catastrophes sans revenir immédiatement à leurs conséquences humaines concrètes. Derrière les systèmes, il y a toujours des corps fatigués, des gestes répétitifs, des existences reléguées dans l’angle mort du progrès.

Une musique de la tension

Musicalement, cette vision du monde trouve un écho particulièrement cohérent. Cargo construit un rock tendu, organique, sans surcharge. On imagine des guitares rugueuses, des rythmiques insistantes, des morceaux qui avancent davantage par pression continue que par explosion spectaculaire.

Et c’est sans doute le choix le plus juste.

Car Terrien n’est pas un album de démonstration. Il travaille plutôt l’usure, la répétition, la persistance des inquiétudes. Même les textes fonctionnent ainsi : refrains martelés, motifs récurrents, phrases qui reviennent jusqu’à devenir presque des mantras modernes.

Dans Motoridles, morceau minimal et fiévreux, quelques lignes suffisent à installer une sensation de perte affective et d’urgence nerveuse :

« I want you I want you I want you »

Là encore, Cargo privilégie l’impact brut plutôt que la sophistication littéraire. Et cette économie de moyens donne parfois aux morceaux une intensité presque post-punk.

Habiter le réel

Ce qui impressionne finalement dans Terrien, c’est sa cohérence profonde. Peu de groupes parviennent aujourd’hui à parler du monde contemporain sans tomber : soit dans le cynisme désabusé, soit dans le discours militant illustré.

Cargo évite les deux pièges. Le groupe choisit une voie plus rare : celle d’une inquiétude incarnée. Une inquiétude qui passe par les paysages, les corps, les machines, les éléments naturels, les gestes quotidiens. Terrien regarde un monde épuisé, saturé de flux, d’exploitation et de bruit — mais continue malgré tout à chercher ce qui pourrait encore relier les hommes à quelque chose de tangible.

La terre. Le vivant. Les autres.

Et peut-être est-ce cela, au fond, le véritable sujet de l’album : non pas l’effondrement lui-même, mais la difficulté croissante à rester humain au milieu de lui.

Un disque dense, tendu, profondément contemporain — et qui rappelle que le rock peut encore être un lieu où penser, sentir et résister sans jamais cesser de vibrer. Cargo « Terrien » chronique d’un monde qui s’épuise.

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Cargo « Terrien » chronique d’un monde qui s’épuise

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Cargo revient les pieds sur Terre avec “Terrien”

Après plusieurs années d’activité sur la scène rock indépendante, le groupe bordelais Cargo signe son grand retour avec un troisième album intitulé Terrien, disponible depuis le 29 avril 2026 sur toutes les plateformes de streaming et en vinyl.

Une nouvelle étape pour un groupe enraciné

Actif depuis plus d’une décennie, Cargo s’est forgé une identité solide dans le paysage rock girondin, porté par une formation classique mais efficace — une guitare, une basse, une batterie et une voix — et une inspiration assumée héritée du rock français engagé.

Avec Terrien, le groupe poursuit son évolution amorcée avec Une ligne de plus (2016) puis Réplique (2021), en affirmant davantage encore sa signature sonore et son regard sur le monde.

Un album viscéral et engagé

Derrière ce titre, Terrien, se cache une œuvre profondément personnelle. Le groupe y injecte « beaucoup de lui-même », entre combats intimes, colères et espoirs, dessinant un disque à la fois brut et sincère.

Le morceau éponyme donne le ton : une énergie frontale, des textes incarnés et une tension permanente entre rage et lucidité. Cargo s’inscrit ici dans une tradition rock où l’humain, dans toute sa complexité, reste au centre.

Une identité rock toujours affirmée

Fidèle à ses racines, Cargo livre un rock direct, sans fioritures, mais chargé d’émotions. Les guitares claquent, la section rythmique martèle, et la voix porte des textes qui oscillent entre introspection et regard social.

Ce nouvel album confirme la capacité du groupe à conjuguer puissance musicale et propos sincère, dans une époque où l’authenticité devient une denrée rare.

Une sortie qui marque un retour attendu

Annoncé comme un retour fort, Terrien s’inscrit déjà comme une étape clé dans la discographie du groupe. Après plusieurs années de maturation, Cargo revient avec un projet cohérent, dense et habité.

Avec cet album, le groupe bordelais ne cherche pas à s’échapper. Il choisit au contraire d’ancrer son propos, de regarder le réel en face — et de rappeler, à sa manière, ce que signifie être… terrien.

Sortie officielle le 29 avril 2026

Articles retatifs :
– Terrien, le nouvel album de Cargo | 01.05.2026
– Cargo, habiter le monde, sans détour | 02.05.2026

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Cargo « Terrien » Album

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Il y a des disques qui cherchent à convaincre immédiatement. Des disques pensés pour l’efficacité, le réflexe, l’instant. Note Blanche, lui, avance autrement.
Le nouvel EP de Blacktong ne cherche jamais le confort. Il préfère les failles, les débordements, les zones émotionnelles instables. Et c’est précisément ce qui le rend aussi singulier dans le paysage du rock français actuel.

Dès la pochette, quelque chose intrigue. Une maison rouge perdue dans un décor presque irréel. Des feuilles blanches emportées par le vent. Une chouette qui traverse l’image comme une présence silencieuse. Tout semble suspendu entre refuge et disparition. Entre mémoire et vertige. Exactement comme les morceaux qui composent l’EP.

Ce visuel raconte déjà beaucoup de choses sur Blacktong. Le groupe bordelais ne travaille pas dans le réalisme brut. Il construit plutôt des paysages émotionnels. Des espaces mentaux. Des chansons qui ressemblent à des lieux habités par la fatigue, les souvenirs, les tensions affectives, la colère. Et ce besoin presque désespéré de préserver quelque chose d’humain au milieu du chaos contemporain.

Disponible en streaming mais également en vinyle, Note Blanche apparaît immédiatement comme un disque pensé pour être traversé d’un seul mouvement. On sent une volonté de continuité émotionnelle. Une progression intérieure. Rien ici ne ressemble à une simple collection de morceaux isolés.

Et après une release party organisée le 29 avril 2026 à Villenave-d’Ornon, Blacktong confirme aussi son ancrage dans une scène indépendante encore profondément vivante. Une scène où les chansons existent autant sur scène que dans les écouteurs. Une scène où l’on continue de croire à la force physique du rock.

Le langage des blessures

Le morceau d’ouverture, Note Blanche, agit comme une déclaration d’intention.

« À toi la môme aux yeux luisants d’avenir »

Dès les premières lignes, le groupe impose une écriture dense, mouvante, presque fiévreuse parfois. Les textes avancent par fragments. Les images surgissent puis disparaissent. Le langage parlé côtoie des visions beaucoup plus littéraires. Et cette collision permanente donne au disque une vraie personnalité.

Blacktong écrit des chansons qui refusent de se figer dans un seul état émotionnel.
Les morceaux oscillent constamment entre tendresse et rage, entre lucidité et abandon, entre désir de fuite et besoin de lien.

Le chant féminin au centre du projet joue énormément dans cette sensation d’instabilité émotionnelle. La voix ne cherche jamais la démonstration technique ou la puissance forcée. Elle paraît au contraire constamment traversée par quelque chose de fragile. Une tension intérieure permanente. Une manière de chanter qui donne parfois l’impression que les morceaux pourraient se désagréger à tout moment.

Et c’est précisément cette fragilité qui les rend crédibles.

La maison intérieure de La Baraque

Puis arrive La Baraque, probablement l’un des sommets émotionnels de l’EP.

Le morceau transforme l’intime en véritable espace de combustion affective.
La “baraque” devient à la fois refuge, prison, territoire mental, lieu de dépendance mais aussi dernier endroit où continuer à ressentir quelque chose malgré les blessures.

« Dans ma baraque pleine de sensations »

Cette phrase résume presque tout l’univers de Note Blanche.
Chez Blacktong, les émotions ne sont jamais propres ou parfaitement définies. Elles débordent, se mélangent et contaminent tout.

L’invention du mot “Tendr’haine” est d’ailleurs très révélatrice de cette logique.
Le groupe refuse constamment de séparer l’amour et la violence, la douceur et la destruction, le désir et le ressentiment.

Et c’est ce qui donne au morceau une profondeur rare. La Baraque ne parle pas seulement d’une relation compliquée. Il parle de cette étrange dépendance émotionnelle qui pousse parfois à retourner vers ce qui nous abîme simplement pour continuer à se sentir vivant.

Musicalement, on imagine parfaitement le groupe jouer sur les montées lentes, les respirations, les changements de dynamique et les explosions retenues.

Le format guitare / basse / batterie permet justement à Blacktong de conserver quelque chose de très organique. Rien ne semble figé. Les morceaux avancent comme des corps nerveux.

Le vertige verbal de Vouloir

Mais c’est probablement avec Vouloir que l’EP atteint son point de bascule.

Accompagné au piano par L’Artisan Chansonnier, le morceau dépasse rapidement le simple cadre du rock alternatif pour devenir une véritable spirale mentale.

« Vouloir comprendre
Vouloir entendre
Vouloir saisir »

Le mot “vouloir” revient sans cesse jusqu’à devenir presque obsessionnel.
Le texte fonctionne comme une accumulation incontrôlable : vouloir aimer, vouloir changer, vouloir guérir.

Blacktong capte ici quelque chose de profondément contemporain : l’impossibilité de calmer le désir humain. Tout semble devoir être vécu, compris, ressenti, possédé, dépassé.

Et le morceau devient progressivement une immense litanie de frustrations, de contradictions et d’aspirations impossibles à résoudre.

Le piano de L’Artisan Chansonnier joue alors un rôle fondamental. Il apporte de l’espace, de la respiration et une forme de tension harmonique, au milieu du débordement verbal.

Les passages en arpèges créent des zones suspendues avant que le texte ne replonge dans ses propres boucles mentales.

Rarement le rock français récent aura osé une telle densité textuelle sans tomber dans la pose intellectuelle ou le maniérisme vide.
Parce que chez Blacktong, tout semble partir d’un besoin réel. D’une urgence émotionnelle. Le groupe ne cherche jamais à impressionner par les mots. Il cherche à traduire un état intérieur devenu trop vaste pour rester silencieux.

Note Blanche, la beauté nerveuse des fissures

L’ailleurs, la fuite et les ruines modernes

Le reste de l’EP prolonge cette même sensation de mouvement permanent.

Somewhere Else apporte une respiration plus mélancolique. Le morceau parle du départ, de l’éloignement, du besoin de quitter certains espaces pour survivre émotionnellement.

“Feeling alone, meanwhile I feel free”

Très belle ligne, parce qu’elle résume parfaitement la contradiction qui traverse tout le disque :
la liberté implique souvent la solitude.

Puis Chacun son train referme l’EP avec une lucidité presque désarmée.

« Chacun son wagon, son siège et ses jouets »

Le morceau reconnecte brutalement l’intime au collectif.
Le monde décrit par Blacktong apparaît fragmenté, fatigué, saturé de charge mentale et prisonnier de cycles émotionnels et sociaux qui se répètent sans cesse.

Mais malgré cette noirceur diffuse, le groupe refuse toujours le cynisme absolu. Les morceaux continuent de chercher une possibilité de lien et une forme de sincérité. Ou simplement une manière de continuer à aimer sans totalement se perdre.

Et c’est probablement là que Note Blanche touche le plus juste.

Un disque profondément artisanal

L’EP a été enregistré, édité, produit et mixé par Yaël Mothes. Et cela s’entend immédiatement.

Le disque conserve des aspérités, de l’air, une respiration organique, loin des productions ultra-lissées qui dominent souvent le rock actuel.

Le mastering assuré par Alexis Bardinet de Globe Audio Mastering permet justement à cette matière émotionnelle très dense de rester lisible sans perdre sa rugosité.

Et cette fabrication artisanale prolonge naturellement l’évolution du groupe depuis Mademoiselle O. Là où ce précédent disque semblait encore attaché à une figure centrale ou à une narration identifiable, Note Blanche paraît beaucoup plus fragmentaire, plus sensoriel, presque impressionniste par moments.

Dès lors, Blacktong semble désormais écrire des chansons comme on écrit des éclats de mémoire ou des journaux de tension intérieure.

Le vertige comme forme de sincérité

Au fond, Note Blanche est un disque sur l’impossibilité de stabiliser quoi que ce soit : les relations, les désirs, les souvenirs, les identités ou même les certitudes que l’on croyait solides.

Tout vacille constamment. Mais Blacktong transforme ce vacillement en langage artistique. Le groupe refuse les émotions prémâchées, les refrains décoratifs, les résolutions faciles et les postures artificielles.

À la place, il propose des chansons qui acceptent l’excès, les contradictions, les débordements, les hésitations et les blessures ouvertes.

Et dans une époque obsédée par la vitesse et l’immédiateté, cette fragilité devient presque un geste politique.

Note Blanche n’est pas un disque parfait.
C’est beaucoup mieux que ça.

C’est un disque vivant.

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Note Blanche, la beauté nerveuse des fissures

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Déjà un second EP pour Blacktong

Sorti en octobre 2023, un premier E.P. résolument rock joue avec les influences de la chanson française, du blues punk, et du psychédélisme folk d’une artiste charentaise. Titre phare à la plume fugace, « Mademoiselle O » est un texte universel qui prête son nom à ce premier album studio. La voix roots au langage poétique y décrit les déroutes sociales vécues, des thèmes écologistes teintés de féminisme y sont récurrents. La chanteuse y parle de la société, de ses déboires et du « marche ou crève » ambiant en France. Cinq autres titres dépeignent des humeurs plutôt lunatiques, de la joie à la rébellion, de l’amour à parfois des règlements de comptes ou encore du voyage.
Enfin, l’écologie est appuyée au coeur de toutes ses thématiques dans le second E.P : « Note Blanche » en 2026, aux cinq titres homogènes de caractère : « Somewhere Else », « La Baraque », « Vouloir » , « Chacun son Train ».

Changement de line-up pour une évolution évidente

Blacktong est né à Paris en 2013, lancé par Mathilde Ayrault, en tant qu’auteure, chanteuse et interprète. En 2014, elle produit avec ses acolytes parisiens un premier enregistrement live de 4 titres. (E.P. ‘’BLACKTONG’’ ). Puis en 2016, elle part s’enrichir de sonorités anglaises en Australie. En effet, elle y fait progresser son jeu dans les bars tout en puisant de l’inspiration pour la création de nouveaux textes.

Après quoi, à son retour en France, elle s’établit à Bordeaux ; la ville du rock devient sa nouvelle patrie. Par la suite, en 2022, Guillaume Evrard, bassiste et guitariste, intègre le projet. Vient ensuite la rencontre avec Lucie à la batterie, qui après un premier enregistrement est remplacée par Frédéric Lardeur. Ensemble, ils préparent un deuxième E.P « Note Blanche » à Maison des Arts Vivants dans le parc Sourreil à Villenave-d’Ornon. Ce disque est composé de cinq titres à paraître le 13 février sur toutes les plateformes de streaming. Cet E.P est déjà prometteur, de part sa palette rock et ses textes en français toujours aussi militants.

Blacktong ré-ose avec 5 titres percutants et émouvants

En 2025, Blacktong enregistre son second EP « Note Blanche », produit et mixé à la Maison des Arts Vivants de Villenave-d’Ornon. Le noyau définitif du power trio — Mathilde Ayrault, Guillaume Evrard, Frédéric Lardeur — est rejoint en studio par Ludovic Flamand à la guitare. Julien Bischerour signe le piano et partage un duo exclusif à la voix sur le titre engagé « Vouloir », en concert également. « Note Blanche » explore une nouvelle symbolique, plus terrestre, après l’univers aquatique de « Mademoiselle O ». Ainsi, le temps, le mouvement plus terrestre et l’empreinte humaine y deviennent centraux.
Le titre éponyme est un constat véhément et mélancolique : celui d’une planète blessée, d’un paysage décousu par l’Homme. Dès lors, écrit comme une catharsis quasi schizophrénique, le texte s’adresse à l’enfant que la chanteuse a été. Plus précisément et parmi les titres :

• Somewhere Else, chanté en anglais, évoque le voyage, l’exil et la transcendance du temps.

• La Baraque, chronique des rumeurs et des préjugés sociaux, parle de l’espace intérieur et du désir d’aimer. Au travers des saisons impondérables qui rythment l’existence.

• Vouloir, duo explosif, condense toutes les thématiques de l’EP dans un jeu de rimes et de tensions. L’avidité azimut, entre tous et contradictoire de l’Homme, est imagée de façon ludique autour de ses mots.

• Chacun son train, texte énigmatique, déroule une cadence musicale évoquant la course du temps et la chronologie d’une vie. Un texte presque politique parlant presque d’égocentrisme.

Sortie officielle le 13 février 2026

Blacktong, l’essence, l’origine

Blacktong est un groupe de rock indépendant, issu et nourri de la grande famille de la chanson française. Les textes sont écrits en français et l’esthétique musicale dépasse largement l’étiquette de “rock français”. BLACKTONG développe une pop rock lunatique et débridée, traversée d’élans psychédéliques, de guitares abrasives et d’instants plus folk. Les influences revendiquées vont de PJ Harvey, Patti Smith, Pixies, The Clash, à une filiation française assumée. et respirations sensibles. Les textes, au cœur du projet, abordent des thématiques universelles : l’amour, le travail, la place de l’individu dans la société, avec une attention particulière portée aux enjeux sociaux et écologiques. La voix androgyne de la chanteuse apporte une sensibilité féminine singulière, capable de passer du murmure à la scansion, de la poésie à la tension rock.

Sortie & perspectives pour le groupe :

Tout d’abord, NOTE BLANCHE sortira en digital le 13 février 2026, sur toutes les plateformes streaming. De plus, un pressage vinyle est également prévu. Une release party aura lieu le 29 avril dans la grande salle de la Maison des Arts Vivants de Villenave-d’Ornon avec le groupe Cargo en co-plateau. BLACKTONG, est prêt à défendre ce nouveau répertoire sur scène.
C’est la raison pour laquelle ils seront aussi sur la Grande scène extérieure de la Fête des Vins de Sauveterre de Guyenne le 24 Juillet 2026, ouverture de ce grand week-end festif dans l’Entre-deux-mers.

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Blacktong « Note blanche » EP

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Ona Mae musica : une douceur world-métissé

Nous sommes heureux de vous présenter la voix prometteuse d’Ona Mae avec la sortie du 1er single Amy Fall Kanakasi, extrait de son prochain album “Cerca del Sur”. Ona Mae a bénéficié du soutien du studio d’enregistrement et de l’expertise de son technicien. Pour rappel, la Ville de Villenave d’Ornon est, depuis des années, partenaire du dispositif Tremplin Scènes Croisées, coordonné par la Rock School Barbey. Lors de sa participation au tremplin en 2023, Ona Mae a choisi de développer son projet en faisant le pari d’enregistrer ce single. A noter qu’elle a été sélectionnée sur la tournée Les P’tites Scènes Iddac 2025-2026

Une voix très prometteuse

Cette artiste espagnole, originaire de Barcelone, est reconnue pour sa capacité à fusionner des sonorités folk et pop avec des influences ouest-africaines, notamment la musique mandingue et wassoulou.

Autodidacte passionnée, Ona Mae s’est initiée au kamélé n’goni, une harpe-luth traditionnelle du Mali. Son approche intuitive de la musique lui permet de transmettre des émotions profondes, de créer une connexion authentique avec son public.

Second single « Canto a la Luna »

« La nouvelle est tombée comme une douce caresse nocturne : Ona Mae dévoile aujourd’hui son très attendu « Canto a la Luna », un titre qui nous invite à un voyage entre rêve et ciel étoilé.

C’est un pont vers l’imaginaire, qui glisse avec délicatesse entre ombre et lumière. Selon les propres mots de l’artiste, « CANTO A LA LUNA es como… una canción-portal hacia algo onírico ».

Dans cette chanson, Ona Mae mêle toutes ses influences « world » créant une atmosphère à la fois intime et cosmique.

Le titre évoque la Lune, non pas comme simple astre lointain, mais comme une présence complice, témoin silencieux de nos émotions, de nos doutes et de nos désirs. Chaque note, chaque silence participe à cette communion nocturne.

Le clip officiel accompagne la sortie du single, fidèle à l’esthétique de l’artiste : il installe une poésie visuelle qui dialogue avec les thèmes de l’ombre, du reflet lunaire, de la rêverie.

L’image devient un miroir pour l’âme, un paysage où se perdent les contours et se révèlent les émotions.

Pour les fans et pour ceux qui découvrent son univers, cette sortie est un moment fort. « Canto a la Luna » vient s’ajouter à la trajectoire musicale d’Ona Mae, enrichissant son répertoire de nuance, de mystère et de beauté.

Alors, fermez les yeux, laissez la mélodie vous envelopper… et laissez la Lune chanter. »

TEAM MUSIC
Composición, voz, kaméle n’goni, pandero cuadrado de Peñaparda : Ona Mae musica
Teclados ‪@andoniferraris816‬
Udu, cajón, calabaza : Luc Girardeau
Palmas : Noé Vincent
Jaleos : La Cuqui, Carmen Pérez Floristán
Enregistrement & mixage : Yael Grave Clave Mothes
Mastering : Pierre Etchandy

TEAM VIDEO
Réalisation : Paul Magne
Photographie : ⁨Fanny Photos
Ona Mae musica : une douceur world-métissé

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Contact / presse : onamae.musica@yahoo.com

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Ona Mae « Cerca del Sur » Album

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Après « De l’ombre à la lumière », Emmanuel revient avec un nouvel EP de 4 titres intitulé « Clair-obscur ». Cette nouvelle immersion dans son univers musical est comme une introspection qui vous fera voyager au grès de ses souvenirs et de ses aspirations.

Au travers des différents thèmes et mélodies, Emmanuel a choisi de soigner le son d’ensemble. Il l’a souhaité chaud et coloré, organique. Mais au-delà de cette esthétique, vous distinguerez peut-être son attachement à ses valeurs, à sa région la Gironde, à la langue française. Cet ancrage local est très important à ses yeux et c’est sans doute cela qui forge son identité au même titre que les notes qu’il a choisies d’utiliser.

Niveau musical justement, l’ensemble est plus homogène que « De l’ombre à la lumière ». Les musiciens qui ont participé au projet amènent une vraie plus-value en termes de son, de musicalité et d’énergie. De invités de choix ont d’ailleurs accepté de participer à « Clair-obscur » ce qui donne encore plus de profondeur aux quatre titres. En tout cas, l’accent a été mis une nouvelle fois sur les mélodies, les couleurs sonores, l’authenticité. Les ambiances au sein de chaque morceau se succèdent donc et proposent à l’auditeur un mélange de subtile mélancolie et d’énergie.

Laissez-vous surprendre par ce voyage…, écoutez « Clair-obscur »…

La team :

Guitares : Emmanuel Grocolas
Basse : Léo Romand
Batterie : Julien de Paola
Cor d’harmonie sur « Une étoile » : Julien Blanc
Piano sur « Congruence » : Jun Norindr
2° solo de guitare sur « Proche de l’abîme » : Frédéric Herraiz (Ibanez France – LNA effets – Savarez)
Voix : Cristel Bento – Robin Grocolas Bento – Jean Julien – Jean Claude Charley – Kalym

Découvrez l’interview d’Emmanuel Grocolas à propos de cet EP…

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Emmanuel Grocolas « Clair-obscur » EP

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MADxLANE « Deep Roost » EP

MADxLANE is an alternative rock band hailing from Bordeaux, in the southwest of France.

Formed in 2007 under the name « Les Gonz’à l’aise », the original lineup featured Alex and Jav’ on guitar, Cyril on vocals and piano, José on drums, and Sadam, later replaced by David, on bass. Between 2009 and 2012, the drummer and bassist left the group. AdriZ joined as the drummer, Jav’ switch to bass guitar. With Cyril, Jav’, Alex, and AdriZ, the band became MADxLANE.

These four passionate musicians share their love for music every week — or almost — carving out a creative escape amidst their busy professional lives. They initially joined various local associations before settling for five years with « L’Estran » in Saint-Médard-en-Jalles. Where they experienced some of their most memorable gigs and happiest moments.

Their sound? A powerful fusion of rock, metal, and alternative. Inspired by legendary bands like Foo Fighters, Linkin Park, Red Hot Chili Peppers, Incubus, and Audioslave.

While they started with covers, their true passion lies in creating original music. Writing, composing, and refining their sound is where they thrive. Over the years, they’ve amassed a collection of original tracks, some waiting to be polished, others finally recorded.

In 2024, MADxLANE reached a major milestone, recording in a renowned Bordeaux studio — a dream come true for the band!

After 17 years of performing on local stages, MADxLANE is finally releasing their debut EP, « Deep Roost ». Under the independent label « Flower Power Prod’ Action ». This four-track mini-album strikes a delicate balance between brutal emotion and soothing moments, blending intense words with introspection.

The first single, “Voices”, released on December 13, is a true emotional release. The track dives deep into inner struggles — anger, confusion, even madness — and transforms them into a liberating force. Powered by explosive rhythms and an unforgettable melody, « Voices » invites listeners to scream, move, and let go.

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Nous sommes ravis d’annoncer la sortie tant attendue du nouveau disque « A Few Pieces of Delicacy » du groupe de rock alternatif Bird and Lies ! Ce nouvel opus, composé de quatre titres envoûtants, vous emmène dans un voyage musical unique, mêlant des sonorités modernes et des textes poignants. Voici un aperçu des morceaux qui composent cet EP incontournable :

1. « OLD BIRD »

Le morceau d’ouverture, « OLD BIRD, » s’inscrit dans un registre à la fois introspectif et poignant. Avec des riffs de guitare accrocheurs et une mélodie mélancolique, ce titre explore les thèmes de la nostalgie et du passage inexorable du temps. La voix du chanteur, chargée d’émotion, vous transporte dans un univers sonore où chaque note résonne comme un écho du passé. Ce morceau met en lumière les moments fugaces de la vie, capturant l’essence d’un souvenir qui refuse de s’évanouir.

2. « CONFESSION »

« Son du jour spécial ! Ok les Bird and Lies ont passé la seconde. Cette semaine ils sortent Confession leur second single et c’est du lourd ! Bon alors pour les deux du fond qui ne suivent pas les sons du jour et qui ne connaitraient pas encore les Bird and Lies… [j’ai tellement honte pour vous]. Dans mon immense mansuétude, je vais une nouvelle fois vous les présentez (de rien, je suis un vrai gentil mais n’abuse pas, la prochaine fois c’est un coup de couteau dans l’œil). Il s’agit donc d’une formation du coin qui réunit, Nana au chant, Bobby aux grattes, Tommy à la batterie et Jacky au cor (quoi t’es de la police des compositions de groupe et tu t’interroges sur la présence d’un instrument peu habituel ? C’est vrai que c’est pas courant une guitare… Et bien fais avec et tu verras ça file comme un oiseau qui rentre au nid).

Ils balancent un métal inventif et moderne en s’appuyant sur les bonnes recettes du néo métal des 90’s. Ça transpire la gratte à 7 cordes des débuts des Deftones et Korn avant qu’ils bouffent leur spontanéité pour fournir du métal au kilomètre aussi dégueulasse qu’une recette de pain mouillé. Mais revenons à nos zoziaux et leurs carabistouilles (ouais, je suis bilingue ma gueule !). Leur morceau Confession évoque le doute, le besoin de se rassurer avant de se lancer dans une « épreuve ». Mais aussi l’infernal enchainement de décisions imparfaites qui crée une situation de plus en plus inextricable. Il peut être lu de bien des manières, le complexe de l’escroc, le besoin de s’extraire des faux soutiens qui poussent à la faute. Un début de parano ou encore la montée de stress qui peut être salutaire comme mortifère.

On peut même imaginer qu’il s’agisse là d’une allégorie sur nos sociétés qui ne prennent jamais le temps d’interroger leurs pratiques alors même que leur modèle de fuite en avant nous propulse vers le mur.
A peine doutent-elles, les sottes, de leur capacité à maîtriser l’inertie qu’elles ont générée. On ne sait pas quelle est la piste privilégiée par le groupe. Et franchement on s’en cogne on est là pour avoir du bon son si tu cherches un psy je te facturerai notre prochaine séance.

Faut dire qu’ils s’y entendent pour jouer avec les ambiances différentes au sein du morceau pour nous laisser dans cette incertitude. Dès le début du morceau la tension et l’urgence sont présentes avec la gratte et ces nappes de synthé (très 80’s) qui instiguent un climat d’inconfort. L’arrivée de la batterie qui accompagne les nombreuses syncopes appuie encore cette ambiance. Les refrains, plus mélodiques et à la structure rythmique plus linéaire, permettent d’évoquer la prise de hauteur et le fait de caresser un début de sortie de cet état : respirer, analyser avant de prendre la bonne option. Le cor est parfait pour apporter cette rondeur et cette chaleur qui semble presque aspirer le chaos du duo gratte batterie. Même les synthés se mettent au diapason en étant moins anxiogènes.

Après un troisième couplet qui marque la perte de repère, grâce à une interprétation très schizophrène (et soutenu par une Nana investie et une prod’ soignée), le groupe nous offre un pont avec un super « faux » solo de gratte avant de retrouver un refrain encore plus intense que les précédents. On sent notre héroïne aussi paumée qu’un humaniste lors d’un meeting du RN. Le pont suivant semble être la représentation d’une tempête dans le cerveau. L’apaisement du cor semble plus fragile face au rythme rapide et saccadé de la batterie soutenue par la guitare. Les derniers refrains inachevés ressemblent à des prières vaines, voire une forme de renoncement. Ouais, il y a tout ça dans ce morceau. Presque 6 minutes mais il y a surtout un son qui s’écoute avec plaisir pour son charme un peu surannée du vieux metal qui retrouverait un peu de fraîcheur et l’investissement de ces 4 musiciens sacrément doués et en osmose. Bravo les Birds ! Vivement la suite. » – Hubert Jaulin

3. « THE GENTLEMAN »

Pour clore cet album, « THE GENTLEMAN » se distingue par ses sonorités riches et ses arrangements sophistiqués. Ce titre explore les thèmes de l’honneur et de l’intégrité, racontant l’histoire d’un personnage empreint de noblesse et de rectitude. Les orchestrations élaborées, mêlant cordes et percussions, créent une ambiance majestueuse et épique. La voix du chanteur, profonde et expressive, guide l’auditeur à travers une réflexion sur les valeurs qui transcendent le temps et les épreuves.

4. « READY TO SHINE »

Vous souvenez-vous, de votre premier amour ? Quand vous pensiez vivre une chose exceptionnelle, privilégiée, et que personne ne pouvait comprendre ce que vous ressentiez ? Vous souvenez-vous de la première fois où respirer n’avait de sens, qu’auprès de votre bien-aimé ? Tous les espoirs, et la confiance que vous placiez dans cette première relation. Cette certitude inébranlable, qu’ensemble vous étiez plus forts que tout, que cet « autre » était la personne qui vous comprenait le mieux au monde, votre alter-égo, la moitié de vous que vous retrouviez ? Les mains qui tremblent, l’estomac qui se noue, la gorge qui se serre, l’attente qui vous consume entre chaque moment passé avec l’autre. Cette première histoire vous semblait unique, puissante, incroyablement exceptionnelle. Elle ne souffrait d’aucune crainte, vous ne doutiez d’aucune parole. 

Vous souvenez-vous, de la première fois où on vous a brisé le cœur ? Quand vous vous êtes rendu compte que l’amour ne dure pas toujours, que les belles paroles ne sont pas toujours sincères, et qu’on ne cherche pas forcément tous la même chose ? Cette fraction de seconde, où votre monde s’effondre, où vous découvrez la douleur et l’incompréhension du rejet. Vous pensiez n’avoir jamais autant souffert : qu’est-ce qui pouvait être pire que de perdre la moitié de soi ? De se sentir bafoué, trahi, oublié, effacé ? 

Il y a le premier amour, et la première désillusion. Tel des rites de passages, on s’est tous retrouvés un jour ou l’autre face à ces points d’étapes obligatoires. A travers des torrents de larmes, on a saisi les mains tendues, on a écouté les conseils creux de ceux qui étaient déjà passés par-là, en se disant qu’on avait probablement jamais entendu pire réconfort.

Ready to Shine nous renvoie juste à l’aube de cette découverte universelle, quand on avait encore dans le cœur, cet espoir innocent, de trouver la bonne personne. Juste avant que votre vie bascule.

« A Few Pieces of Delicacy » est plus qu’un simple album ; c’est une expérience auditive qui marie habilement des émotions brutes et des compositions raffinées. Bird and Lies démontre une fois de plus son talent pour créer des œuvres qui touchent l’âme et stimulent l’esprit.

Ne manquez pas cette nouvelle œuvre magistrale de Bird and Lies ! « A Few Pieces of Delicacy » est disponible dès maintenant sur toutes les plateformes de streaming et dans les magasins de disques. Plongez dans cet univers musical et laissez-vous séduire par la délicatesse des compositions de ce groupe talentueux.

Prêt à découvrir ces morceaux ? Écoutez maintenant et laissez-vous transporter par la magie de Bird and Lies !

A propos de Bird and Lies :

Quatuor éclectique influencé par le metal, le rock, le blues et la musique classique. Fondé  en 2024, le groupe prépare un EP complet. Trois singles sont déjà sortis fin 2024 « Old Bird », « Confession » et « Ready to Shine ». Disponibles sur les plateformes de streaming.

Et ce quatrième single, à présent, « The Gentleman » qui sort sur toutes les plateformes de streaming formant « A Few Pieces of Delicacy ». Des parties de cor puissantes, une guitare tranchante, une voix soûl et une batterie tonitruante délivrent un rock alternatif, mélodique et entraînant.

Après quelques scènes effectuées avec cette formation et fort de leurs années d’expérience respectives, le groupe est déjà prêt à dérouler une prestation solide. Tout est parti de Tommy le batteur et Bobby le guitariste. Ils ont souhaité rendre leur musique plus accessible en recrutant Nana au chant. Nana est une belle-gosse ayant écumé largement les scènes pendant plusieurs années.
Le trio a ensuite voulu apporter un élément original. Et ce, pour enrichir le côté mélodique et la puissance émotionnelle des morceaux. Quoique méconnu, malgré son omniprésence dans les ensembles de musique classique et dans les grosses productions cinématographiques par exemple, l’ajout d’un cor a rendu tout cela possible avec Chuck aux pistons.

Bird and Lies « A Few Pieces of Delicacy » EP

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Frédéric Herraïz « Odyssey » Album

Biographie de Frédéric HerraÏz

Je me prénomme Frédéric Herraïz, passionné de musique et principalement de la six cordes. Je suis professeur de guitare depuis vingt-trois années et endorsé Ibanez .
J’ai commencé à pratiquer l’instrument en découvrant l’album « Unplugged » d’Eric Clapton.
Ce fût mon premier « choc » musical. Par la suite, j’ai découvert la musique instrumentale à travers des guitaristes tel que Joe Satriani, Steve Vaî, Allan Holdsworth, Yngwie Malmsteen, ou encore Patrick Rondat.
J’ai par ailleurs étudier avec ce dernier pour perfectionner ma technique.

Autodidacte pendant de nombreux mois, j’ai ensuite intégré une école de jazz et d’harmonie pour me perfectionner.
J’ai accompagné plusieurs groupes de rock durant dix années ce qui m’a apporté aussi l’expérience de la scène.
A la fin de cette formation, j’ai décroché mon premier contrat en qualité de professeur de guitare dans une école de musique. Après quelques années d’enseignement constituées principalement de cours collectifs, j’ai décidé de me tourner vers les cours particuliers à domicile.

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Site internet de Frédéric Herraïz :
http://www.fredericherraiz.com

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Le groupe bordelais est né en octobre 2020. Il se compose de quatre musiciens aux styles éclectiques, coutumiers de la scène et des studios : Jérémie à la batterie, Eric et Jean-Phi aux guitares, Antoine au chant et à la basse. Dark Sail a fait ses armes chez Julio Répétition à Pessac en produisant un rock heavy puissant aux influences allant de Smashing Pumpkins à Metallica, en passant par Guns N’ Roses et Deftones.

Le groupe s’est produit pour la première fois en live au Steady le 28 mai 2022 et a conquis le public par son style détonnant. Depuis deux morceaux ont été enregistrés et mixés par Yaël « Grave Clave » Mothes et deux autres singles sont déjà en préparation. L’objectif du groupe est de jouer sur scène et de partager son énergie avec le public, en espérant convaincre le plus possible à chaque fois.
Un clip vidéo est également disponible, celui de leur premier single ‘Playing for the last time‘ disponible ici. https://www.youtube.com/@darksailmusic >>>

« Oh ! Le son du jour nous vient encore du coin ! Une nouvelle prod du grand Yael Grave Clave Mothes pour le groupe Dark Sail qui se définit comme groupe de rock heavy.2 grosses grattes, une section rythmique qui envoie des parpaings, dont le bassiste au chant et une ribambelle de gamins pour les chœurs et l’orchestre philarmonique (mais qui sont tous restés dans le Tour bus. Ça leur apprendra à réclamer une deuxième tranche de pain rassis en guise de nourriture quotidienne).
Le titre Blast doit sans doute évoquer la caresse d’une rosée matinale déposant délicatement des sanglots humides sur la mousse confortable. Ou pas… (et alors, qu’est-ce que tu vas faire ? Réécoute le morceau pour voir ! Eux ça leur fait des streams en plus et toi tu pourrais réapprécier le voyage).
Le groupe intrigue avec un morceau mêlant habilement métal (la voix du chanteur m’évoque tellement celle de Chino sur les premiers Deftones…) avec une bonne dose de heavy dans la construction des solos de grattes techniques et suraiguës.Les ponts entre parties (fin de refrain, pré-solos), sont très intéressants par leur caractère hargneux et annonciateurs de changement d’ambiance tout en étant d’excellents fournisseurs de head banging.
Bref, ça poutre et on ne s’ennuie pas. Et puis quand t’as un rhume, au lieu du grog habituel, le Dark Sail, ça débouche le sinus . En plus à la différence du rhum qui porte le même nom, c’est à consommer sans modération. La chance… »

Chronique : Hubert Jaulin

Dark Sail « Blast » Single
Sortie officielle le 13 novembre 2024

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Dark Sail, groupe bordelais créé en 2020 proposant un style Heavy / Grunge / Rock. La bande se compose de Tonio (Chant, basse), Chips (guitares, chant), Rico (guitares) et Jérémie (batterie). Bienvenue à bord et bonne écoute ! Dark Sail « Playing for the last time » Single

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Color-Full Death « Money Please for New Album » EP

Pourquoi choisir d’écouter un groupe de rock puis de punk puis de blues…
Alors que Cølør-Full Death existe?
Tout les styles de musiques possibles et imaginables combinés en un seul groupe…
La guitare 70’s d’Hatta
La batterie métal d’Arthur
La basse 90’s d’Amon
La voix pop punk et la guitare punk de Noreñato.
Ils sont là pour créer le son Cølør-Full Death.
Ce groupe vous montrera que certaines choses ne peuvent être définies.
Leur adage : « Sur scène ils ramènent la brutalité des acouphènes ».

https://www.instagram.com/colorfulldeathband

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« Desire est une cover de Gala ; « Freed From Desire » que j’ai remanié avec mon handpan pour un retour dans les années 90. Je souhaite, sur ce nouveau projet, aborder une nouvelle thématique et proposer des sons un peu plus « old school » et se rappeler de ces musiques sur lesquelles nous avons pu danser sur le dance floor et qui aujourd’hui, sont encore présentes presque 30 ans plus tard. »

Cyntia À Terre EP, son premier !

« Je veux mettre en avant le handpan, ce fabuleux instrument en l’intégrant à de l’electro. Le thème principal que j’aborde dans les chansons de mon dernier EP « À Terre » est celui de la protection de la nature et de la planète. »

Cyntia a voulu proposer un mélange original en mêlant le handpan avec de la musique electro. Elle aborde des textes engagés envers la protection de la planète, le dérèglement climatique, la faune, la flore. Vous retrouverez sur cet EP « A terre » des sonorités envoûtantes d’electro et de handpan, laissez vous transporter par cet instrument hors du temps… Elle est influencée par des grands groupes comme le duo ultra célèbre Hang massive, Giolli ou bien encore Assia. Ainsi, elle trouve son style petit à petit en mélangeant son instrument à des mélodies entraînantes, plein de punch, de dynamique et d’énergie. Energie que l’on retrouve en live, et sans équivoque, lors de ses concerts où elle enflammes les salles. La musique, est pour elle, indispensable et la venue de cet instrument magique à donné vie à ses musiques.

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Cyntia « Desire » Cover

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Jim’Is Duo « Epilogue » Album. Le groupe c’est Jean-Marie ‘ »Jim » à la guitare et au chant et Isabelle « Is » à la voix. Un duo complice, à la scène comme dans la vie, né d’une envie simple : partager des chansons qui parlent, qui touchent, qui rassemblent.

Jean-Marie, guitariste depuis plus de 20 ans, a d’abord joué dans deux groupes (blues et variété). Il a eu envie de revenir à quelque chose de plus personnel. De chanter en français en s’accompagnant à la guitare. Isabelle l’a rejoint avec sa sensibilité pop-folk. Ensemble, ils ont créé un univers libre et ouvert, nourri de leurs goûts variés.

Leur répertoire, en Français et en Anglais, voyage entre les styles et les époques. Il parle à tous les publics, quels que soient l’âge ou les références musicales. Il y a toujours une chanson qui résonne, qui éveille une émotion, un souvenir, une envie de chanter.

Depuis une dizaine d’années, Jim’Is Duo joue en live, dans des bars, les restaurants, les guinguettes, les marchés ou lors de soirées privées. Leur approche est simple et chaleureuse : créer un moment de lien, de musique vivante, à taille humaine.

Ils aiment chanter pour et avec les gens, croiser d’autres musiciens, improviser. Leur complicité et leur plaisir de jouer sont contagieux. Et le public ne s’y trompe pas, toujours conquis par cet échange durant ces moments uniques.

Récemment, ils ont aussi enregistré quelques titres covers au studio d’enregistrement de la Ville de Villenave d’Ornon, pour garder une trace plus intime de leur univers.

Jim’Is Duo, c’est une musique qui rassemble. Sans artifice, mais toujours avec le cœur au son des guitares et à la vibration des voix.

Jim'Is Duo · ALBUM " EPILOGUE "

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Jim’Is Duo « Epilogue » Album

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2 Bouches à Oreilles. Chansons de voyages et poétiques. Duo aux influences multiples avec de la chanson en français dans le texte ; qui se fait tour à tour, bossa, reggae, latine, pop, valsée ou chaloupée, des musiques venues d’ici ou d’ailleurs. Prenez une juste parité, Une femme et un homme, Ajoutez une bonne dose de chant, Tour à tour et mélangez. Remuez tous les instruments, Guitare, basse, accordéon. Laissez mijoter à feu très doux Incorporer les sons, les mots, les vibrations. Il ne reste plus qu’à partager la joie de chanter pour vous et avec vous.

Composé de Véronique Thibault-Sarrazin au chant et à la basse et de Fabien Pujol au chant, guitare et accordéon.

Véronique :

« Je crois bien que je n’ai jamais arrêté, de jouer et de chanter, en passant, alternativement, des instruments (flûte, guitare, basse) à la voix ; de la variété à la pop,du Blues au Gospel ainsi que la musique classique. Pendant 10 ans, chanteuse et puis bassiste du groupe Toobidon, je continue de participer à de nombreux chœurs. Au-delà du style, c’est l’harmonie, l’écoute, le partage, qui m’animent et me remplissent de bonnes vibrations. »

Fabien :

« Tout a commencé, à 17 ans avec mes premières guitares, folks et électriques. Musiques Pop, Rock, variétés françaises, du blues et du Grunge furent mes premiers pas dans la musique. Après avoir été piqué par le virus de la « chanson » avec Brassens, les Ogres de Barback. Ou avec la Rue Kétanou, Tryo etc., de guitariste-chanteur, je suis passé au fil des années, à chanteur-guitariste. Au fil des cours de chant, d’atelier de pratiques vocales et de stages, mes oreilles se sont dégourdies. Mais aussi enrichies (musique classique, jazz, bossa, reggea, musiques du monde d’ici et d’ailleurs. Des sources infinies de partage et de découvertes. »

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Site web : https://2bouchesaoreilles.wixsite.com/2bao

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Looking Up « Steps » EP. Quartet de Jazz-rock ou jazz-fusion se composant de Benoit Arveiler au saxophone alto et soprano. Antoine Tabarin aux claviers ; synthétiseurs, piano à queue. Philippe Kudra à la basse électrique. Et enfin Yaël « Grave Clave » Mothes à la batterie. Tous les quatre étant tombés très tôt dans la grosse marmite du jazz électrique…

1er single avant la sortie officielle le 05 janvier 2024

Constitué dans les années 2000, Looking Up puise dans les standards du jazz-fusion des années 70 à 90. Epoque de créativité musicale encore toute proche durant laquelle les jazzmen s’invitaient régulièrement dans les “Hits”.

Dans la tradition du jazz, Looking Up s’approprie et réinterprète les originaux des grandes figures de la « fusion ». Telles que Miles Davis (plugged), Yellow Jackets, Herbie Hancock, Billy Cobbham, David Sanborn, Larry Carlton, les Crusaders…

Looking Up sur Bordeaux

Looking Up participe ainsi à l’animation de la scène jazz bordelaise et de Gironde. Et ce, depuis une vingtaine d’années. Ils se produisent dans différents clubs et salles de jazz (Thélonious, Amadeus, Lambarzique, Le Baryton, Station Ausone..).

Mais aussi participent à divers évènements tels que le festival Ciné Jazz de Seignosse ou le « off » des 24 heures du swing de Monségur …

En 2022, Looking Up propose un répertoire « Tribute to Steps Ahead » basé sur les morceaux de ce groupe mythique fondé par Mike Mainieri. Et issu des sessions qui avaient lieu au club New Yorkais de Michael Brecker sur la septième avenue.

Un répertoire qui a fortement marqué l’histoire du jazz-rock par ses couleurs et son contenu mélodique et qui a su entrainer dans son sillon un large public.

Looking Up « Steps » EP lors de l’enregistrement au studio Berduquet

Si vous ne connaissez pas Steps Ahead, je vous propose ces quelques lignes de biographie fort utiles :

Steps Ahead est un groupe de jazz fusion qui a émergé dans les années 1980. Il marque une nouvelle ère dans le monde du jazz contemporain. Fondé par le vibraphoniste Mike Mainieri, Steps Ahead a réussi à fusionner des éléments du jazz traditionnel avec des éléments de musique électronique et du funk. Ce qui aura pour but de créer ainsi un son novateur et captivant.

Le noyau du groupe était composé de musiciens talentueux et innovants tels que Michael Brecker (saxophone). Don Grolnick (claviers). Eddie Gomez (basse) et Peter Erskine (batterie). Ces artistes avaient déjà établi leur réputation dans l’industrie musicale avant de rejoindre Steps Ahead. Ainsi, ils apportent avec eux une richesse d’expérience et de créativité.

Il ne faut pas oublier que l’une des caractéristiques les plus distinctives de Steps Ahead était leur capacité à intégrer des éléments de musique électronique dans leur son. À une époque où la technologie musicale était en plein essor, le groupe a su exploiter ces nouvelles possibilités. Ainsi, ils pouvaient créer des textures sonores uniques. Les synthétiseurs et les boîtes à rythmes faisaient partie intégrante de leur palette musicale. De telle manière que cela ajoutait une dimension futuriste à leur musique.

L’album éponyme « Steps Ahead »

Ce disque est sorti en 1983, a été un jalon important dans la carrière du groupe. Il a été acclamé par la critique. Puis a attiré l’attention du public sur le talent et la créativité de Steps Ahead. L’album présentait des compositions originales qui mêlaient habilement des éléments de jazz, de fusion et de musique électronique. à ce propos, les solos virtuoses de Michael Brecker et les grooves inventifs de Don Grolnick ont contribué à faire de cet album un classique du genre.

Au fur et à mesure, le succès de « Steps Ahead » a ouvert de nouvelles opportunités pour le groupe. Dès lors, cela les amène à tourner à travers le monde et à collaborer avec d’autres musiciens de renom. Leur capacité à mélanger des styles musicaux variés a élargi leur auditoire. Ils attirent à la fois les amateurs de jazz traditionnel et les fans de musique moderne.

Au fil des années, Steps Ahead a continué à innover et à évoluer, sortant plusieurs albums qui ont consolidé leur réputation dans le monde de la musique. Pour cela, des morceaux tels que « Pools » et « Trains » ont démontré leur habileté à créer des compositions captivantes et immersives. Tout en conservant une approche expérimentale et avant-gardiste.

Steps Ahead, groupe qui tient sacrément la route

Malgré des changements de formation au fil des ans, Steps Ahead a toujours su maintenir un haut niveau d’excellence musicale. De nouveaux membres tels que le saxophoniste Bob Berg ont apporté leur propre sensibilité artistique au groupe, contribuant ainsi à élargir encore davantage leur son.

En fin de compte, Steps Ahead reste un groupe emblématique de la fusion jazz, ayant laissé une empreinte indélébile sur le paysage musical. Leur capacité à repousser les limites du genre et à créer une musique qui transcende les conventions a influencé de nombreux artistes et continue d’inspirer les musiciens d’aujourd’hui.

En conclusion

En définitive, Steps Ahead est un groupe qui a marqué son époque en repoussant les frontières du jazz fusion. Pour cela, leur mélange novateur de jazz, de musique électronique et de funk a créé un son distinctif qui continue de captiver les auditeurs du monde entier. Mentionnons tout de même qu’avec des musiciens exceptionnellement talentueux et une vision artistique unique, Steps Ahead restera à jamais gravé dans l’histoire de la musique contemporaine. 

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BLACKTONG : c’est quoi ?

Il s’agit bien là d’un groupe de rock alternatif issu et inspiré de la grande famille de la chanson française. Armé d’une constellation de morceaux en chantier depuis 2013 environ. Le projet indépendant BLACKTONG est porté par la chanteuse Mathilde Ayrault.

C’est en effet après un premier enregistrement électrique live de 4 titres sur Paris, que l’autrice compositrice préfère quitter ses congénères et partir s’enrichir de sonorités plus anglaises. Ainsi, elle s’expatrie une année à l’étranger (Australie et Indonésie).

À son retour en France, elle s’établit à Bordeaux.Elle est alors parée de nouveaux textes mais toujours écrits en français. C’est dans cette langue qu’elle se sent le plus à l’aise pour jouer avec ses mots et ses sentiments.

Ainsi un premier échantillon de titres écrits par ses soins figure sur cet EP. Six titres enregistrés en studio dans les locaux de la Maison des Arts Vivants à Villenave-d’Ornon (33).

L’ E.P « Mademoiselle O »

Le résultat de sa recherche de nouveaux musiciens sur Bordeaux est plus qu’aventureux. Mais surtout riche en rencontres humaines. L’auditeur prend conscience, en plongeant ses oreilles dans cet E.P presque fugitif, que de nouveaux rockeurs se sont greffés au projet afin de toujours l’enrichir et le consolider sur ses partis pris artistiques.

Aujourd’hui, c’est avec Guillaume Evrard à la basse, Louis Kuhna à la guitare et Lucie Lemit à la batterie, qu’on voit les morceaux en français s’intensifier. Enfin se figer, et tenter de laisser eux aussi leur marque.

Dans cette introspection personnelle ouverte sur le « reste des hommes ».  l’universel « Mademoiselle O » est ce titre qui prête son nom à ce nouvel E.P de BLACKTONG. Ce dernier aborde les déroutes sociales que peuvent rencontrer certaines personnes dans la société actuelle du : « Marche ou crève ». Il est le seul accompagné d’un piano interprété par Julien Bischerour. Il est orchestré par Yaël « Grave Clave » Mothes, fervent mixeur et arrangeur du groupe. Les autres chansons imprègnent des thèmes toujours universels. Ainsi sont abordés l’écologie, la postérité, les relations et les maladies ( depuis que le COVID s’est invité sur notre jolie « Mappebombe »).

Aussi, lors de ce premier enregistrement réalisé en studio au printemps 2023, Yaël Mothes, autorise de nouveaux instruments. La trompette et le piano viennent édulcorer l’atmosphère du E.P de BLACKTONG. Cette dernière est en effet tantôt chaude mais orageuse. Tantôt joyeuse et vindicative !

Des guitares solos s’ajoutent à des mélodies pop. Mais aussi parfois déchaînées, symptômes d’influences stoner (Chanson « Mappebombe »), bluespunk ( « Indemne » et « Saut de page »), voire folk ( « Signifie-lui » et le « Diable l’emporte »). Un alliage qui peut constituer un certain pari musical. Surtout quand on sait que les influences de BLACKTONG sont très éclectiques dans la palette du rock (et pas que !)
« Vivement la suite ? » Le groupe l’espère en 2024 !

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Blacktong « Mademoiselle O » EP

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3ème single : MY BAD

Commitment and free will…
« […]ce titre qui démarre avec un harmonica sur l’intro. Folk + harmonica, on est évidemment aspiré par l’univers de Dylan. Pourtant la comparaison disparait rapidement pour laisser place à un morceau plus pop indé, très 90’s.
[…]Le propos s’entend à plusieurs niveaux. La nécessité d’être raccord avec son auditoire quitte à dire des choses consensuelles […] (la m fameuse pression sociale, sous-titre de la chanson) ou encore le besoin d’être soutenu sans réserve dans ses prises de position par ses proches. Dans les deux cas, les questions de la confiance en soi […] et de l’engagement sont posées. »

2nd single : WICKED MINDS

« Wicked Minds que l’on pourrait traduire comme « la perversion de l’esprit » […]illustre une autre part d’ombre des Hommes. […]La conclusion du morceau sonne comme une leçon retenue, celle de ne plus s’imposer et d’accepter l’autre tel qu’il est. Le texte est simple, fluide mais assez bouleversant. […]Creepy Mojo nous dévoile les petits travers de l’Homme. Sans complaisance ni fausse modestie. Il en a conscience et en assume le poids. Mieux, il cherche à s’en défaire et son mea culpa, n’en est que plus juste. »

1er single : ALL PASSENGERS

 « Soyons tout à fait clair, ce morceau est une merveille et cela ne souffre aucune contestation. Pourquoi ? Eh bien, parce que je vous le dis… Comment ça ? Ça ne suffit pas ? Attention, vous commencez à me chauffer. Je suis quand même classé 15-4 en judo alors c’est vous dire si je suis prêt pour la chicane… Si ce morceau est exceptionnel, c’est avant tout en raison de sa musique. On démarre avec une chanson pop avant de tourner à une forme de déchaînement rock indie aux accents californiens portée par des guitares, une basse et une batterie. La structure du morceau, bien que plus classique que les précédentes enchaînant couplets et refrains, est d’une efficacité rare en raison de son ingrédient magique qui fait toute la différence.

   Lors des refrains la métrique passe de 4 à 3 temps sur certaines phrases. Supprimer ce simple temps donne un allant formidable au morceau. Solaire et optimiste, il confirme que le personnage de Creepy Mojo reste capable d’un enthousiasme enfantin. Il y est question de souvenirs d’enfance lors d’un voyage. Celui-ci est-il réel ? Imaginaire ? Amoureux ? Emotionnel lors de la découverte d’un artiste ou de son œuvre ? Sans doute un peu tout cela. Ici le voyage semble plus important que la destination et définit l’objet même des ambitions musicales de son auteur « awakening your soul, make a deal with illusion » La musique, toute en progression, est un parfait condensé des sons indie 90’s avec des accents rétro. Il y a un côté Pixies dans son efficacité redoutable.

Léo Romand : guitares, basse

La ligne de basse du morceau est grandiose, les guitares ont un effet antidépressif quasi immédiat et s’accumulent avec gourmandise. La batterie, au service du morceau, souligne avec précision sa progression et son incroyable changement de rythme du refrain. Ce morceau envoie du bonheur pendant 5 minutes qui paraissent pourtant si courtes. « Greatful for the ride » conclue le « Mojo Flippant ». On peut dire qu’il nous aura enlevé les mots de la bouche.

Guillaume Huckel : batterie

   À l’enregistrement, mixage et production on retrouve le boss Yaël « Grave Clave » Mothes (qui finira par choisir un vrai nom de scène crédible si nous continuons à le harceler). Et pour parfaire tout ça, Mister Alexis Bardinet de Globe Audio s’est chargé du mastering.

   Le résultat combiné de ces deux passionnés et de Creepy Mojo donne un son 70’s parfaitement adapté au projet. L’usage d’un enregistreur à bandes d’époque ajoute le grain idéal aux morceaux. Si le diable se cache dans les détails, le sérieux d’un projet le fait tout autant. »

– Hubert Jaulin

Creepy Mojo à Globe Audio Mastering avec Alexis Bardinet

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Creepy Mojo « The Devil We Know » Album

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Yaël « Grave Clave » Mothes « The future is elsewhere » Single

Yaël « Grave Clave » Mothes « The future is elsewhere » Single ; ce titre est une commande de l’école municipale de musique de Villenave d’Ornon. Ce dernier a été composé à la hâte pour des raisons de calendrier. Ainsi, ce patch réalisé au modulaire eurorack évoque un paysage futuriste. Les influences, vous l’aurez remarqué, sont sans nul doute celles de Blade Runner composé par Vangelis. Mais aussi celui du récent « Blade Runner 2049 » dont le score revient à Hans Zimmer & Benjamin Wallfisch.

A propos de Yaël « Grave Clave » Mothes

Je suis producteur, mixeur, compositeur et batteur basé dans le sud-ouest de la France à Bordeaux. Depuis plus de 15 ans, je travaille divers genres musicaux comme le rock, le punk, le hardcore. Mais aussi la pop, le jazz, l’electro et autre. Je donne le meilleur de moi-même pour que ça sonne cool à vos oreilles ainsi qu’aux miennes.

« Plus que votre musique, votre histoire… »

Mon objectif est de travailler avec des procédés créatifs et des personnes partageant les mêmes idées. Cela afin de capturer l’ambiance, l’énergie, la sensation et l’excitation de la musique. Tout en utilisant les outils mis à ma disposition. Je dois donc réaliser un enregistrement avec le meilleur son possible. Je suis toujours très heureux de travailler à n’importe quelle étape d’un projet, à n’importe quel moment de son processus créatif. Qu’il s’agisse de la pré-production complète et des arrangements de chansons, de l’enregistrement, du mixage et du mastering, je veux obtenir un produit fini qui résiste à l’épreuve du temps.

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   Le Petit Chaperon rouge est un conte de la tradition populaire française. Il connaît de nombreuses versions au cours de l’histoire. On dénombre une centaine de variantes du conte.
Aujourd’hui, Hélène Chenal de l’association Entre 2 Notes propose une nouvelle version de ce conte. Il est question, ici, d’un goûter que tout le monde convoite dans une ambiance musicale. C’est un joli conte
musical qui pourra être chanté par les petits comme les grands.

   Ce conte musical a déjà été joué en spectacle à plusieurs reprises, pour des municipalités, des écoles et des accueils périscolaires.
Ce projet a vu le jour grâce à Yaël « Grave Clave » Mothes de Flower Power Prod’Action. Il a cru en cet album et a pris le temps de l’enregistrer et de le mixer dans les conditions les plus professionnelles que l’association n’ait jamais connues.

   Toutes les chansons, accompagnées à la guitare électro-acoustique, ont été jouées et chantées par Hélène qui conte également l’histoire. L’album ne serait rien sans les illustrations du livret. Elles sont le fruit d’un travail acharné et méticuleux de Sabine Le Flem, qui n’est autre que la maman d’Hélène. Sabine, artiste peintre, a su mettre en image tous les personnages du conte ainsi que les ambiances de chaque chanson.

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Message de Hélène :

« Je tiens à remercier chaque personne qui a cru en ce projet et qui a permis de le réaliser.

Un immense Merci à Yaël d’avoir cru en ce projet et surtout de l’avoir rendu réalisable.

Un énorme Merci à ma mère pour tout le temps passé à dessiner toutes ces magnifiques illustrations.

Merci aux enfants de l’école de musique de Villenave d’Ornon d’avoir accepté de donner de la voix pour appeler le chasseur.

Et bien sûr, merci à l’association Entre 2 Notes pour avoir géré la production.

Merci également à mon conjoint et mes enfants qui ont fait preuve de patience tout au long de la réalisation de ce conte musical.

Que ce soit lors des phases d’écriture, lors des répétitions, lors de la confection des costumes pour les spectacles.

Mais aussi quand il a fallu écouter les mixages et supporter les longs moments où je mettais en page le superbe livret.

L’album sera disponible courant septembre 2023. »

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Hélène Chenal « Le petit chaperon rouge » Album

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   Premièremennt, les académies de tennis aux Etats-Unis aux « gigs » dans les salles londoniennes… Deuxièmement, les cafés-concerts des plages basques… Troisièmement, le passage dans la onzième saison de la Nouvelle Star… Si bien que Romain Baudry a tout du baroudeur fonceur et curieux de tout. Après la pop française sur son EP éponyme et la “far western pop” sur son premier album “Blue Lion Girl”. Ensuite, il poursuit avec ses nouvelles chansons majoritairement en anglais ses explorations musicales dans des sonorités électro et new wave.

L’artiste nous révèle une facette supplémentaire de ses influences où les machines jouent les premiers rôles mais où le cœur rock de ses créations reste prégnant. Ainsi, on y retrouve Killing Joke, Alphaville mais aussi Gorillaz ou James Blake pour les orchestrations et toujours Bashung pour l’inspiration littéraire.

Matérialisées sur scène, ces nouvelles créations se succèdent comme autant de courts métrages électriques. En effet, on y évoque l’amour, le sacrifice de soi, la torpeur, l’inéluctabilité des destins. Toutefois, Romain Baudry révèlera ce nouvel album en juin 2023.

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Romain Baudry « Bonnie and Clyde » Single

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Chronique de l’album Head for a fall par Hubert Jaulin
Avril 2026

Le temps de la récolte est venu !

Après avoir passé des mois à s’appliquer à planter les graines d’un album, s’être échiné à construire une cohérence avec authenticité et minutie, la sortie d’un album sonne à la fois comme une finalité et le début d’un nouveau chemin.

Harvestime, groupe bordelais de metal a choisi un artwork d’album qui semble représenter ce long chemin qui mène à un avenir souriant.

Head For a Fall, sorti en septembre 2025 est le fruit de 4 membres engagés. Au chant on retrouve Jessica qui explore aussi bien la fragilité que la puissance et l’assurance. Elle est accompagnée par un guitariste, Eric, porteur de mélodies nostalgiques et de riffs conçus pour satisfaire tout.e bon.ne head-bange.use.r qui se respecte !

On retrouve sur la section rythmique Damien à la batterie virevoltante (qui a cédé la place à Yaël récemment) et un impressionnant Florian à la basse.

Roses of Dispair

Le premier morceau de cet opus « Roses of Dispair » démarre par une intro bucolique teintée de nostalgie d’un temps calme révolu. Le texte démarre et confirme cette impression. On y entend Jessica s’interroger sur ce qui ne va pas chez elle dans sa relation avec celui ou celle à qui elle s’adresse.

A celles et ceux qui imaginent la jeune femme éconduire son interlocuteur.ice en mode « ce n’est pas toi qui ne fait pas ce qu’il faut, c’est moi » peuvent commencer à ranger leur empathie doublée de jugement viriliste pour cette femme qui « ne se sent pas assez bien pour l’autre ». T’as cru que tu écoutais un groupe de dark romance ?

T’inquiète, Jessica s’échauffait. Ça tombe bien, le groupe faisait de même. Fini le son très pop mélodique. Après une belle harmonique à la guitare, tout le monde s’énerve. Ça balance du gros son, une rythmique sèche et définitive et la descente d’un demi-ton en fin de phrase change le décor. La victime n’est pas du côté que l’on croit. Jessica a des comptes à régler et son interlocuteur.ice n’a pas voix au chapitre. « if I hurted you, then I let you hill ». C’est clair ?

Ce premier morceau pose de suite les bases de leur musique. Pas de concession. Pas d’accord. C’est cash macache !

Allez Harvestime, envoie la suite, je suis tout ouïe !

All Liars

Le second morceau All Liars ne prend pas de gants pour envoyer direct ! Un break de batterie et tout le monde rentre dedans. Le riff principal, saccadé et porté par une belle descente tire tout le monde vers le grave (« Le grave c’est la vie » aurait pu dire Karadock s’il avait vécu un temps où on pouvait électriser les luths) !

C’est le moment de mettre les poings, non pas sur les i, mais dans la gueule de ceux qui se permettent de nous vendre un narratif perverti de la réalité. Les menteurs peuvent aussi bien être des quidams lambda que des puissants, si tu mens tu prendras ton retour de bâton, sans doute lancé avec force et précision par le groupe 

L’ambiance musicale est au diapason pour envoyer sa sentence. La section rythmique est imparable pour soutenir le riff gras du guitariste.

Le premier pont soutenu par un petit passage de slap bien senti qui enchaine sur une liaison calme et progressive à la guitare semble préparer à l’estocade finale que Jessica répète « Let’s pretend it is not all true ». Comme une inversion des rôles. Alors menteur, prouve que je mens !

Je déclare Harvestime vainqueur par K.O.

Lupa

Lupa, troisième titre de l’album, évoque un combat perdu d’avance où seule la fin est espérée tant la lutte est douloureuse (pas la fin du morceau, hein… de la vie de son personnage. Merci de faire un petit effort pour me suivre sinon ça va être long. Je sais ce n’est pas l’plus simple). Si la joie n’est pas convoquée, la musique qui accompagne le morceau ne ressemble en rien à un renoncement.

On y ressent une certaine urgence appuyée par la basse qui suit le riff de guitare tout en appuyant cette course vers une issue espérée. La batterie saccadée et précise renforce encore ce sprint. Les couplets sont intenses et très efficaces. Les refrains désespérés au chant eux sont plus mélodieux comme l’issue presque heureuse qu’ils évoquent. Le pont est superbe, profond et prenant toute la place au diapason des pensées qui semblent tourner dans la tête de Lupa. Le dernier refrain est sublimé après ce pont tendu et très rythmique. Son côté plus mélodique donne un sentiment de sérénité et d’apaisement à la fin du morceau. Bien vu !

Head for a Fall

Vient ensuite Head For A Fall que je comprends comme un hymne à la prédétermination. SI tu pars en victime, n’espère pas être autre chose. Le tout est envoyé comme une description factuelle sans proposition de solution. Harvestime n’est pas là pour ça. Si tu veux changer, sors toi les doigts et fonce. En tout cas, musicalement c’est aussi direct que l’uppercut du texte pour celui ou celle qui en est destinataire. Notons la fin du morceau encore plus percutante avec un rythme du chant aussi syncopée et précis qu’une rafale définitive lâchée à bout portant.

The Line

Passons ensuite à The line et allons-y avec gourmandise parce qu’il en faudra pour apprécier les multiples couches de sons du morceau. Les riffs s’enchainent, les structures rythmiques sont toutes plus entraînantes les unes que les autres. Quelle générosité ! Le morceau est un banger ! Voilà un batteur qui a moyen de finir crevé à la fin du morceau. La syncope est à l’énergie rock ce que l’autotune est au manque de talent. Mention spéciale aux chœurs discrets mais bienvenus sur les refrains.

Darkside

Darkside prend la suite. Le morceau évoque la course infernale du temps et notre difficulté à faire pause même si ça ne serait pas une mauvaise idée. La guitare évoque bien cette inexorable boucle ultra rapide. La basse et la batterie semblent tenter de lutter contre ce cycle infernal. Pourtant au moment des refrains, on sent bien que le combat est perdu et tout le monde tente de s’aligner dans la souffrance pour suivre le rythme effréné imposé. J’aime bien ce sentiment de cohérence entre l’histoire racontée par le chant et celui exprimé par les musiciens. Au passage la virtuosité des musiciens explose une fois de plus.

Propaganda

Propaganda démarre sur un riff de gratte qui sent bon le stoner. Mais dès qu’il est rejoint par la section rythmique, le stoner a fui sans demander son reste face à un métal qui sort comme un diable de sa boîte. Il y a un côté néo métal dans le son compressé de la basse qui colle tellement bien au morceau. Le refrain me prend par surprise. Jessica se double elle-même et on glisse vers un métal teinté de pop pour l’occasion. Le mélange est aussi surprenant et intéressant qu’une vodka – calvados. Jessica, au chant, fait « all-in » sur l’indépendance des femmes. Elle le fait en hurlant pour que le message soit bien compris. Elle ne demande pas la permission pour rappeler que ce sont aux femmes de choisir ce qu’elles veulent, elle est prête à jouer son rôle pour que ce soit bien clair pour tou.te.s !

Predator

Predator commence avec un riff de basse au son magnifique. Les notes aigües des cordes semblent avoir été captées par un micro posé devant l’instru pendant l’enregistrement. Une nouvelle fois ce son me renvoie à des groupes de néo métal ou fusion des années 90. La basse est rejointe par les autres instrus pour envoyer du gros son. Je vais me permettre à cet instant de partager un regret. Celui que l’album ne soit pas masterisé pour éviter cette baisse d’intensité d’un signal trop limité pour donner toute sa place à chaque musicien. J’imagine la claque en live ou sur un support qui ne compresserait pas le signal global de tous les instrus…

Le morceau évoque l’excitation macabre d’une chasse et la voix autant que les instrus portent ce côté un peu sale de ce « hobby ». La vitesse, la ruse, l’excitation sont palpables et le tout fonctionne parfaitement.

Utopia

Utopia, le morceau suivant évoque aussi bien les jeux d’argent que la société ultralibérale qui te donnent l’impression de gagner sans que tu ne sois complètement dupe. « Le casino gagne à chaque fois ». Musicalement nous retiendrons ce pont un peu jazzy qui renforce le côté « entertainment » que semble dénoncer le morceau. Tout le reste n’est qu’efficacité des musiciens et de leur chanteuse.

Glass

L’album se conclue sur Glass qui me rappelle instantanément l’énergie du groupe No Doubt et sa synthèse de rock, de pop, teintée de reggae. Ok, la comparaison s’arrête dès la fin des couplets mais il y a dans ce riff de guitare quelque chose dans cet esprit et c’est pas mal. Les refrains sont eux beaucoup plus droits et radicaux. Le propos semble évoquer nos fêlures et le besoin de s’en accommoder. Pour cela les musiciens semblent se déchainer pour donner l’impression qu’il n’y a pas de place pour trop s’appesantir là-dessus et profiter à fond. Cette urgence à vivre est illustrée par la seconde partie du morceau sans répit. On fonce et on verra bien !

Que ce soit dans les textes ou dans certains sons du groupe, la philosophie punk n’est pas très éloignée. Elle n’est pas conviée pour « faire genre » et sait se montrer discrète mais elle ajoute un petit supplément d’âme aux morceaux. Souhaitons que les prochains messages de Harvestime rugissent et soient partagés largement.

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Harvestime « Head for a Fall » Album

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« Rhythm est un titre que j’ai composé avec mon handpan avec un retour en arrière dans les années 90. Je souhaite, sur ce nouveau projet, aborder une nouvelle thématique et proposer des sons un peu plus « old school » et se rappeler de ces musiques sur lesquelles nous avons pu danser sur le dance floor et qui aujourd’hui, sont encore présentes presque 30 ans plus tard.
Les textes engagés en faveur de la protection de la planète sont toujours bien évidement d’actualité mais je souhaitais ici emmener quelque chose de plus coloré et plus vivant pour rythmer ce nouveau projet. »

Cyntia À Terre EP, son premier !

« Je veux mettre en avant le handpan, ce fabuleux instrument en l’intégrant à de l’electro. Le thème principal que j’aborde dans les chansons de mon dernier EP « À Terre » est celui de la protection de la nature et de la planète. »

Cyntia a voulu proposer un mélange original en mêlant le handpan avec de la musique electro. Elle aborde des textes engagés envers la protection de la planète, le dérèglement climatique, la faune, la flore. Vous retrouverez sur cet EP « A terre » des sonorités envoûtantes d’electro et de handpan, laissez vous transporter par cet instrument hors du temps… Elle est influencée par des grands groupes comme le duo ultra célèbre Hang massive, Giolli ou bien encore Assia. Ainsi, elle trouve son style petit à petit en mélangeant son instrument à des mélodies entraînantes, plein de punch, de dynamique et d’énergie. Energie que l’on retrouve en live, et sans équivoque, lors de ses concerts où elle enflammes les salles. La musique, est pour elle, indispensable et la venue de cet instrument magique à donné vie à ses musiques.

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Cyntia « Rhythm » Single

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Après avoir participé à plusieurs projets musicaux en tant que guitariste, batteur et bassiste, Emmanuel Grocolas est revenu à son instrument de prédilection, la guitare. Il nous proposer un premier EP de 4 titres intimistes et éclectiques, intitulé « De l’ombre à la lumière » qui sortira le 24 février 2023.

Ses idées musicales, inspirées par ses nombreuses influences et expériences musicales, ses voyages et ses expériences de vie, ont doucement maturé jusqu’à présent. Il était donc temps pour lui de laisser libre court à sa créativité. Il propose donc au public de découvrir son univers musical puissant, subtilement mélancolique et parfois touchant.

Cet ancien élève du CIAM et du Conservatoire Jacques Thibaud à Bordeaux propose une musique instrumentale. La guitare y a une place de choix. Il explore des thèmes qui lui sont chers comme la famille, la paternité, la protection. Mais également l’environnement et le sentiment amoureux pour sa compagne. La musique est vraie, exigeante et fait voyager l’auditeur dans des ambiances où le jazz, le blues et le rock s’entrecroisent, où le métal s’invite parfois. Le tout agrémenté par des harmonies riches et subtiles.

Vous pourrez le découvrir sur scène notamment avec son groupe de soul épissée et métissée Random.

Découvrez l’interview d’Emmanuel Grocolas à propos de son 2nd EP du 13 septembre 2024

Emmanuel Grocolas et Yaël « Grave Clave » Mothes chez Globe Audio

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Emmanuel Grocolas « De l’ombre à la lumière » EP

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Romain Baudry « Victoria » Single. Des académies de tennis aux Etats-Unis aux « gigs » dans les salles londoniennes, puis aux cafés concerts des plages basques en passant par la 11ème saison de la Nouvelle Star, Romain Baudry a tout du baroudeur fonceur et curieux de tout. Après la pop française sur son EP éponyme et la “far western pop” sur son premier album “Blue Lion Girl”, il poursuit avec ses nouvelles chansons majoritairement en anglais ses explorations musicales dans des sonorités électro et new wave.

L’artiste nous révèle une facette supplémentaire de ses influences où les machines jouent les premiers rôles. Mais où le cœur rock de ses créations reste prégnant. On y retrouve Killing Joke, Alphaville mais aussi Gorillaz ou James Blake pour les orchestrations et toujours Bashung pour l’inspiration littéraire.
Matérialisées sur scène, ces nouvelles créations se succèdent comme autant de courts métrages électriques. On y évoque ’amour, le sacrifice de soi, la torpeur, l’inéluctabilité des destins. Romain Baudry révèlera ce nouvel album en juin 2023.
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Romain Baudry « Victoria » Single

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   Des académies de tennis aux Etats-Unis aux « gigs » dans les salles londoniennes. Puis aux cafés concerts des plages basques en passant par la 11ème saison de la Nouvelle Star, Romain Baudry a tout du baroudeur fonceur et curieux de tout. Après la pop française sur son EP éponyme… Après la “far western pop” sur son premier album “Blue Lion Girl”… Il poursuit avec ses nouvelles chansons majoritairement en anglais ses explorations musicales dans des sonorités électro et new wave.
L’artiste nous révèle une facette supplémentaire de ses influences. Où les machines jouent les premiers rôles mais où le cœur rock de ses créations reste prégnant. On y retrouve Killing Joke, Alphaville mais aussi Gorillaz ou James Blake pour les orchestrations. Et toujours Bashung pour l’inspiration littéraire.Matérialisées sur scène, ces nouvelles créations se succèdent comme autant de courts métrages électriques. On y évoque l’amour, le sacrifice de soi, la torpeur, l’inéluctabilité des destins. Romain Baudry révèlera ce nouvel album avec un premier extrait à paraître à l’automne 2022… avant d’enchaîner sur une série de concerts en trio en 2023 avec au cœur la hâte de retrouver son public.

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Romain Baudry « Let’s talk sense » Single

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Ce projet s’est déroulé durant toute l’année 2021 et a eu pour partenaires l’iddac, le service Médiation culturelle de la Mairie de Villenave d’Ornon, Rock & Chanson à Talence, la MECS QUANCARD de la Fondation COS de Villenave d’Ornon et KiéKi Musiques.
Durant 8 séances réparties sur les vacances scolaires, les deux artistes Titouan Arrabie- Aubiès et Alexandre Sossah sont intervenus auprès des Mineurs Non Accompagnés (MNA) présents au sein de la MECS pour réaliser avec eux un EP (disque d’une durée plus courte que celle d’un album).
Au fil de résidences de création d’abord prévues sur 3 journées successives, puis sur 2 ou une demi journée, les jeunes ont écrit des textes de rap. Avec le soutien des artistes, ils ont aussi composé ensemble les bases musicales des différents morceaux présents sur l’EP.
Au gré de séances faites à la MECS, puis à Rock & Chanson à Talence ou à la Maison des Arts Vivants (MAV) à Villenave d’Ornon, les jeunes et les artistes ont ensemble peu à peu créé la matière pour réaliser ce disque.
Le projet s’est clôturé par un week-end d’enregistrement de voix et d’instruments au studio d’enregistrement de la MAV à Villenave d’Ornon en compagnie de Yaël « Grave Clave » Mothes pour produire l’EP.
Si les voix sont majoritairement celles des MNA (sont également présents sur le disque les artistes intervenants, un éducateur et une jeune slameuse), sur certains morceaux ont aussi été enregistrés des instruments live joués par des jeunes musiciens issus de l’école de musique municipale de Villenave d’Ornon et de celle de Rock & Chanson ; le but étant, en plus d’emmener une couleur supplémentaire à la création finale, d’associer au projet des jeunes de même tranche d’âge mais issus d’autres milieux.
Sont aussi intervenus dans le processus d’autres artistes : Ever, Mao et Fleur, slameuses de la même génération que les jeunes ayant partagé avec eux leur vision de l’écriture, donné des ateliers et participé à la production finale. Et Agnès Garoux, chanteuse, leur a donné un cours de chant un peu avant les sessions de studio.
Enfin, est prévue pour la diffusion de cette création le pressage de Cds, qui seront distribués et mis en écoute pour le public dans des établissements scolaires et structures municipales de Villenave d’Ornon, à Rock & Chanson à Talence ainsi qu’à l’iddac, la diffusion sur internet de l’EP sur la chaîne YouTube de Titouan, et une présentation lors de l’événement MIX MECS à Pola de juin 2022.

Partenaires / Acteurs :
iddac : Christine Camatta
Villenave d’Ornon : Pédro Busca
KiéKi Musiques : Chantal Saez
Rock & Chanson : Luna Lippi
MECS : Sarah Castel, Lucien Youanchi, Suzie Pascual

Enregistré, mixé & masterisé par Yaël « Grave Clave » Mothes

Artistes :
Titouan Arrabie-Aubiès et Alexandre Sossah

Jeunes participants :
École de musique de Villenave d’Ornon :
Lohann Magnant (trompette)
École de musique de Rock & Chanson à Talence :
Arsène Marchesseau (clavier)
Titouan Ducourau (batterie)
Arthur Gaudin (clavier)

MNA x Titouan « Carnets de Babel » EP

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MNA x Titouan « Carnets de Babel » EP

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longskirt « The End » Cover. Depuis ses 15 ans, longskirt s’improvise chanteuse et s’accompagne à la guitare. La création musicale ne vient que tardivement chez elle, mais même sans la pratiquer, elle baigne dans des univers tels que ceux de Bowie, Bjork, The Beatles, Bashung, Radiohead, et bien d’autres. Ce n’est que l’an dernier, à 18 ans, qu’elle compose sa première chanson guitare-voix « the necklace ». S’en suivront ainsi d’autres compositions, dans lesquelles on retrouve des influences indie-rock ou encore folk.

Titre : The End.
Artiste : November Ultra
Album : The End.
TuneCore, UMG (au nom de Universal Music Division Virgin Records); Kobalt Music Publishing, BMI – Broadcast Music Inc. et 4 sociétés de gestion des droits musicaux.

November Ultra, artiste émergent

Sa musique transcende les frontières du genre. Sa chanson emblématique, « The End », capture l’essence de son style unique. Avec des paroles profondes et une instrumentation envoûtante, l’artiste crée une atmosphère envoûtante qui invite l’auditeur à une introspection profonde.

« The End » se distingue par son mélange de sonorités électro-pop et de mélodies poignantes. Les paroles, imprégnées d’émotion, explorent des thèmes universels tels que l’amour, la perte et la résilience. La voix envoûtante de November Ultra guide l’auditeur à travers une expérience musicale captivante.

Le travail de November Ultra a rapidement attiré l’attention des critiques et des fans du monde entier. Son talent pour fusionner des éléments sonores divers crée une expérience auditive qui transcende les limites conventionnelles de la musique pop. Avec « The End », l’artiste laisse une empreinte indélébile dans le paysage musical contemporain et offre une vision nouvelle et émotionnelle de l’art sonore.

En somme, November Ultra et sa chanson « The End » sont une invitation à plonger dans un univers musical riche en émotion et en innovation, confirmant ainsi l’artiste comme l’une des voix les plus prometteuses de la scène musicale actuelle.

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longskirt « The End » Cover

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   Helichryse est un groupe de metal bordelais créé en 2021. Damien (guitare), Mathias (batterie) et Sébastien (chanteur et auteur) forment Helichryse en 2021. Machine Head, Guns’n’Roses, System Of A Down ou encore Insomnium comptent parmi les influences de ce groupe. Les compositions mêlent des passages trash metal à des sonorités issues du heavy metal. Les injustices quelles qu’elles soient, ce que l’Homme fait de pire, la protection du vivant assortie d’une dose de magie spirituelle inspirent largement les sujets abordés dans leurs titres.

Ce groupe sort ses tripes et se dépense sans compter (façon Jurassic Park) à chaque concert. Que ça soit dans des bars bordelais (les Runes, le Fiacre, Parc Sourreil), lors de la fête de L’humanité en 2018 (sur une scène si petite soit-elle), ou sur les soirées organisées par le Hellfest Cult à Concarneau et à Angoulême en 2019. « Born In Pain », premier opus du groupe réunissant 9 titres, sort le 3 décembre 2021. Mixé par Yaël « Grave Clave » Mothes (Flower Power Prod’Action) et masterisé par Alexis Bardinet (Globe Audio Mastering), il bénéficie d’une identité sonore unique pour ravir tes oreilles et te défriser la moustache !

L’hélichryse étant aussi une plante aux vertus apaisantes et cicatrisantes. Si tu as un coup de mou, un cœur brisé ou la rage au ventre, écoute Helichryse 2 fois par jour. Tu verras, tout ira déjà beaucoup mieux ! L’objectif du groupe est de se produire sur des festivals, des tremplins, de monter des plateaux avec d’autres groupes ayant la même énergie à revendre et par-dessus tout se défoncer pour un public !!

« Old Shadows donne le ton direct… « It’s coming from the dark » et le Dark a l’air étouffant, âpre et accueillant comme un sourire d’Emile Louis… En tout cas l’intro déclencherait un head banging à la Wayne’s World. Alors que le combat fait rage et que les humains semblent en prendre plein la tronche, le groupe, lui, ne semble pas prêt d’abdiquer. Grace à mon bac +9 en second degré, je suis à peu près sûr que ce combat est une métaphore d’une société en perte de sens (ou alors d’un gars qui se serait cogné le petit orteil sur une table basse dans une pièce obscure, mais j’y crois moins).
En tout cas le morceau boosté à la testostérone propose un break extraordinaire alternant une rythmique très droite et des breaks de batterie aussi précis qu’entropiques. La guitare clos le morceau avec un vibrato dingue trop souvent considéré comme un effet du passé et qui laisse l’auditeur reprendre son souffle, impatient d’entendre la suite. Quelle mise en bouche! »

Critique du single par Hubert Jaulin
Bassiste de Cargo

Formation bordelaise créée en 2021, Helichryse tire son nom d’une plante aux vertus cicatrisantes et apaisantes. Ce premier opus « Born In Pain » est un condensé d’un metal avec quelques structures thrashisantes modernes et heavy. Bref, la prod est vachement bien foutue pour une première réalisation, avec aussi des passages légèrement groovy comme sur « In Zombies Mind ».
Ensuite le riff est bien gras et dépote les esgourdes avec une alternance de chant grave, puissant et voix claire. Puis, il faut reconnaître que le combo bordelais alterne les tempos avec dextérité, avec une décontraction musicale qui peut rendre certains jaloux ou dubitatifs.
Voilà donc une sacrée baffe musicale qui ne demande qu’à défourailler vos chaumières et surtout n’importe quelle scène de notre bel hexagone.

Chronique par Jean-Mimi
dans l’émission metal hard rock
Boomerang sur O2 Radio

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Helichryse « Born in Pain » Album

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1er single de son nouvel Album « Let’s Talk Sense »
Sortie officielle le 1er Avril 2022

« À L’amour Invaincu » fait écho au fait de vivre un amour conditionné. Celui qui flotte à la surface d’un océan turquoise caressant le sable d’une île paradisiaque.
C’est l’esquisse d’un sourire aussi éphémère que la durée d’un son provoqué par l‘entrechoquement de deux verres à cocktail.
Ce titre évoque le retour à la réalité : l’amas de poussière sous le tapis d’une maison témoin où tout paraissait si propre et où pourtant tout semblait être à sa place.
Dansons, Sourions, Trinquons ! Allez Tchin !

A propos de Romain Baudry :

Des académies de tennis aux Etats-Unis aux « gigs » dans les salles londoniennes. Puis aux cafés concerts des plages basques en passant par la 11ème saison de la Nouvelle Star, Romain Baudry a tout du baroudeur fonceur et curieux de tout. Après la pop française sur son EP éponyme et la “far western pop” sur son premier album “Blue Lion Girl”, il poursuit avec ses nouvelles chansons majoritairement en anglais ses explorations musicales dans des sonorités électro et new wave.

L’artiste nous révèle une facette supplémentaire de ses influences… Où les machines jouent les premiers rôles… Où le cœur rock de ses créations reste prégnant. On y retrouve Killing Joke, Alphaville. Mais aussi Gorillaz ou James Blake pour les orchestrations. Et toujours Bashung pour l’inspiration littéraire. Matérialisées sur scène, ces nouvelles créations se succèdent comme autant de courts métrages électriques.

On y évoque l’amour, le sacrifice de soi, la torpeur, l’inéluctabilité des destins. Romain Baudry révèlera ce nouvel album avec un premier extrait à paraître à l’automne 2022. Avant d’enchaîner sur une série de concerts en trio en 2023 avec au cœur la hâte de retrouver son public.

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Romain Baudry « À l’amour invaincu » Single

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Yaël « Grave Clave » Mothes « Under The Earth » Single. Et ce bon vieux Dr. Emmett Brown… C’est ce dernier qui a inspiré ce nouveau single (cf. Voyage au centre de la Terre de Jules Verne).

Under the Earth est un paysage sonore,. Il est emprunt des ambiances de Dark et de Blade Runner. Il est réalisé sur un système modulaire eurorack. Je vous conseille de vous installer confortablement et de vous laisser porter…

A

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The Lost Meridian

Quintet bordelais à la voix féminine. Il puise dans les influences rock/trip hop des années 90 pour créer son univers propre. Il mêle avec justesse la mélancolie des Rhodes et les saturations atmosphériques dignes de the XX. Une musique influencée par Portishead, Morcheeba, Archive, Moloko. Une voix envoûtante parachèvent des mélodies qui nous transportent. Leurs titres alternent colère et douceur comme sur le premier single du nouvel opus “Caterpillar”.
Ce titre relate le quotidien et les angoisses de femmes subissant le harcèlement sexiste et les violences sexuelles dans les transports en commun. Le titre (« la chenille » en français) traduit la tendance que peuvent avoir ces victimes à se recouvrir pour se protéger des regards insistants.

A propos du clip

Au regard du thème poignant et actuel de cette chanson, nous avons projeté une collaboration avec le collectif Collages Féministes Bordeaux qui a accepté. Ensuite, nous avons calé le scénario sur la chronologie d’une session collage. En commençant par la peinture des lettres noires dans l’intimité d’une mansarde bordelaise. Pour finir par arpenter les ruelles du vieux Bordeaux en collant sur les murs les messages relatant le quotidien de tant de femmes harcelées sexuellement. Ainsi, l’idée a été de retranscrire un maximum d’émotions au fil de la narration. Au détour des regards et des gestes. Avant de révéler toute la portée des messages sur le bouquet final (lorsque la puissance du chant atteint son paroxysme).

A propos de l’EP

Nous sortons notre troisième EP masterisé chez Globe Audio avec Alexis Bardinet avec le clip du premier single en juin. Suivi du deuxième clip “Omen” qui accompagnera la sortie de l’EP sur toutes les plateformes en septembre prochain. Nous retrouverons la scène fin juin. Puis, nous reprendrons une série de concerts à partir de septembre pour la sortie de l’EP.

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The Lost Meridian « Regardless of What the Omen Said » EP

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Lili Marleen, c’est un groupe de rock en français, pour tenter d’exprimer ce qui transhume et s’effiloche :

Fantasmes qui fument, fêtes anamorphes, cabanes de bamboches où les humeurs s’enlisent, femmes roseaux des mangroves d’Amérique, belles de nuit, villes de brume et corridors…

Depuis 2014, on triturait dans nos chambres bordelaises, des instants à éterniser. Ça veut dire qu’on agitait très fort, deux têtes entre les murs, nos carnets de balades et nos désillusions, jusqu’au moment où ça ressemblait à de la musique, qu’on enregistrait.

Parfois ce n’était plus du rock mais ça venait d’ici.

Des copains d’aventure sont venus se joindre à l’expédition. On a grimpé à notre rythme, « Volcan de plume », notre premier EP. Et le volcan la pété en numérique, au début de l’année 2019.

Pour l’instant et à l’avenir, Lili Marleen explore la meilleure façon de vous faire gesticuler : en live très probablement ; à l’intérieur d’un transducteur électroacoustique et d’un écran, pourquoi pas.

« La poésie peut se passer des illusions, le rock’n’roll fricoter avec les belles paroles, la phrase tanguer sur le fil de riffs acérés et l’espoir parfois se teinter de noir. Qu’importe… Lili Marleen est un mot de passe pour oreilles exigeantes et non domptées. » 

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Lili Marleen « Au Nord » EP

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Rainbow, le dernier clip de Cyntia :

« Rainbow a été tourné sur le site de reconstitution historique « Fort Rainbow » situé à Cestas. Ce clip à remonter le temps permet de découvrir l’évolution de la planète et de l’être humain au fil des années. Avec son étrange instrument à percussion, Cyntia veux réveiller les consciences. Cow-boys, femmes en robes à crinolines, danses au saloon… Pour sauver la terre, la chanteuse Cyntia est remontée jusqu’au Far West. Jaillissant de la forêt, elle débarque de notre époque pour donner l’alerte. Armée de son handpan, instrument de musique aux allures de soucoupe volante. Car jusque dans les années 1900, c’est encore l’insouciance… Ou plutôt l’inconscience.

Le peuple l’enferme en pensant que Cyntia est un ennemi venu leur piller leurs terres. Seulement une petite paysanne du village a compris qu’elle n’était pas là pour les voler. Mais plutôt pour leurs montrer ce qui allait se produire un siècle plus tard si l’homme ne prenait pas de précautions pour protéger la planète.

Cette petite fille la libère de prison. Elle lui donne des vêtements d’époques pour qu’elle puisse se fondre dans le décor. Et ainsi récupérer son instrument de musique. Une fois libre, Cyntia court vers le saloon suivie du peuple du Far West. Elle se met à jouer au milieu des habitants pour qu’ils saisissent qu’elle n’est pas là pour leur faire du mal, ni pour les voler mais pour les sauver…

Malheureusement, Cyntia se réveille et se retrouve dans les années 2021 avec la planète meurtrie… Mais il n’est jamais trop tard pour changer les choses. »

Crédits : Montage Vidéo : M.A Symphony (Steeve Alvarez)

Remerciements: Fort Rainbow de Cestas, Journal Sud-Ouest, Willy Dalay, radio « La clé des ondes », Alban Cavignac, Steeve Alvarez de M.A Symphony, Ely Bitaud (Photographe), Kévin Lanore, ainsi qu’à tous les figurants.

Cyntia À Terre EP, son premier !

« Je veux mettre en avant le handpan, ce fabuleux instrument en l’intégrant à de l’electro. Le thème principal que j’aborde dans les chansons de mon dernier EP « À Terre » est celui de la protection de la nature et de la planète. »

Cyntia a voulu proposer un mélange original en mêlant le handpan avec de la musique electro. Elle aborde des textes engagés envers la protection de la planète, le dérèglement climatique, la faune, la flore. Vous retrouverez sur cet EP « A terre » des sonorités envoûtantes d’electro et de handpan, laissez vous transporter par cet instrument hors du temps… Elle est influencée par des grands groupes comme le duo ultra célèbre Hang massive, Giolli ou bien encore Assia. Ainsi, elle trouve son style petit à petit en mélangeant son instrument à des mélodies entraînantes, plein de punch, de dynamique et d’énergie. Energie que l’on retrouve en live, et sans équivoque, lors de ses concerts où elle enflammes les salles. La musique, est pour elle, indispensable et la venue de cet instrument magique à donné vie à ses musiques.

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Cyntia « Rainbow » Single

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« Hazy Nexus » Single

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Soul Gumbo « Just Like Pancakes » EP : la bonne recette pour les Soul Gumbo

Procurez-vous des musiciens qui groovent. Versez une bonne rasade de blues. Ajoutez-y un zeste de soul, une once de swing, puis laissez reposer -mais pas trop-, saupoudrez d’une pincée funky, et remuez (-vous à fond) avec nous ! A l’instar du gumbo, plat Louisanais aux multiples ingrédients, le groupe mélange savamment les saveurs musicales afroaméricaines qui les inspirent depuis leurs débuts.

Soul Gumbo : les membres

Le groupe bordelais Soul Gumbo est mené par Rémi Balse (guitare et chant) et Tiffany Slim (basse et chant). Des habitués de la scène Blues hexagonale. Vous avez notamment pu les remarquer au sein du groupe Mr Tchang and the Texas Sluts, Red Hot Blues Caravan. Ou encore avec la chanteuse Louisianaise Bridget Bazile, avec qui ils ont
sillonné les festivals (Cahors Blues Festival, Blues sur Seine, Jazz en Touraine, Blues Passions Cognac, Jazz and Blues Léognan, Jazz Naturel Orthez, Andorra Gospel Night, Musique en Graves…) Avec Xavier Duprat aux claviers et Lucas André à la batterie, le groupe vous a concocté un EP « Just Like Pancakes » (vraiment des gourmands) mêlant reprises et compos, sorti en mars 2021 sur les plateformes, aux effluves de leurs influences soul et blues de toujours.

Soul Gumbo sur Discogs

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Soul Gumbo Just like Pancakes EP

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Biographie :

De nulle part ou d’ailleurs on fait comme tout le monde. Comme tout le reste, on s’envole si le vent nous porte on retombe quand il nous laisse. Sable, calcaire, bitume, cagnard, odeur de pins, vallée du Rhône du Gabas, tous les mêmes, on s’écoule si le flot nous porte. On s’échoue quand il nous jette là ou là mais tranquille, seul pénard, on kiffe une de ces pages lumineuses de notre petit monde et si vite on trépigne alors on repart, nulle part, peut être mais, ailleurs, parce qu’on a en a follement envie et parce qu’après, juste après c’est fini, il parait.

À propos de Lèche Party

Ronds de jambe, circonvolutions, sourires de façade, enfumage permanent, un métier, avec ses bancs et ses écoles. Un théâtre cynique aux marionnettes semblables et échangeables à l’envie, toutes, sortant du même moule. Et nous censés bien vouloir les avaler… les anacondas !

À propos de Mon Ange

Salut à tous et voilà aujourd’hui un nouvel extrait de l’album Réplique.
Son nom vous parle ? Oui, c’est normal, il était déjà sur « Une ligne de Plus » mais… garanti… Pas pareil
Ce morceau nous suit et nous, on le poursuit, on le booste, on l’a petit à petit, satellisé à force de le jouer. On est très contents du résultat, on espère qu’il vous plaira autant qu’il nous a plu.
Une bonne écoute, on vous embrasse. Merci d’être là, voici Mon ange

À propos d’Amor Veritas Certo

C’est en janvier 2018, au Cabinet Musical du Dr Larsene que nous avons commencé à travailler ce morceau. A l’époque, Léo venait de nous rejoindre en tant que clavier (expérience qui ne dura que quelques mois avant qu’il cesse de transporter deux claviers et leurs pieds au profit d’une 6 cordes bien moins encombrante). Mathieu, était arrivé avec une mélodie et son texte (oui le même Mathieu qui ne se considère pas comme un musicien ). Ensuite, de mémoire, Jérémie a proposé ce riff un peu syncopé à la guitare pour le couplet, que la section rythmique a cherché à accompagner.

Le morceau était à l’origine, plus long, près de 8 minutes… Trop long mais parfois on prend tellement de plaisir à jouer certaines parties qu’on a tendance à les faire durer… C’est lors de l’enregistrement avec Flower Power Prod’Action que notre ingé son / producteur (l’excellent Yael Grave Clave Mothes) nous a incité à le réduire avec cette petite phrase « bon, les gars, on coupe, on tranche et on va arrêter de se faire chier à vous écouter vous br#§@er pendant des plombes bande de « sales timbanques », Léo va me faire un café, Jérémie et Simon allez chercher des chocolatines, plein, Hubert et Mathieu, cessez de respirer, ça me déconcentre. »
Du coup, 2 syncopes plus tard (Mathieu a plus de souffle que son bassiste mais après 8 minutes d’apnée, il tombe aussi), le morceau a rejoint sa forme finale d’environ 4’30.

Quant au sens du texte

Il fallait voir l’indice fourni par l’acronyme du morceau Amor Veritas Certo. Mathieu l’explique ainsi :
« Il y a des matins moins drôles que d’autres où quand le téléphone sonne, la voix de ton proche de l’autre côté n’est pas la même, pas du tout , elle t’agrippe aux tripes tout de suite et les mots tombent…
Le ciel devient sombre
Tout s’arrête tout autour »
Plus rien n’existe ou n’a d’importance et le mur en face, une lame de bulldozer, t’écrabouille comme un moucheron, dans le silence et l’oubli. Seul, meurtri, triste, la peur et l’angoisse sont tes seuls et derniers moteurs. Vivement quand ils surviennent, que ces jours là cessent. »

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Cargo « Réplique » Album

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Concert inédit « Esperanza » qui a été filmé et diffusé en direct le 18 Décembre 2020 au Centre Culturel Michel Manet à Bergerac.
Face à la crise, Overlook – Le Rocksane en partenariat avec le Centre Culturel Michel Manet , Cycle Music et la Communauté d’Agglomération Bergeracoise, se mobilise pour soutenir et accompagner les artistes ! Production : Overlook et Cycle Music avec le soutien matériel du Centre Culturel Michel Manet et de la CAB de Bergerac.
Raccourcis vers les chansons :
00:00:00 – Esperanza
00:04:44 – What You Gonna Do ?
00:07:55 – Là-Haut
00:11:24 – Roots Time
00:16:33 – ZAD
00:20:30 – Gardiens De La Paix
00:24:27 – Interview
00:29:51 – En Toi
00:33:21 – Ma France À Nous
00:38:48 – Comme Une Image
00:43:04 – Harmonie
00:48:28 – Simplicité
00:52:01 – Dessine Ton Chemin
00:56:35 – Mon Bon Droit
01:01:33 – Nous Sommes Le Pouvoir
01:07:31 – Gaïa
01:13:14 – Laisse-Moi Te Dire
Présenté par Cheeko
Chant : Cam
Guitare : Nico
Basse : Djé
Clavier : Flo
Batterie : Manu
Mix Live : Nicolas Lopez
Lumières : Clément Colle
Captation & Montage : Audio Pro – http://www.audiopro.fr
Habillage Visuel & Effets : Adrien Masanaba – https://adrii.fr

2020 : Nouvelle tournée, Nouveau show

Le groupe prépare doucement la suite pour 2020 avec un nouveau show et de grosses actus à venir pour la fin de l’année

2019 : Zéphyr Tour, deuxième année

Plus de 20000km parcourus et une tournée qui mène le groupe aux quatre coins de France en passant même par la Suisse et la Belgique. Partout le public chante avec le groupe et prouve encore une fois que le message porté par Ryon est fédérateur. La joyeuse troupe prend même goût à porter ces messages sur de grosses scènes : Ecaussystème, No Logo, No Logo Bzh, Big Reggae Festival, Festival Emmaüs… L’année se termine en apothéose avec un concert inoubliable avec Dub Inc au Zénith de Montpellier complet ce soir là !

2018 : Zéphyr Tour, première année

L’accueil du public est de plus en plus chaleureux et cette tournée est ponctuée de très belles dates comme le Pyrène Festival, L’Endemik Festival et le Little Town Festival où le groupe joue devant des milliers de personnes. Elle se termine en apothéose par un concert inoubliable en première partie de Naâman au Trianon à Paris.

2018 : Deuxième album

Si l’appétit vient en mangeant, l’inspiration semble venir en jouant ! Après deux années passées à vivre leur rêve musical, les cinq musiciens décident de sortir un second album pour poursuivre leur recherche artistique et porter encore et toujours les messages dictés par leurs cœurs.

2017 : Rêver Tour, deuxième année

Les concerts s’accélèrent et le groupe part jouer de plus en plus loin de ses bases pour le plus grand plaisir d’un public grandissant à chaque festival : Bastidarts, Levroots, Urban Empire, Go Bass, Roots Ergue, Festi’plage… Cinquante cinq concerts plus tard, le doute n’est plus permis, Ryon fait désormais bien partie de la grande famille du reggae français !

2016 : Rêver Tour, première année

Faire vivre ce premier album sur scène et partir à la rencontre du public, voilà le programme pour cette première tournée très « Sud Ouest ». Partout, l’accueil du public permet au groupe de réaliser que sa musique commence à faire parler d’elle, de la SMAC du Rocksane à Bergerac pleine à craquer pour la release party, jusqu’à la grande scène du Reggae Sun Ska.

2016 : Premier album

C’est avec beaucoup d’enthousiasme, de spontanéité et de simplicité que le groupe se lance dans l’enregistrement de son premier opus. Cette expérience formatrice donne naissance à 15 titres pleins de vie parmi lesquels les fédérateurs Mon bon droit et Roots Time.

2015 : Premier concert

Après six mois de répètes et l’enregistrement d’un premier EP, il est temps pour le groupe de commencer à partager sa musique en live. Grâce au soutien du Rocksane, SMAC de Bergerac, ce premier rendez-vous avec le public se fera devant une salle comble en première partie de Yanis Odua ! Ce soir là les cinq musiciens réalisent que le bonheur qu’ils partagent sur scène est communicatif.

2014 : Rencontre

À l’occasion du Festijam, magnifique festival de reggae au cœur des Hautes-Pyrénées, Cam propose au groupe Makéda Connexion de partager la scène avec lui le temps d’un concert. Nous sommes le 8 août et c’est là, sous le regard bienveillant des Montagnes et d’un magnifique arc en ciel, que Nico et Djé soufflent à l’oreille de Cam l’idée de créer un groupe. Ryon est né…

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Ryon « Esperanza » Live Session

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« Merci à Yaël pour son accueil. Nous avons apprécié la qualité de ses conseils, notamment dans la gestion du travail en studio du groupe… Une vraie valeur ajoutée pour le groupe sur les répétitions qui ont suivi. Nous avons également été servis par le haut niveau d’investissement dont il a fait preuve suite à cette session d’enregistrement. Bref, comme nous le disons: «caviar» pour une première expérience. Nous le recommandons! »

Random recording artist @GroupeRandom

Random « Covers » EP :

Session d’enregistrement studio avec Random

Qui de nous 4 inspire les autres ? Telle pourrait être la question à l’écoute de notre musique. En effet, Random, groupe originaire du sud de Bordeaux, propose une Soul épicée et métissée par une voix chaude soutenue par une guitare colorées et une section rythmique pétillante. Le groupe explore et revisite son répertoire en tentant de s’affranchir des étiquettes.

Le groupe Random, c’est :

Un style plutôt Soul épicé

Matthieu au chant. Bernard à la basse. Paul à la batterie. Et aussi, un artiste FPPA bien connu à savoir :

Emmanuel Grocolas à la guitare.

Après avoir participé à plusieurs projets musicaux en tant que guitariste, batteur et bassiste, Emmanuel Grocolas est revenu à son instrument de prédilection, la guitare. Il nous propose un premier EP de 4 titres intimistes et éclectiques, intitulé « De l’ombre à la lumière » sorti le 24 février 2023 que vous pourrez retrouver sur notre site en cliquant ici : https://www.fppa.fr/rock/emmanuel-grocolas-de-lombre-a-la-lumiere-ep/

Ses idées musicales, inspirées par ses nombreuses influences et expériences musicales, ses voyages et ses expériences de vie, ont doucement maturé jusqu’à présent. Il était donc temps pour lui de laisser libre court à sa créativité. Il propose donc au public de découvrir son univers musical puissant, subtilement mélancolique et parfois touchant.

Cet ancien élève du CIAM et du Conservatoire Jacques Thibaud à Bordeaux propose une musique instrumentale. La guitare y a une place de choix. Il explore des thèmes qui lui sont chers comme la famille, la paternité, la protection. Mais également l’environnement et le sentiment amoureux pour sa compagne. La musique est vraie, exigeante et fait voyager l’auditeur dans des ambiances où le jazz, le blues et le rock s’entrecroisent, où le métal s’invite parfois. Le tout agrémenté par des harmonies riches et subtiles.

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Random Baby Dont Leave Me Cover

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Cyntia À Terre EP :

« Je veux mettre en avant le handpan, ce fabuleux instrument en l’intégrant à de l’electro. Le thème principal que j’aborde dans les chansons de mon dernier EP « À Terre » est celui de la protection de la nature et de la planète. »

Cyntia a voulu proposer un mélange original en mêlant le handpan avec de la musique electro. Elle aborde des textes engagés envers la protection de la planète, le dérèglement climatique, la faune, la flore. Vous retrouverez sur cet EP « A terre » des sonorités envoûtantes d’electro et de handpan, laissez vous transporter par cet instrument hors du temps… Elle est influencée par des grands groupes comme le duo ultra célèbre Hang massive, Giolli ou bien encore Assia. Ainsi, elle trouve son style petit à petit en mélangeant son instrument à des mélodies entraînantes, plein de punch, de dynamique et d’énergie. Energie que l’on retrouve en live, et sans équivoque, lors de ses concerts où elle enflammes les salles. La musique, est pour elle, indispensable et la venue de cet instrument magique à donné vie à ses musiques.

« L’artiste française nous sert une chanson pop aux sonorités synthétiques qui gravite autour de la thématique de l’éco-responsabilité avec sa poésie empreinte d’une benne conscience environnementale. Ces propos sensibles sont véhiculés par le chant féminin rempli de douceur et habité par une belle sensibilité, le tout agrémenté par le son distinctif du handpan et ses vibrations envoûtantes. Un titre à la fois accessible et plein de profondeur! »

Boulimique de Musique
boulimiquedemusique.net

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Cyntia « À Terre » EP

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Ce documentaire traite de la traversée d’un ferry sur le fleuve Saint-Laurent. Il se concentre sur l’expérience de cette traversée et les états d’âme qu’elle génère. Le rythme est calme et le ton est plutôt poétique.
Il est prévu que le film soit présenté en festivals francophones et internationaux d’où l’absence de vidéo pour le moment

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A Piacere « En quelques mots » EP dévoile ce quatuor incroyable mais tout d’abord… Cette expression « A Piacere » est une locution musicale italienne employée par les maîtres du siècle précédent. La voici en quelques mots… Elle vise à laisser le mouvement et l’expression d’une pièce de musique au choix de l’exécutant. C’est dans cet esprit que les musiciennes bordelaises du quatuor A Piacere ont décidé de se réunir au début de cette année 2019.

De formation classique au départ, elles ont construit leur répertoire autour d’extraits des « folks songs » de Luciano Berio, compositeur italien de musique savante mais également très attaché à la musique populaire.
C’est ainsi qu’elles ont choisi de raconter librement la suite de leur histoire en empruntant le répertoire traditionnel d’hier et d’aujourd’hui… d’ici et d’ailleurs dans leur nouveau disque.

De gauche à droite : Anna Arnautou : voix | Emilie Plus : voix

Aurélie Claver Delorme : percussions, voix | Vinciane Cottignies : violoncelle

A Piacere ou être libre de se réapproprier des musiques, mélodies et chansons qui leur ressemblent …

Voilà le fil conducteur de ce quatuor féminin aux personnalités venant d’univers musicaux différents. Mais partageant le même désir de jouer un répertoire varié à l’image de leurs parcours et leurs sensibilités. Elles revisitent au gré de leurs coups de cœurs des chants traditionnels, du bluegrass… Aussi du reggae, de la chanson française d’hier et d’aujourd’hui. L’authenticité de cet ensemble se trouve aussi dans le doux mélange des timbres, grâce à la chaleur du violoncelle, des harmonies du chant à plusieurs voix, mais aussi des couleurs inattendues avec différentes percussions comme la calebasse, le glockenspiel ou le vibraphone… À la manière d’un artisan qui façonne son œuvre à partir de matières premières, elles partent d’une simple mélodie et la reprennent avec d’autres instruments, d’autres rythmiques et parfois même d’autres harmonies. La règle c’est justement qu’il n’y en a pas, elles vont même jusqu’à échanger leurs rôles se laissant guider par l’émotion.

Répertoire A Piacere En quelques mots EP

Loosin Yelav de Luciano Berio
Pas o panori de Vera Bila
Crossing muddy waters de John Hiatt
Poor wayfaring stranger, chant traditionnel américain
Les mots d’amour de Mayra Andrade
Je ne mâche pas mes mots de Camille

La playlist de l’EP « En quelques mots… » d’A Piacere

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A Piacere En quelques mots EP

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« Apocalyptic Spring » Single

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Jeanadou : premier album « Cheminement »
https://www.fppa.fr/piano/jeanadou-cheminement-album/

Jeanadou : second album « Ballades sereines »
https://www.fppa.fr/fr/piano/jeanadou-ballades-sereines-album/

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« Martial Stroll » Single

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Yaël Grave Clave Mothes « Aurora’s Quest » Single

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Royal Blood « Out of the black » #quaranteam Covid-19 avec
Lena Lehcen : Vocals, Air Tubular Bells
Julien Monteiro : Air Guitars
Yaël « Grave Clave » Mothes : Air Drums, Air Modular, Editing, Mix
feat. Pumba and Simba and Dumbo

Out of the Black : La Puissance Explosive de Royal Blood

La chanson « Out of the Black » du groupe britannique Royal Blood est une véritable explosion d’énergie et de créativité. Sortie en 2014 sur leur premier album éponyme, cette piste emblématique démontre l’incroyable talent du duo formé par Mike Kerr et Ben Thatcher.

Dès les premières notes, « Out of the Black » transporte l’auditeur dans un univers sonore unique. La fusion du jeu de basse incisif de Mike Kerr et de la batterie tonitruante de Ben Thatcher crée une dynamique inimitable. Le riff d’ouverture est instantanément reconnaissable, avec son rythme hypnotique et sa puissance dévastatrice.

Les paroles de la chanson sont tout aussi captivantes. Elles abordent des thèmes de lutte, de résilience et d’affirmation de soi. Elles évoquent une volonté de se libérer des contraintes et des limites imposées par la société. Le refrain, chanté avec une intensité brute par Kerr, résonne comme un cri de rébellion et d’affirmation de soi.

La production de Out of the Black est un autre élément remarquable. Malgré le fait qu’il s’agisse d’un duo, le son de Royal Blood est colossal, créant une expérience auditive qui semble aller bien au-delà des limites d’un groupe conventionnel. La guitare de Kerr, qui est modifiée pour émuler les sonorités d’une guitare électrique, ajoute une profondeur supplémentaire à leur son unique.

La chanson a également été saluée pour ses performances en live. Le groupe parvient à reproduire l’intensité de l’enregistrement studio avec une énergie brute qui galvanise les foules.

Out of the Black de Royal Blood est une véritable démonstration de l’originalité et du talent du groupe. Avec son mélange explosif de basses vibrantes, de batterie percutante et de paroles percutantes, cette chanson reste un pilier incontournable du répertoire de Royal Blood. Elle continue de captiver les auditeurs du monde entier.

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Royal Blood Out of the black Cover

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Random « Covers » EP :

Session d’enregistrement studio avec Random

Qui de nous 4 inspire les autres ? Telle pourrait être la question à l’écoute de notre musique. En effet, Random, groupe originaire du sud de Bordeaux, propose une Soul épicée et métissée par une voix chaude soutenue par une guitare colorées et une section rythmique pétillante. Le groupe explore et revisite son répertoire en tentant de s’affranchir des étiquettes.

Le groupe Random, c’est :

Un style plutôt Soul épicé

Matthieu au chant. Bernard à la basse. Paul à la batterie. Et aussi, un artiste FPPA bien connu à savoir :

Emmanuel Grocolas à la guitare.

Après avoir participé à plusieurs projets musicaux en tant que guitariste, batteur et bassiste, Emmanuel Grocolas est revenu à son instrument de prédilection, la guitare. Il nous propose un premier EP de 4 titres intimistes et éclectiques, intitulé « De l’ombre à la lumière » sorti le 24 février 2023 que vous pourrez retrouver sur notre site en cliquant ici : https://www.fppa.fr/rock/emmanuel-grocolas-de-lombre-a-la-lumiere-ep/

Ses idées musicales, inspirées par ses nombreuses influences et expériences musicales, ses voyages et ses expériences de vie, ont doucement maturé jusqu’à présent. Il était donc temps pour lui de laisser libre court à sa créativité. Il propose donc au public de découvrir son univers musical puissant, subtilement mélancolique et parfois touchant.

Cet ancien élève du CIAM et du Conservatoire Jacques Thibaud à Bordeaux propose une musique instrumentale. La guitare y a une place de choix. Il explore des thèmes qui lui sont chers comme la famille, la paternité, la protection. Mais également l’environnement et le sentiment amoureux pour sa compagne. La musique est vraie, exigeante et fait voyager l’auditeur dans des ambiances où le jazz, le blues et le rock s’entrecroisent, où le métal s’invite parfois. Le tout agrémenté par des harmonies riches et subtiles.

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Random « Covers » EP

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Neeru « For the Widows in Paradise » Cover. La musique de Neeru est un cours d’eau, affluent intrépide et toujours en mouvement. Elle prend sa source dans une une électro pop élégante et moderne, baignée de culture geek et de littérature contemporaine.

Depuis 2017, Neeru est devenu le terrain de jeu favori de Jérémie Voin, compositeur bordelais à l’origine du projet. Inspiré par des artistes comme M83, Junkie XL, Justice, L’Age d’Or ou Sufjan Stevens, il construit discrètement un pont entre musique urbaine et classique.

La musique de Neeru se caractérise par des mélodies accrocheuses, des arrangements électroniques complexes. Mais aussi des paroles poétiques qui abordent des thèmes universels tels que l’amour, la perte et l’introspection. Neeru a rapidement gagné en popularité sur la scène musicale indépendante attirant l’attention des critiques et des fans de toute la région bordelaise et au-delà.

Le groupe a sorti 2 EPs à succès et des covers acclamés par la critique. Leur son novateur et captivant continue de les propulser sur le devant de la scène de la musique electro-pop. Dès lors, cela leur a valu une base de fans dévouée. Neeru représente l’avant-garde de la musique pop-électro contemporaine, repoussant les frontières sonores et captivant les auditeurs avec leur son unique et envoûtant.

| Pour info | Le groupe n’est plus. A présent, Jérémie Voin aka Jay Rolland s’est tourné vers un autre projet : « Salut ! Je suis compositeur à l’esprit cinématographique. En tant que percussionniste, batteur et pianiste, mon univers musical est vaste mais je suis depuis longtemps passionné par les musiques de films. Je produis une musique orchestrale et cinématographique, mélangée à des éléments électroniques de design sonore, pour correspondre à tous types de médias ou simplement pour le plaisir d’une écoute occasionnelle. »

Je vous invite à découvrir sur les plateformes son nouvel univers :

https://linktr.ee/jayrollandmusic

Retrouvez les 2 premiers EP de Neeru
– « Scars and Magic » 2nd EP
– « The Tales of The Feather » 1er EP

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Neeru « For the Widows in Paradise » Cover

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TUNKS is an instrumental, heavy rock band from Bordeaux, France that recently released it’s debut album ‘Julio’s Walls Shake’ (read a few words about it here) so we took the chance to have a little chat with them and specifically with Bertrand the drummer of the band. Here is the mini interview that we prepared for you.

01.-Hello and welcome to Downtuned. First of all, give us some info about the band’s background just to let people know you better. Where did you get started? How did you meet?

First of all, thank you for doing this interview. The band started 5 years ago: Bruce (guitar) and Nico (bass), were already friends and played together. They were looking for a drummer… so they put an ad in which I answered, I played 2 songs with them and here we are!

02.-Did the members of the band participate in other projects or bands in the past and what kind of music did they play?
Bruce and Nico played in an alternative rock band; I played in several bands: punk rock, blues rock, and some cover bands… For all of us it was a good school.

03.-How did you come up with the name « TUNKS »? Does it mean something particular for you?
Well, we are fans of the Blues culture, the Delta of the Mississippi, Robert Johnson, Howling Wolf and all those fabulous musicians. Nico was reading some lines about the juke-joints, the honky-tonks… and he found that some of them were called tonks or tunks. He talked to us about it and the deal was done!

04.-How would you describe your music to someone who doesn’t know you yet? Is that the style that defines « TUNKS » or is there room for further experimentation?
To answer to this question I will use the words of a friend of Bruce who’s not in the stoner world. She came to our show and she said to us: I left myself go and I took a trip… ‘Music for your inner trip’, that’s a good definition. The stoner is the heart of it but not the whole thing…We listen to lots of different things from jazz to metal, blues, soul music, funk. So we try to put some pieces of all we love in our music.

05.-Your music is instrumental and you chose to name your tracks with numbers. The whole concept obviously would remind ‘Karma to Burn’ to someone. Is this one of your influences? What were the main reasons and influences that made you adopt this style in your music?
We name our tracks with number because it’s simple. That’s the main reason. We love Karma to Burn (the best band’s name in rock history for me) it’s a real badass band! Their music is direct, without compromise and if there’s something we tried to ‘steal’ from them it’s that! Our main influences are Deep Purple, Pink Floyd, Black Sabbath, Buffalo, Blue Oyster Cult, the in-your-face rock of the MC5, the Stooges and Nirvana and I should add ZZ Top and guys like Buddy Guy.

06.-What kind of music do you mostly listen to and what is currently in your daily playlist?
We are 3 dads so currently our playlist is Christmas songs! But we still find some time to listen to Nirvana, All them Witches for Nico who is also a punk rock fan. Bruce is a Deep Purple addict. He also likes 1000mods, Pink Floyd, the Re-stoned, Earthless, the Black Rainbows. Currently I listen to Villagers of Ioannina City, Bruce Springsteen, Clutch and Gary Moore.
Julio’s wall shake

07.-A few months ago you released your debut album « Julio’s Walls Shake ». Is there a story behind this name? How did you decide to name it that way?
Well, the name of the owner of the studio where we rehearse every Friday is Julio. At the begining we played in a tiny wood studio, which were also Julio’s home at this time. One day he came to us to say ‘Hey guys calm down please! You are too loud! Walls are shaking!’ We kept these words in mind, knowing we’ll do something with it.

08.-Is there a story behind the photo in the cover of the album?
The photo has been taken by my wife in the Bardenas desert in Spain. We spent a weekend there for my birthday. The pic was cool. I proposed it to the band with ‘Julio’s Walls Shake’ on it as the tittle. And it worked for all of us.

09.-Are you satisfied with the result or there are things you would have done differently under different circumstances?
The result presents the band like it was at this specific moment. It’s a particularly honest job, I think. At the beginning we thought we would be able to record maybe 5 songs. But Yael, the producer/sound engineer made the things so easy, we recorded 6, 7 and then 10 songs. We recorded live in the studio, 2 or 3 takes of songs. No more. It was easy, quick, and very pleasant.

10.-What were the biggest difficulties that you encountered in producing and releasing your debut? Are those difficulties going to affect the way you’ll handle your future releases?
In fact, there were no difficulties. The way we live is ‘things happen… or not; if it happens it’s cool; if not who cares!’. We met the right people at the right moment. The culture service of the city where Bruce lives have a program to help bands to record. We put together a file and they gave us this opportunity.

11.-What is the strongest memory you have from the recording process of your debut?
The strongest moment… I mean the worst was the coffee… worst thing ever. The best was when you listen to your songs for the first time… it gave us chills. It was like: it’s me playing? It’s so loud, is it us? Like children in a toy store !

12.-Are there any special people that helped you in any way in the whole process and you’d like to mention or thank?
Yes! Julio of course because if you have no studio to play then you have no band! Etienne, a friend of mine, a drummer in band called Sour Eyes and he introduced us to Yaël « Grave Clave » Mothes of Flower Power Prod’Action who recorded the album. Yaël is a brilliant sound engineer and a talented producer but first of all he loves music and working with musicians and he really listens to what you want and he respects who you are.

13.-How does the whole songwriting process work for you? What are the emotions you want people to receive when they hear your music?
Most of the songs were born like this: Bruce, or Nico or me play something; the others start to follow. It’s mostly jam… After that, we talk about structure, intro, outro, bridge… all the things we should keep, and the things we shoudn’t. And of course we give a number to it.

14.-During a gig, is the communication with the crowd important for you? Does the positive feedback from the crowd motivate you to perform with more passion?
Communication is important. The way we see it is to create a mood with people and make them come into our ‘experience’. We are not ‘Hey! Are you with me tonight?’ and that kind of things. And mostly we play in tiny bars or cellars sometimes, because of the lights, we don’t even see the people so we wonder if they’re really there!

15.-Are there any « special » bands that you dream to share the stage with?
We are fans of the Greek stoner scene so every band from 1000mods to Tuber…. And maybe the Re-stoned, Earth, and jam with Billy Gibbons, Bob Balch or Matt Pike!

16.-What are your plans for this year and how do you plan to promote your brand new album? Have you scheduled any live appearances or a release party? Is it a priority for you to try and participate in gigs outside France?
We already made a release party in May with 2 bands; our friends Sour Eyes and Skunk and Noises. People response was great. For the promotion of the album, we try to contact as many web radios, or rock blogs as we can. We are currently trying to arrange some live appearances for spring. We hope one day we’ll be lucky enough to play in a Greek festival. There are so many good bands in your country; we’ll be happy to share the stage with them.

17.-How do you imagine « TUNKS » in 2029?
Well, TUNKS in 2029? Three old guys that play stoner and have fun. This band is a real cool project that was made to last. We have time, this band is built for comfort not for speed like Howlin’ Wolf said.

Retrouvez l’intégralité de l’interview de Tunks
à propos de « Julio’s Walls Shake » par DownTunedMag

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Tunks « Julio’s Walls Shake » album

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Seven-Pointed Star « Become a Lion » EP. Début 2010, Leslie et Seb commencent à composer en home studio une musique issue de leur culture commune pop/rock, mûrie par leurs expériences respectives.

Le son produit, efficace et dynamique, associe riffs stoner et beats électro pop. Sous l’influence des Ting Tings ou d’Awolnation, les titres se succèdent. Et la formation live naît avec l’arrivée de Yaël « Grave Clave » Mothes à la batterie fin 2012. Un jeu sur-puissant, une frappe incroyable, l’homme qu’on nommait 120dB+ haha

Sur Become a Lion, cinq titres vont voir le jour sorti du studio de la maison des arts vivants de Villenave d’Ornon dans le magnifique parc Sourreil de la ville. Ainsi on retrouve Become a Lion, le titre éponyme survolté et énergisé avec de la testostérone en barre. Only the Start que vous pourrez voir en version lyrics video un peu plus bas sur cette page. Et enfin Never Lost, A Sweet Melody et Obsession dont vous pourrez voir un extrait du live à la Rock School Barbey en 2014 lors d’un tremplin.

Bandcamp de Seven-Pointed Star

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Pessac Jazz Band « At last » Album. Album dont vous avez trois extraits ci-dessus. Créé en 1991 au sein de l’Ecole de Musique, le Pessac Jazz Band est composé d’une vingtaine de musiciens. Cet ensemble reprend les « standards » des grands big bands dans l’esprit de Count Basie ou de Duke Ellington. Il a su aussi diversifier son répertoire en abordant celui des musiques latines et funk issues de cultures différentes et procurant ainsi à cette formation un caractère particulièrement festif.

Le groupe tire son inspiration des grandes formations de jazz des années 1930 et 1940, telles que celles dirigées par Count Basie, Duke Ellington et Glenn Miller. Son répertoire inclut des arrangements originaux ainsi que des reprises revisitées de standards du jazz. Grâce à leur virtuosité et leur complicité, les membres du Pessac Jazz Band parviennent à recréer l’énergie et l’émotion caractéristiques de cette époque tout en y apportant une touche contemporaine et personnelle.

Depuis ses débuts, la formation de la région bordelaise a conquis un public fidèle, se produisant régulièrement dans des salles de concert renommées ainsi que lors de festivals de jazz locaux. Ses prestations dynamiques et captivantes font de lui un incontournable de la scène jazz bordelaise, attirant des amateurs de musique de tous horizons.

Outre ses performances sur scène, le Pessac Jazz Band s’investit également dans la transmission de sa passion pour le jazz. Il organise régulièrement des ateliers. Offrant ainsi l’opportunité à de jeunes musiciens en herbe de bénéficier de l’expertise de ces artistes chevronnés.

Un ensemble de jazz connu dans la région

Au fil des années, le jazz band de Pessac a su évoluer et se renouveler, explorant de nouvelles sonorités et collaborations artistiques. Son engagement envers l’authenticité et l’innovation a contribué à asseoir sa réputation. Il est considéré comme l’un des ensembles de jazz les plus dynamiques et influents de la Nouvelle-Aquitaine.

C’est ainsi que, parmi ses nombreuses prestations, le Pessac Jazz Band s’est fait remarquer à l’étranger. Notamment en Espagne et Allemagne. Ainsi que dans des festivals renommés, côtoyant des orchestres professionnels, comme à Tanger dans le cadre du festival Tanjazz.

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Pessac Jazz Band At Last Album

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Sour Eyes « Pup-Pet » EP. Sour Eyes est un groupe de rock dynamique forgé depuis 2010, autour de musiciens qui se sont découverts à travers la musique. Anciennement nommé Ek0et avec la charismatique Anaïs Bozzat , le groupe s’est construit avec Jérémy Fournier, le guitariste. Ainsi qu’Étienne Langlois à la batterie, puis s’est enrichi d’Hélène Chenal au chant arrivée fin 2017. Enfin, Steven Mollé à la basse est arrivé début 2018.

Le rock, l’énergie, et l’envie de bouger la tête caractérisent le style des morceaux de Sour Eyes. Essentiellement bâtis sur des compositions, avec quelques touches de covers remises au goût du groupe. D’influences aussi variées que la personnalité de ses membres, l’inspiration musicale de Sour Eyes puise sa source dans des groupes tels que Rage Against the Machine, Metallica. Ou encore Incubus, Counting Crows, Ben Harper, Bon Jovi, les RHCP. Mais aussi Queen, System Of a Down, John Butler, David Bowie, Noir Désir… et plus encore.

Cet EP « Pup-Pet » capture l’essence de l’énergie pure du groupe et leur valent une solide réputation sur la scène locale.

Le groupe gagne rapidement en popularité grâce à leurs performances énergiques et authentiques dans les salles et bars de la région bordelaise. Leurs concerts intenses sont devenus des événements incontournables pour les amateurs de rock locaux, attirant une fanbase fidèle.

Malgré leur statut de groupe local, Sour Eyes continue de se produire avec passion et dévouement, repoussant les limites de leur créativité et partageant leur musique avec leur communauté. Leur influence sur la scène musicale locale continue de grandir, inspirant d’autres jeunes musiciens à suivre leurs pas.

Aujourd’hui, le groupe reste une force dynamique et inspirante dans la scène du rock local, prouvant que la passion et l’authenticité peuvent transcender les frontières et toucher les cœurs, même au sein d’une communauté locale.

Discogs

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Sour Eyes « Pup-Pet » EP

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Sour Eyes « Storm » EP. Sour Eyes est un groupe de rock dynamique forgé depuis 2010, autour de musiciens qui se sont découverts à travers la musique. Anciennement nommé Ek0et avec la charismatique Anaïs Bozzat , le groupe s’est construit avec Jérémy Fournier, le guitariste. Mais aussi Étienne Langlois à la batterie, puis s’est enrichi d’Hélène Chenal au chant arrivée fin 2017. Enfin, Steven Mollé à la basse arrive début 2018.

Le rock, l’énergie, et l’envie de bouger la tête caractérisent le style des morceaux de Sour Eyes. Essentiellement bâtis sur des compositions, avec quelques touches de covers remises au goût du groupe. D’influences aussi variées que la personnalité de ses membres, l’inspiration musicale de Sour Eyes puise sa source dans des groupes tels que Rage Against the Machine. Ou encore Metallica, Incubus, Counting Crows, Ben Harper. Mais aussi Bon Jovi, les RHCP , Queen, System Of a Down, John Butler, David Bowie, Noir Désir… et plus encore.

Cet EP « Storm » capture l’essence de l’énergie pure du groupe et leur valent une solide réputation sur la scène locale.

Le groupe gagne rapidement en popularité grâce à leurs performances énergiques et authentiques dans les salles et bars de la région bordelaise. Leurs concerts intenses sont devenus des événements incontournables pour les amateurs de rock locaux, attirant une fanbase fidèle.

Malgré leur statut de groupe local, Sour Eyes continue de se produire avec passion et dévouement, repoussant les limites de leur créativité et partageant leur musique avec leur communauté. Leur influence sur la scène musicale locale continue de grandir, inspirant d’autres jeunes musiciens à suivre leurs pas.

Aujourd’hui, le groupe reste une force dynamique et inspirante dans la scène du rock local, prouvant que la passion et l’authenticité peuvent transcender les frontières et toucher les cœurs, même au sein d’une communauté locale.

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Neeru « Remixed » EP. La musique de Neeru est un cours d’eau, affluent intrépide et toujours en mouvement. Elle prend sa source dans une une électro pop élégante et moderne, baignée de culture geek et de littérature contemporaine.

Depuis 2017, Neeru est devenu le terrain de jeu favori de Jérémie Voin, compositeur bordelais à l’origine du projet. Inspiré par des artistes comme M83, Junkie XL, Justice, L’Age d’Or ou Sufjan Stevens, il construit discrètement un pont entre musique urbaine et classique.

La musique de Neeru se caractérise par des mélodies accrocheuses, des arrangements électroniques complexes. Mais aussi des paroles poétiques qui abordent des thèmes universels tels que l’amour, la perte et l’introspection. Neeru a rapidement gagné en popularité sur la scène musicale indépendante attirant l’attention des critiques et des fans de toute la région bordelaise et au-delà.

Le groupe a sorti 2 EPs à succès et des covers acclamés par la critique. Leur son novateur et captivant continue de les propulser sur le devant de la scène de la musique electro-pop. Dès lors, cela leur a valu une base de fans dévouée. Neeru représente l’avant-garde de la musique pop-électro contemporaine, repoussant les frontières sonores et captivant les auditeurs avec leur son unique et envoûtant.

| Pour info | Le groupe n’est plus. A présent, Jérémie Voin aka Jay Rolland s’est tourné vers un autre projet : « Salut ! Je suis compositeur à l’esprit cinématographique. En tant que percussionniste, batteur et pianiste, mon univers musical est vaste mais je suis depuis longtemps passionné par les musiques de films. Je produis une musique orchestrale et cinématographique, mélangée à des éléments électroniques de design sonore, pour correspondre à tous types de médias ou simplement pour le plaisir d’une écoute occasionnelle. »

Je vous invite à découvrir sur les plateformes son nouvel univers :

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Les autres disques de Neeru

– « Scars and Magic » second EP
– « The Tales of The Feather » premier EP
– « For the Widows in Paradise » cover

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Neeru « Remixed » EP

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Jun, 29 2018

Neeru « Scars and Magic » EP. La musique de Neeru est un cours d’eau, affluent intrépide et toujours en mouvement. Elle prend sa source dans une une électro pop élégante et moderne, baignée de culture geek et de littérature contemporaine.

Depuis 2017, Neeru est devenu le terrain de jeu favori de Jérémie Voin, compositeur bordelais à l’origine du projet. Inspiré par des artistes comme M83, Junkie XL, Justice, L’Age d’Or ou Sufjan Stevens, il construit discrètement un pont entre musique urbaine et classique.

La musique de Neeru se caractérise par des mélodies accrocheuses, des arrangements électroniques complexes. Mais aussi des paroles poétiques qui abordent des thèmes universels tels que l’amour, la perte et l’introspection. Neeru a rapidement gagné en popularité sur la scène musicale indépendante attirant l’attention des critiques et des fans de toute la région bordelaise et au-delà.

Le groupe a sorti 2 EPs à succès et des covers acclamés par la critique. Leur son novateur et captivant continue de les propulser sur le devant de la scène de la musique electro-pop. Dès lors, cela leur a valu une base de fans dévouée. Neeru représente l’avant-garde de la musique pop-électro contemporaine, repoussant les frontières sonores et captivant les auditeurs avec leur son unique et envoûtant.

| Pour info | Le groupe n’est plus. A présent, Jérémie Voin aka Jay Rolland s’est tourné vers un autre projet : « Salut ! Je suis compositeur à l’esprit cinématographique. En tant que percussionniste, batteur et pianiste, mon univers musical est vaste mais je suis depuis longtemps passionné par les musiques de films. Je produis une musique orchestrale et cinématographique, mélangée à des éléments électroniques de design sonore, pour correspondre à tous types de médias ou simplement pour le plaisir d’une écoute occasionnelle. »

Je vous invite à découvrir sur les plateformes son nouvel univers :

https://linktr.ee/jayrollandmusic

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Neeru « Scars and Magic » EP

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Christine Latapy-Issandou, originaire du pays basque, a suivi un cursus de musique classique au Conservatoire national de région de Bordeaux. Elle en est sortie diplômée en piano, formation musicale, lecture à vue et musique de chambre.
Elle étudie la direction chorale, d’abord à Bordeaux sous la direction d’Eliane Lavail, puis à Toulouse dans le cadre du DUMI (Diplôme Universitaire de Musicien Intervenant) et de sa spécialisation pendant une licence de musicologie : la création de spectacles vivants.
Désormais installée à Bordeaux, elle enseigne en tant que professeur de piano. Elle dirige les chœurs basques, Eguzki Lore et Anaitasuna et accompagne en tant que pianiste la Jeune Académie Vocale d’Aquitaine. Christine Latapy-Issandou met en scène régulièrement des contes musicaux en intervenant dans les écoles primaires de la région.

Elle est régulièrement assistée par Laurence Wallimann, professeur de formation musicale et de chant choral au Conservatoire national de région de Bordeaux.

Le chœur Eguzki Lore interprète un répertoire varié, puisé dans le patrimoine choral des sept provinces du Pays basque : chants sacrés, chants traditionnels, festifs, joyeux, tendres ou mélancoliques, sur les thèmes de l’amour, de la nature, de la terre basque…

Le choeur travaille aussi des œuvres contemporaines telles que l’Ave Maria composé en l’an 2000 par Eva Ugalde ou l’adaptation de la danse chantée Axuri Beltza par Javier Busto, dont les sonorités peuvent surprendre.
Toute la diversité qui fait la richesse du répertoire de la musique basque.
Eguzki Lore « Hogoi Urte » Album
https://www.facebook.com/choeurdefemmeseguzkilore/

Facebook Page Eguzki Lore

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Dec, 2018

« Blue Carandache », un Blues Band de 6 musiciens qui aiment bien faire des pas de côté, devant, derrière et au milieu du blues !
–
Notre répertoire, bien qu’articulé autour des standards du blues, ne rechigne pas devant la soul (James Brown, Aretha Franklin, Etta James..) ni devant le rock (Tina Turner,) va se frotter sans vergogne au jazz (Peggy Lee,Nina Simone) et grâce à l’arrivée d’une seconde voix, en se serrant bien, on peut faire une petite place à la Pop ! (Beatles, les Corrs). Nous proposons deux heures de musique, réparties en deux sets : soit au total un temps moyen de concert autour de 2h30.
Chant : Marie – Christine
Trempée dans les bains éclectiques des voix féminines, elle vous charmera par sa voix à la fois douce et puissante et vous emportera avec son énergie qu’elle partage sans compter.
Guitare : Antoine
S’il a débuté par la country et le rock des Rolling Stones, aujourd’hui, c’est dans le blues qu’il trouve et partage ce subtil mélange d’émotions à la fois simples et complexes. Une touche délicate.
Guitare : Thierry
Il y a eu entre autres Gilmour et les groupes des années 70 pour le façonner!
Cette sensibilité et cette virtuosité mises au service du blues parviennent aussi bien à nous enflammer qu’à nous faire décoller avec des solos d’une émotion intense.
Harmonica : Bernard
La juste touche de blues : tour à tour discrète ou lumineuse, une pincée bien dosée, du fait maison !
Basse, Contrebasse : Danny
Ses premières amours le porteront vers la Country, les Creedence mais aussi Marcel Dadi et le finger picking. Il sera ensuite happé par le blues qui ne le lâchera plus et qu’il mâtinera de jazz !
Batterie : Patrick
C’est dans les «bœufs» et les Jams de Bordeaux qu’il découvre que la batterie : c’est pour lui ! Il aime tout mais son cœur penche vers Clapton et B.B.King. Il aime que ça sonne avec : du groove, du groove et rien que du groove !

Page Facebook de Blue Caranche

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Blue Carandache EP

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Lili Marleen, c’est un groupe de rock en français, pour tenter d’exprimer ce qui transhume et s’effiloche :

Fantasmes qui fument, fêtes anamorphes, cabanes de bamboches où les humeurs s’enlisent, femmes roseaux des mangroves d’Amérique, belles de nuit, villes de brume et corridors…

Depuis 2014, on triturait dans nos chambres bordelaises, des instants à éterniser. Ça veut dire qu’on agitait très fort, deux têtes entre les murs, nos carnets de balades et nos désillusions, jusqu’au moment où ça ressemblait à de la musique, qu’on enregistrait.

Parfois ce n’était plus du rock mais ça venait d’ici.

Des copains d’aventure sont venus se joindre à l’expédition. On a grimpé à notre rythme, « Volcan de plume », notre premier EP. Et le volcan la pété en numérique, au début de l’année 2019.

Pour l’instant et à l’avenir, Lili Marleen explore la meilleure façon de vous faire gesticuler : en live très probablement ; à l’intérieur d’un transducteur électroacoustique et d’un écran, pourquoi pas.

« La poésie peut se passer des illusions, le rock’n’roll fricoter avec les belles paroles, la phrase tanguer sur le fil de riffs acérés et l’espoir parfois se teinter de noir. Qu’importe… Lili Marleen est un mot de passe pour oreilles exigeantes et non domptées. » 

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Lili Marleen « Volcan de plumes » EP

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September 22, 2017

Neeru « The Tales of The Feather » EP. La musique de Neeru est un cours d’eau, affluent intrépide et toujours en mouvement. Elle prend sa source dans une une électro pop élégante et moderne, baignée de culture geek et de littérature contemporaine.

Depuis 2017, Neeru est devenu le terrain de jeu favori de Jérémie Voin, compositeur bordelais à l’origine du projet. Inspiré par des artistes comme M83, Junkie XL, Justice, L’Age d’Or ou Sufjan Stevens, il construit discrètement un pont entre musique urbaine et classique.

La musique de Neeru se caractérise par des mélodies accrocheuses, des arrangements électroniques complexes. Mais aussi des paroles poétiques qui abordent des thèmes universels tels que l’amour, la perte et l’introspection. Neeru a rapidement gagné en popularité sur la scène musicale indépendante attirant l’attention des critiques et des fans de toute la région bordelaise et au-delà.

Le groupe a sorti 2 EPs à succès et des covers acclamés par la critique. Leur son novateur et captivant continue de les propulser sur le devant de la scène de la musique electro-pop. Dès lors, cela leur a valu une base de fans dévouée. Neeru représente l’avant-garde de la musique pop-électro contemporaine, repoussant les frontières sonores et captivant les auditeurs avec leur son unique et envoûtant.

| Pour info | Le groupe n’est plus. A présent, Jérémie Voin aka Jay Rolland s’est tourné vers un autre projet : « Salut ! Je suis compositeur à l’esprit cinématographique. En tant que percussionniste, batteur et pianiste, mon univers musical est vaste mais je suis depuis longtemps passionné par les musiques de films. Je produis une musique orchestrale et cinématographique, mélangée à des éléments électroniques de design sonore, pour correspondre à tous types de médias ou simplement pour le plaisir d’une écoute occasionnelle. »

Je vous invite à découvrir sur les plateformes son nouvel univers :

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Jeanadou « Ballades sereines » Album. Pianiste depuis l’enfance, la musique m’a toujours transportée vers des paysages intérieurs dans lesquels le rêve, la douceur et la sérénité me touchaient

Ayant une formation de professeur de musique et de musicothérapeute, j’ai constaté que certaines harmonies avaient souvent de l’effet sur le bien-être des personnes. Les vibrations nées des accords pénètrent notre espace corporel et sensoriel.

Finalement, j’ai eu envie d’exprimer ce que je ressentais. C’est ainsi que j’ai composé deux album de douze titres chacun.

Le premier s’intitule « Cheminement » et le second « Ballades sereines »exposé ici-même dont vous retrouverez les liens d’écoute menant aux différentes plateformes de streaming. Les titres ont été trouvées lors de l’audition de ces morceaux par une personne qui m’est chère… J’ai choisi la tonalité et une rythmique différentes pour chacune des ces musiques. Les mélodies ont ensuite découlé d’elles mêmes…

Je vous souhaite un moment d’évasion et de sérénité.

Jeanadou

Découvrez le premier album de Jeanadou composé de douze chansons aux titres évocateurs « Cheminement« 

https://www.fppa.fr/piano/jeanadou-cheminement-album/

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Melody Colomes « Valerie » Cover. Amy Winehouse, une icône de la musique soul et jazz, a marqué le paysage musical avec sa voix puissante et émotionnelle. Née le 14 septembre 1983 à Londres, elle a rapidement captivé le public avec son talent exceptionnel. Mais sa vie personnelle tumultueuse a également fait les gros titres.

L’une de ses chansons les plus emblématiques est Valerie, une reprise du groupe The Zutons. La version d’Amy Winehouse, sortie en 2007, a instantanément conquis les auditeurs avec son mélange unique de soul, de jazz et de R&B. La chanson met en valeur la voix distinctive d’Amy, riche en émotion. Mais aussi sa capacité à transmettre des sentiments complexes à travers sa musique.

Valerie est une ode à une personne spéciale, une amie ou peut-être une ancienne amoureuse. Les paroles reflètent le chagrin, le regret et l’espoir, créant une atmosphère poignante et captivante. La chanson capture l’essence de l’âme d’Amy Winehouse, avec sa voix éraillée et passionnée qui donne vie à chaque mot.

La collaboration entre Amy Winehouse et Mark Ronson, qui a produit la chanson, a abouti à un chef-d’œuvre musical intemporel. La combinaison du style rétro et du talent brut a fait de Valerie un succès mondial, atteignant les sommets des classements musicaux dans de nombreux pays.

Malheureusement, la carrière d’Amy Winehouse a été émaillée par des luttes contre la toxicomanie et des problèmes personnels. Ce qui a tragiquement abouti à sa mort prématurée en 2011 à l’âge de 27 ans. Cependant, son héritage perdure à travers sa musique. Ainsi, »Valerie demeure un témoignage éclatant de son génie artistique et de son impact indélébile sur l’industrie musicale.

Découvrez le profil Smule de Melody Colomes

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Melody Colomes « Valerie » Cover

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Megabin « Pity Party » Cover. C’est une chanson captivante de Melanie Martinez qui plonge l’auditeur dans un monde d’émotions complexes et de mélodies accrocheuses. Sortie en 2015, cette chanson fait partie de l’album « Cry Baby », où Melanie Martinez explore des thèmes tels que l’innocence perdue, la découverte de soi et les luttes intérieures.

La chanson débute par une atmosphère légère et enfantine, caractéristique du style distinctif de Melanie Martinez. Les premières notes évoquent une fête d’anniversaire, avec des ballons et une atmosphère festive. Cependant, l’ambiance change rapidement à mesure que les paroles révèlent une réalité plus sombre. Melanie chante avec une voix douce et mélodieuse, exprimant le sentiment de solitude et de déception lorsqu’elle réalise que personne n’est venu à sa fête.

Les paroles de « Pity Party » explorent la notion de la déception sociale, évoquant des sentiments de rejet et d’isolement. Melanie Martinez utilise des métaphores ingénieuses, comparant sa fête d’anniversaire déserte à sa vie sentimentale. Elle dépeint l’expérience universelle de se sentir ignoré et non apprécié, créant ainsi une connexion émotionnelle avec l’auditeur.

Le titre lui-même, « Pity Party » (fête de la pitié), suggère une célébration teintée d’une certaine tristesse. La chanson aborde la tendance humaine à s’apitoyer sur soi-même, mais elle le fait avec une touche d’ironie et d’autodérision. Melanie Martinez équilibre habilement des éléments sombres avec des mélodies accrocheuses, créant une expérience auditive qui invite à la réflexion tout en restant entraînante.

En conclusion, « Pity Party » de Melanie Martinez est bien plus qu’une simple chanson pop. Elle offre une exploration émotionnelle profonde, alliant des paroles poignantes à une instrumentation captivante. Cette œuvre artistique témoigne du talent de Melanie Martinez pour créer une musique qui transcende les genres tout en explorant les complexités de l’expérience humaine.

Soundcloud

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Megabin « Pity Party » Cover

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Lady Gaga est une artiste américaine renommée, célèbre pour sa créativité et son style excentrique. Née Stefani Joanne Angelina Germanotta le 28 mars 1986 à New York, elle a rapidement conquis le monde de la musique. Et de la pop culture grâce à son talent exceptionnel et sa personnalité unique.

L’une de ses chansons emblématiques est « Poker Face », sortie en 2008 sur son premier album « The Fame ». Cette chanson a instantanément captivé l’attention du public avec son mélange irrésistible de pop énergique et de beats dance. Les paroles de « Poker Face » évoquent le jeu de l’amour et des relations. Jouant habilement sur le double sens du terme « poker face » qui signifie à la fois garder un visage impassible et dissimuler ses émotions.

La chanson a été un succès mondial, atteignant les sommets des classements musicaux dans de nombreux pays. Elle a également reçu des éloges de la part des critiques, saluant l’ingéniosité des paroles et la production soignée. Le vidéoclip de la chanson est réalisé par Ray Kay. Il met en scène Lady Gaga dans des tenues extravagantes et des décors futuristes, renforçant ainsi son image d’artiste avant-gardiste.

« Poker Face » a été un véritable tournant dans la carrière de Lady Gaga, la propulsant au rang de superstar internationale. Elle a su se démarquer par son style audacieux, ses performances scéniques mémorables et son engagement en faveur de l’acceptation de soi et de l’expression artistique.

Au fil des années, Lady Gaga a continué d’explorer de nouveaux horizons musicaux. Elle passe du pop au jazz, en passant par l’électro et le rock. Son influence sur la scène musicale contemporaine demeure indéniable. Sa créativité continue d’inspirer de nombreux artistes à travers le monde.

> Soundcloud

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Leeloo and Co « Poker Face » Single

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Leeloo and Co « American Boy » Cover de l’artiste Estelle, en collaboration avec Kanye West. Cette chanson, sortie en 2008, a rapidement conquis les charts du monde entier. Et ce grâce à son mélange unique de pop, de R&B et de hip-hop.

« American Boy » raconte l’histoire d’une femme qui rêve de rencontrer un « garçon américain » et de vivre une aventure excitante avec lui. Les paroles dépeignent une atmosphère d’excitation et d’anticipation. Tout en exprimant le désir de découvrir la culture américaine à travers les yeux de quelqu’un qui en est originaire. Estelle chante avec énergie et une certaine insouciance, capturant l’essence de l’aventure et de l’attraction internationale.

La collaboration avec Kanye West ajoute une dimension supplémentaire à la chanson. Le rap caractéristique de West complète parfaitement le style de pop-soul d’Estelle. Sa présence dans la chanson apporte un élément de charme et d’assurance qui s’harmonise bien avec le thème de l’histoire.

La production musicale de « American Boy » est également remarquable. Les rythmes entraînants et les mélodies accrocheuses créent une ambiance festive et invitante. Les arrangements musicaux réfléchissent la diversité des influences musicales présentes dans la chanson. Créant ainsi une expérience sonore riche et agréable.

La chanson a été un succès commercial, remportant plusieurs récompenses. Dont un Grammy Award en 2009 pour la meilleure performance vocale R&B féminine. « American Boy » a laissé une empreinte durable dans l’industrie musicale et est souvent rappelée comme une chanson emblématique de la fin des années 2000.

En conclusion, « American Boy » d’Estelle, avec la collaboration de Kanye West, est une chanson qui transcende les frontières musicales et culturelles. Son mélange de genres, son énergie contagieuse et son charme universel en font un morceau intemporel qui continue d’inspirer et de divertir les auditeurs du monde entier.

Facebook de Leeloo and Co

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Leeloo and Co « American Boy » Cover

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Looking Up est un quartet de Jazz-rock ou jazz-fusion se composant de Benoit Arveiler (saxophone alto et soprano), Antoine Tabarin (claviers), Philippe Kudra (basse électrique) et Yaël Mothes (batterie). Tous les quatre étant tombés très tôt dans la marmite du jazz électrique…

Constitué dans les années 2000, Looking Up puise dans les standards du jazz-fusion des années 70 à 90. Epoque de créativité musicale encore toute proche durant laquelle les jazzmen s’invitaient régulièrement dans les “Hits”. Dans la tradition du jazz, Looking Up s’approprie et réinterprète les originaux des grandes figures de la « fusion ». Telles que Miles Davis (plugged), Yellow Jackets, Herbie Hancock, Billy Cobbham, David Sanborn, Larry Carlton, les Crusaders…

Looking Up participe ainsi à l’animation de la scène jazz bordelaise et de Gironde depuis une vingtaine d’années. Ils se produisent dans différents clubs et salles de jazz (Thélonious, Amadeus, Lambarzique, Le Baryton, Station Ausone..). Mais aussi participent à divers évènements tels que le festival Ciné Jazz de Seignosse ou le « off » des 24 heures du swing de Monségur …

En 2022, Looking Up propose un répertoire « Tribute to Steps Ahead » basé sur les morceaux de ce groupe mythique fondé par Mike Mainieri. Et issu des sessions qui avaient lieu au club New Yorkais de Michael Brecker sur la septième avenue. Un répertoire qui a fortement marqué l’histoire du jazz-rock par ses couleurs et son contenu mélodique et qui a su entrainer dans son sillon un large public.

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Looking Up « Summertime » Single

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Seven-Pointed Star « Become a Lion » EP. Début 2010, Leslie et Seb commencent à composer en home studio une musique issue de leur culture commune pop/rock, mûrie par leurs expériences respectives.

Ainsi, Le son produit, efficace et dynamique, associe riffs stoner et beats électro pop. Sous l’influence des Ting Tings ou d’Awolnation, les titres se succèdent. Dès lors, la formation live naît avec l’arrivée de Yaël « Grave Clave » Mothes à la batterie fin 2012. En effet, on lui voit un jeu puissant, une frappe incroyable. A tel point qu’on le surnommait l’homme qui valait les 120dB+ haha

Sur Become a Lion, cinq titres vont voir le jour sorti du studio de la maison des arts vivants de Villenave d’Ornon dans le magnifique parc Sourreil de la ville. Ainsi, on retrouve « Become a Lion« , le titre éponyme; survolté et énergisé avec de la testostérone en barre. Par ailleurs, « Only the Start » que vous pourrez voir en version lyrics video un peu plus bas sur cette page. Et enfin Never Lost, A Sweet Melody et Obsession dont vous pourrez voir un extrait du live à la Rock School Barbey en 2014 lors d’un tremplin. A ce jour, il faut souligner que ce groupe n’est plus…

Bandcamp de Seven-Pointed Star

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Hap BaZard « BaZard » EP. Ce disque est sorti tout droit de l’imagination et des passions de trois musiciens pour les instruments étranges. Hap Bazard veut vous faire voyager dans le temps. Quelle époque ? Mystère… Les cornemuses, pianos carrés, flûtes etc. vous feront découvrir des musiques britanniques intemporelles, teintées de traditions et d’influences savantes.

Musiciens :

Mickaël COZIEN

Mickaël Cozien est né en 1973 à Brest. Issu du Centre Breton d’Art Populaire de Brest¹, il fait ses premières armes au Bagad Plougastell. Puis à la Kevrenn Brest-Sant-Mark, dont il dirige alors le pupitre cornemuse. Entre 1988 et 1993, il remporte les principaux concours de soliste de cornemuse écossaise en Bretagne.

Depuis 1994 il se consacre principalement à la scène au sein des troupes Triskell (1994), David Pasquet Group (2005). Mais encore Wig A Wag (2006), et avec le chanteur Denez Prigent de 1998 à 2007². Il participe également à de nombreux enregistrements avec des chanteurs tels que Gilles Servat, Laurent Voulzy, Alpha Blondy, Gwennyn…

Avec ces différents groupes, il participe à de nombreux festivals : Vieilles Charrues, Francofolies. Paléo Festival, Tombées de la nuit. Transmusicales, Festival de Cornouaille, Festival interceltique de Lorient. En plus, il joue sur les plus grandes scènes : Stade de France, Bercy, Zénith, La Cigale, Bataclan…

Il explore différents univers musicaux : traditionnel (Triskell, Aquitaine Highlanders Pipe Band³). Electro (RO3). Rock (David Pasquet Group), world (Wig A Wag). Rap (Manau) et dernièrement musique ancienne Les Witches⁴ et le groupe Hap Bazard⁵. Il est souvent invité dans des ensembles de musique classique. Mais également contemporaine comme Les Siècles, l’Orchestre de Bretagne, Ars Nova et Erwan Keravec⁶.

Mickaël Cozien est également très intéressé par l’enseignement. C’est ainsi qu’en 2006, il obtient son DE (Diplôme d’État) de musiques traditionnelles. En second lieu, en 2011, son CA (Certificat d’Aptitude) de musiques traditionnelles. Aujourd’hui, il enseigne à Villenave d’Ornon.

https://fr.wikipedia.org/wiki/Mickaël_Cozien

Aurélien DELAGE

Lauréat de trois premiers prix avec distinction au CNSMD de Paris, Aurélien est claveciniste,
organiste et fûtiste. Cette polyvalence lui permet d’évoluer au sein de nombreux ensembles. Tout en menant une importante activité de soliste et de pédagogue en France et à l’étranger. Il a toujours rêvé de jouer de la musique traditionnelle.

http://aureliendelage.com

Céline COZIEN

Céline commence la fûte à bec et la cornemuse écossaise à Brest. Avant de sillonner l’ouest de la France et Paris pour se perfectionner et étudier la musicologie. Elle enseigne au CRR de Bordeaux. Traditionnel ou baroque ? Elle a décidé de ne pas choisir.

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Hap BaZard « BaZard » EP

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Yaël Grave Clave Mothes · Looking Up Cantaloupe Island Cover

Yaël Grave Clave Mothes · Looking Up Mambo Koyama Cover

Looking Up est un quartet de Jazz-rock ou jazz-fusion se composant de Benoit Arveiler (saxophone alto et soprano), Antoine Tabarin (claviers), Philippe Kudra (basse électrique) et Yaël Mothes (batterie). Tous les quatre étant tombés très tôt dans la marmite du jazz électrique…

Constitué dans les années 2000, Looking Up puise dans les standards du jazz-fusion des années 70 à 90. Epoque de créativité musicale encore toute proche durant laquelle les jazzmen s’invitaient régulièrement dans les “Hits”. Dans la tradition du jazz, Looking Up s’approprie et réinterprète les originaux des grandes figures de la « fusion ». Telles que Miles Davis (plugged), Yellow Jackets, Herbie Hancock, Billy Cobham, David Sanborn, Larry Carlton, les Crusaders…

Looking Up participe ainsi à l’animation de la scène jazz bordelaise et de Gironde depuis une vingtaine d’années. Ils se produisent dans différents clubs et salles de jazz (Thélonious, Amadeus, Lambarzique, Le Baryton, Station Ausone..). Mais aussi participent à divers évènements tels que le festival Ciné Jazz de Seignosse ou le « off » des24 heures du swing de Monségur …

En 2022, Looking Up propose un répertoire « Tribute to Steps Ahead » basé sur les morceaux de ce groupe mythique fondé par Mike Mainieri. Et issu des sessions qui avaient lieu au club New Yorkais de Michael Brecker sur la septième avenue. Un répertoire qui a fortement marqué l’histoire du jazz-rock par ses couleurs et son contenu mélodique et qui a su entrainer dans son sillon un large public.

Looking Up #1 LP

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Looking Up #1 LP

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Jeanadou « Cheminement » Album. Pianiste depuis l’enfance, la musique m’a toujours transportée vers des paysages intérieurs dans lesquels le rêve, la douceur et la sérénité me touchaient

Ayant une formation de professeur de musique et de musicothérapeute, j’ai constaté que certaines harmonies avaient souvent de l’effet sur le bien-être des personnes. Les vibrations nées des accords pénètrent notre espace corporel et sensoriel.

Finalement, j’ai eu envie d’exprimer ce que je ressentais. C’est ainsi que j’ai composé deux album de douze titres chacun.

Le premier s’intitule « Cheminement » exposé ici même et le second « Ballades sereines ». Les titres ont été trouvées lors de l’audition de ces morceaux par une personne qui m’est chère… J’ai choisi la tonalité et une rythmique différentes pour chacune des ces musiques. Les mélodies ont ensuite découlé d’elles mêmes…

Je vous souhaites un moment d’évasion et de sérénité.

Jeanadou

Ecoutez le second album de Jeanadou « Ballades sereines » :
https://www.fppa.fr/piano/jeanadou-ballades-sereines-album/

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Bolster Underline « #1 » single. Bolster Underline est un groupe de musique originaire de Bordeaux. Il a fait revivre l’énergie exubérante et festive du New-Orleans, du Dixieland et du Jazz des années 10 et 20. Fondé par quatre amis professeurs de musique, passionnés de musique rétro, le groupe s’est rapidement imposé comme un acteur majeur de la scène jazz de la région.

Les Membres :

• Vincent Darribère (clarinette) : Émile est le virtuose de la bande, avec son jeu de trompette étincelant qui transporte instantanément les auditeurs dans l’ambiance effervescente du Jazz des années folles.
• Jérôme Carré (trombone) : Le trombone enjoué de L Héhé apporte une touche mélodique distinctive au son de Bolster Underline, créant des harmonies qui évoquent l’esprit enjoué de l’époque.
• Pierre « Le Pilier » Cresson (banjo et guitare) : Pierre est le maître des rythmes qui fait vibrer les cordes avec une énergie contagieuse, créant une toile solide sur laquelle repose l’ensemble du groupe.
• Yaël « Grave Clave » Mothes « La Marteau » (washboard) : Yaya donne le ton avec ses rythmes dynamiques, apportant une pulsation frénétique qui entraîne le public dans un tourbillon de mouvement et de danse.
• David « Le p’tit dernier » Bonnet (trompette) : ben, on l’a pas encore testé.

La Montée en Puissance :

En quelques années seulement, Bolster Underline a conquis les scènes locales avec son répertoire entraînant et son interprétation passionnée des classiques du jazz. Le groupe s’est rapidement forgé une solide réputation pour ses performances électrisantes. En effet, ces dernières invitent le public à se plonger dans l’énergie débordante de l’époque.

Les Enregistrements :

En 2018, Bolster Underline a sorti deux premiers titres. Ainsi, ces derniers ont reçu des éloges pour son authenticité et son interprétation fidèle du style musical de l’époque. Les titres tels que « Les roses de Picardie » et « Bill Bailey » ont rapidement conquis les aficionados du jazz vintage.

Les Festivals et Tournées :

Le groupe a également eu l’opportunité de se produire dans de nombreuses soirées et festivals de jazz dans la région bordelaise. Faisant vibrer les foules avec leur énergie contagieuse et leur répertoire captivant.

Aujourd’hui, Bolster Underline continue de faire battre les cœurs… Avec leur musique enjouée et leur énergie débordante. Ils sont devenus les gardiens du jazz des années folles. Ils transportent leur public dans une époque révolue tout en lui offrant une expérience musicale inoubliable et festive.

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Bolster Underline « #1 » single

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Neeru feat. Psykatrices « Peine Perdue » Single. La musique de Neeru est un cours d’eau, affluent intrépide et toujours en mouvement. Elle prend sa source dans une une électro pop élégante et moderne, baignée de culture geek et de littérature contemporaine.

Depuis 2017, Neeru est devenu le terrain de jeu favori de Jérémie Voin, compositeur bordelais à l’origine du projet. Inspiré par des artistes comme M83, Junkie XL, Justice, L’Age d’Or ou Sufjan Stevens, il construit discrètement un pont entre musique urbaine et classique.

La musique de Neeru se caractérise par des mélodies accrocheuses, des arrangements électroniques complexes. Mais aussi des paroles poétiques qui abordent des thèmes universels tels que l’amour, la perte et l’introspection. Neeru a rapidement gagné en popularité sur la scène musicale indépendante attirant l’attention des critiques et des fans de toute la région bordelaise et au-delà.

Le groupe a sorti 2 EPs à succès et des covers acclamés par la critique. Leur son novateur et captivant continue de les propulser sur le devant de la scène de la musique electro-pop. Dès lors, cela leur a valu une base de fans dévouée. Neeru représente l’avant-garde de la musique pop-électro contemporaine, repoussant les frontières sonores et captivant les auditeurs avec leur son unique et envoûtant.

Qu’en est-il aujourd’hui de Neeru ?

Pour info, le groupe n’est plus. A présent, Jérémie Voin aka Jay Rolland s’est tourné vers un autre projet : « Salut ! Je suis compositeur à l’esprit cinématographique. En tant que percussionniste, batteur et pianiste, mon univers musical est vaste mais je suis depuis longtemps passionné par les musiques de films. Je produis une musique orchestrale et cinématographique, mélangée à des éléments électroniques de design sonore, pour correspondre à tous types de médias ou simplement pour le plaisir d’une écoute occasionnelle. »

Je vous invite à découvrir sur les plateformes son nouvel univers :

https://linktr.ee/jayrollandmusic

Discogs

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Neeru feat. Psykatrices « Peine Perdue » Single

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Burning Fight « Unity » EP. Formé dans les quartiers underground de la ville industrielle de Darmstadt en Allemagne, Burning Fight est un groupe de hard-core, metal, rock. En effetn ce dernier a rapidement fait parler de lui dans la scène musicale locale. Composé de membres passionnés par la musique et l’énergie brute de la vie urbaine, le groupe incarne la rage et la puissance de leur environnement.

Ensemble, ils créent une fusion sonore d’accords de guitare déchirants… Des lignes de basse explosives… Des rythmes de batterie frénétiques.

Leur premier EP, sobrement intitulé « Unity », a été une révélation totale. Dès lors, ils ont immédiatement attiré l’attention de la communauté musicale locale. Les morceaux comme « Round X » et « Breakpoint » ont rapidement gagné en popularité, définissant leur son agressif et énergique.

Ainsi, Burning Fight devenait un pilier des scènes locales underground. Ils enflammaient les clubs et les salles de concert des alentours avec leurs performances explosives. Leurs shows étaient connus pour leur intensité et leur interaction passionnée avec le public. Ils créaient une atmosphère d’unité et de catharsis entre les fans.

Au fil des mois, le groupe a écrit plusieurs titres. Ils ont décidé de venir en France pour enregistrer à Villenave d’Ornon avec Yaël « Grave Clave » Mothes cet EP de 3 titres « Unity ».

En Allemagne, leur réputation de groupe incendiaire et énergique a attiré l’attention de labels indépendants. Mais ils ont choisi de rester fidèles à leur indépendance artistique.

Burning Fight n’est plus. Ils représentaient la véritable essence du hard-core, metal, rock local énergique. Ancré dans leur communauté tout en continuant à élargir leur base de fans. Ils demeurent, cependant, une force puissante de la scène underground. Inspirant de nouveaux groupes et apportant une dose d’énergie brute à tous ceux qui les écoutent.

Soundcloud

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Burning Fight « Unity » EP

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Ceïba « Vent Nouveau » Single. Ceïba est née à La Rochelle dans une famille de musiciens. Elle est d’abord bercée par les musiques traditionnelles poitevines jouées par ses parents à l’accordéon. En même temps, elle est initiée au piano par sa grand-mère et sa soeur, pianiste de profession. Très vite attirée par la scène, elle prend des cours de théâtre dés l’âge de 10 ans. Elle intègre une compagnie rochelaise. Elle écrit ses premiers textes.
A 15 ans, Ceïba découvre la musique et la danse africaine et prend des cours avec Ablaye M’Baye. Elle part faire un premier stage en Afrique 2 ans plus tard. Cette nouvelle ouverture sur le monde la bouleverse.
Elle quitte sa ville natale juste après son BAC pour intégrer une formation professionnelle au C.I.A.M à Bordeaux. Elle y développe les percussions et le chant des musiques africaines et caribéennes.
En parallèle, elle suit des cours de danse sénégalaise, congolaise, béninoise et guinéenne. Surnommée alors « l’africaine blanche », elle est passionnée par les trois pôles indissociables de ces musiques : le chant, la danse et les percussions.
Dès lors, elle entre très vite dans le milieu professionnel à peine sortie de sa formation. Elle enseigne (percussion et danse) et intègre plusieurs groupes « world », avec lesquels elle se produit sur scène dés l’âge de 19 ans .
Un projet sort rapidement du lot : le duo avec la chanteuse percussionniste Natascha Rogers avec qui elle jouera une centaine de concerts. Elle enregistrera un premier disque en 2008 qui s’intitule « Départ » .
Ceïba voyage dés qu’elle en a la possibilité. Toujours à la rencontre des musiques qui la font vibrer. Elle découvre Cuba en 2010. Elle intègre à la rentrée suivante le conservatoire de Toulon où elle étudie intensément les musiques afro-cubaines et obtient deux ans plus tard son DEM mention très bien.

Solaire et aventurière, Ceïba chante la terre et ses voyages en huit langues, alliant aux influences du monde un jazz libérateur !

Des rencontres importantes

    En 2011, sa rencontre avec la pianiste et compositrice Valérie Chane Tef l’ouvre vers d’autres musiques et donne naissance à son nouveau projet. Mêlant jazz, compositions et musiques traditionnelle, racontant au spectateur attentif mille et une anecdotes de ses voyages. Elle livre sur scène tout son parcours d’artiste, riche et intense.
Un premier album en quartet avec Franck Leymerégie et Jeremy Pagis sort en avril 2014. Il est présenté au Rocher Palmer (Cenon-650 places) en première partie de Rokia Traoré. Après quarante minutes de spectacle, la salle comble se lève… Comme un seule homme !! Une standing ovation de plusieurs minutes qui marque les esprits.

Depuis 1 an, le spectacle tourne surtout en gironde mais commence à franchir les frontières du département. Avec le soutient de l’IDDAC, du Conseil Général et de la mairie de Bordeaux, plusieurs résidences et une trentaine de concerts suivent la sortie de ce disque .
Aujourd’hui, une tournée en Aquitaine et en Poitou Charente sont à venir. Un projet de tournée en Afrique est en cours. De nouvelles compositions sont en construction…

Site web de Ceïba

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Ceïba « Vent Nouveau » Single

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Looking Up est un quartet de Jazz-rock ou jazz-fusion se composant de Benoit Arveiler (saxophone alto et soprano), Antoine Tabarin (claviers), Philippe Kudra (basse électrique) et Yaël Mothes (batterie). Tous les quatre étant tombés très tôt dans la marmite du jazz électrique…

Constitué dans les années 2000, Looking Up puise dans les standards du jazz-fusion des années 70 à 90. Epoque de créativité musicale encore toute proche durant laquelle les jazzmen s’invitaient régulièrement dans les “Hits”. Dans la tradition du jazz, Looking Up s’approprie et réinterprète les originaux des grandes figures de la « fusion ». Telles que Miles Davis (plugged), Yellow Jackets, Herbie Hancock, Billy Cobbham, David Sanborn, Larry Carlton, les Crusaders…

Looking Up participe ainsi à l’animation de la scène jazz bordelaise et de Gironde depuis une vingtaine d’années. Ils se produisent dans différents clubs et salles de jazz (Thélonious, Amadeus, Lambarzique, Le Baryton, Station Ausone..). Mais aussi participent à divers évènements tels que le festival Ciné Jazz de Seignosse ou le « off » des24 heures du swing de Monségur …

En 2022, Looking Up propose un répertoire « Tribute to Steps Ahead » basé sur les morceaux de ce groupe mythique fondé par Mike Mainieri. Et issu des sessions qui avaient lieu au club New Yorkais de Michael Brecker sur la septième avenue. Un répertoire qui a fortement marqué l’histoire du jazz-rock par ses couleurs et son contenu mélodique et qui a su entrainer dans son sillon un large public.

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Looking Up « Double Mud » Double Single

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Mister D & Friends « #1 » EP

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Il y a quelques années, Philippe Gauffre, chef étoilé, m’a demandé de composer des musiques sur ses plats. J’acceptai avec fierté, excitation, orgueil et… inconscience cette gourmande proposition.

Après le vertige onctueux qui précède les travaux d’un genre nouveau, je me suis délicieusement plongé dans cet univers de saveurs délicatement épicées pour vous proposer ces 12 plats à déguster avec les oreilles…..et le cœur.

Les musiques sont enregistrées,3 bonus ont été rajoutés, c’est cadeau. Il est quasiment l’heure de passer à table !

2ème extrait : Canard en Pastilla

3ème extrait : La Marmite de la Mer

Les Musiques du Palais : Tracklist

1 Marmite De La Mer
2 Carrelet Rôti
3 Crème Brûlée
4 Piquillos Farcis
5 Canard En Pastilla
6 Bonbon Glacé
7 Homard Et Lapereau
8 Bœuf À La Japonaise
9 Poire Rôtie Cardamome
10 Champignons De Légumes
11 Dos De Merlu
12 Macaron De Chocolat
13 Rush En Cuisine
14 Après Les Plaisirs
15 See You Soon

Les musiques du Palais : Crédits

Enregistré à – Studio En Phase Création
Masterisé à – Flower Power Prod’ Action
Graphic Design – Romain Vayssettes
Guitar – Philippe Macherey
Keyboards – Philippe Macherey
Mastered By – Yaël « Grave Clave » Mothes
Music By – Philippe Macherey
Percussion – Philippe Macherey
Photography By – Ludovic Barba
Programmed By – Philippe Macherey
Recorded By – Bruno Menager, Pierre Revel
Compositions gourmandes : Philippe Macherey
Recettes originales : Philippe Gauffre

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Philippe Macherey « Les Musiques du Palais » Album

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Prix CoPo 2020

Un texte débordant autour de nos crues, nos alchimioles giclatoires, nos gigantuismes, où des voix d’homme, de femme et de rivière… se lâchent.
Dominique Massaut Débordements Audiobook est sorti le 2 mars 2019 à l’occasion du Festival Sémaphore à Quimperlé (Bretagne) et fera l’ouverture du FiEstival *13 reEvolution (9-12 mai 2019) le Jeudi 9 mai à 19h. C’est DÉBORDEMENTS, un projet multiple, LIVRE + CD et bien d’autres choses encore. Un projet mené de cœur de maître par Dominique Massaut avec la complicité entre autres de Laurence Vielle, Vincent Tholomé, Gauthier Keyaerts, Alain Subrebost, David Giannoni, Pierre Devalet, Yaël Grave Clave Mothes de Flower Power Prod’ Action…

Bandcamp :

Sur notre chaîne Bandcamp quelques extraits, 7 plages sur les 17 du CD qui est offert avec le livre. En librairie ce sera courant mars, mais déjà bonne écoute ! Une bouffée d’humanités…

Musiques :

Gauthier Keyaerts avec Alain Subrebost, Jean-Christophe Detrain, Stephan Ink. VOIX : DomM (D. Massaut), Laurence Vielle, David Giannoni, Vincent Tholomé, Gauthier Keyaerts, Pierre Devalet & Les Kids de Villenave-d’Ornon. ILLUSTRATIONS : Klervi Bourseul.

Durée Totale 68’ 20

1. La Rivière 3’43
2. L’homme tout seul 5’20
3. 100.000 persons 3’08
4. Consommer plus 2’36
5. Le principe 3’41
6. Toudsuite 2’38
7. Ne crie pas 2’25
8. Tu sues 2’02
9. Tout bleu 2’30
10. Additifs 6’13
11. Pesticides 4’39
12. Et les Tris… 1’24
13. Dégraissements 5’54
14. Pas me faire happer 7’40
15. 6e continent (Part 1) 4’15
16. 6e continent (Part 2) 3’08
17. La Laïta 7’08
    Petit homme…

Textes : DomM (Dominique Massaut)
Voix : DomM (D. Massaut), Laurence Vielle, David Giannoni, Vincent Tholomé, Gauthier Keyaerts, Pierre Devalet. Les Kids de Villenave-d’Ornon (Avril, Emma, Luce, Oscar, Théotime, Ivan, Zoé 1, Zoé 2/Marin, William, Arielle, Anna, Alexia, Mathis, Camille, Jeanne, Dorian, Luce, Romy, Brune, Victorine, Mei-Li, Iris-Anaïs, Lenny, Pablo, Maïa, Aéryn, Yohan, Xavier)
Composition et interprétation des musiques : Gauthier Keyaerts avec Alain Subrebost, Jean-Christophe Detrain, Stephan Ink
Construction poéticosonore & narrative de l’album : DomM
Poétique des sons : Gauthier Keyaerts
Montage & mixage : Pierre Devalet, Gauthier Keyaerts, Dominique Massaut. Alain Subrebost (1)
Mixage et mastering : Piere Devalet. Yael Mothes (8)
Enregistrements (entre Mai 2016 et Janvier 2019) : Studio municipal de Villenave-d’Ornon (Gironde, France)/Alain Subrebost (La Coquille, Fr)/Pierre Devalet (Bxl, Be)
Pressage : MJK

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Dominique Massaut Débordements Audiobook

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www.jademorisson.fr

Deux titres exquis

Jade Morisson « Dans mes mains » single. Jade est auteur-compositeur-interprète. Sa voix révoltée, au bord de la brisure, n’en finit pas d’électriser ses mots. Jade monte sur scène comme en urgence avec des chansons à textes rageuses et sous tension.
Après des mois de recherche et d’imprégnation et une future résidence à l’Inox, Jade Morisson reprend, en 2016, une quinzaine de chansons de Barbara, accompagnée de lectures d’extraits de ses mémoires interrompues et de textes de chansons.

Quelques mots sur Barbara :

Barbara, de son vrai nom Monique Andrée Serf, était une chanteuse et compositrice française née le 9 juin 1930 à Paris. Elle fut l’une des figures emblématiques de la chanson française du XXe siècle. Son style musical était caractérisé par des textes poétiques et introspectifs. Ils étaient accompagnés d’une voix à la fois grave et émouvante.

Dès son plus jeune âge, Barbara montra un intérêt marqué pour la musique, apprenant le piano et le chant. Elle débuta sa carrière dans les cabarets parisiens, où elle se fit remarquer par son talent singulier. En 1957, elle sortit son premier album, et rapidement, sa réputation grandit, attirant un public fidèle.

Barbara avait cette capacité à raconter des histoires poignantes à travers ses chansons, abordant des thèmes tels que l’amour, la solitude et les tourments de l’âme humaine. Ses titres les plus célèbres incluent « L’aigle noir », « Ma plus belle histoire d’amour c’est vous » et « Nantes ».

Au fil de sa carrière, Barbara travailla avec de nombreux artistes renommés et se produisit sur des scènes prestigieuses à travers le monde. Egalement femme engagée, elle s’impliquait dans des causes sociales et humanitaires.

Barbara s’éteignit le 24 novembre 1997 à l’âge de 67 ans, laissant derrière elle un héritage musical indélébile. Sa musique continue d’inspirer et de toucher des générations de mélomanes, faisant d’elle une icône intemporelle de la chanson française.

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Le bruit plutôt que la pose

Il y a des albums qui cherchent à paraître importants. Des albums qui s’enferment dans la démonstration ou dans une forme de sérieux permanent. Phoque !, lui, choisit exactement l’inverse.
Le nouvel album de Les Voisins D’en Face préfère le mouvement, le bruit, les copains et les refrains fédérateurs. Il préfère les vannes qui débordent et cette énergie profondément collective qui appartient aux vrais disques de rock festif.

Mais derrière l’humour, les accélérations et le chaos apparent, Phoque ! cache aussi quelque chose de plus touchant qu’il n’y paraît. Les meilleurs albums de rock festif ont souvent cette capacité très particulière à parler des galères du quotidien sans jamais écraser l’auditeur sous le poids du monde. Ils transforment la fatigue en énergie, les désillusions en refrains et les lendemains compliqués en raisons supplémentaires de continuer à faire du bruit ensemble.

Et c’est précisément ce que réussissent Les Voisins D’en Face.

Des chansons faites pour être vécues

Dès les premiers morceaux, une chose saute aux oreilles : Phoque ! est un album pensé pour être vécu à plusieurs. Tout y respire la scène, les salles pleines, les bars et les festivals d’été. On imagine immédiatement les refrains repris un peu faux, les verres qui s’entrechoquent et les corps qui bougent ensemble dans une euphorie joyeusement désordonnée.

Le groupe bordelais joue un rock vivant, généreux et immédiat. Pas un rock froidement efficace ou calibré pour les playlists. Un rock profondément humain, porté par des accélérations soudaines, des mélodies simples mais redoutablement accrocheuses et des textes qui avancent constamment entre humour et observation sociale. Et surtout, on sent partout le plaisir évident de jouer ensemble.

C’est probablement ça qui rend Phoque ! aussi attachant : on entend constamment le groupe sourire derrière les amplis.

L’héritage du rock festif français

Impossible de ne pas penser à toute une tradition du rock français populaire en écoutant l’album. Il y a évidemment quelque chose des Les Wampas dans cette manière de mêler absurdité, tendresse et autodérision sans jamais casser l’énergie générale des morceaux. On retrouve aussi des traces de Mano Negra dans le goût du collectif et cette impression permanente que la musique doit avant tout rester physique et vivante.

Mais Les Voisins D’en Face évitent intelligemment le piège du revival nostalgique. Phoque ! ne cherche jamais à reproduire mécaniquement le rock alternatif français des années 80 ou 90. Le groupe garde au contraire quelque chose de très actuel dans sa manière de raconter les petites déroutes du quotidien, les fatigues modernes, les relations bancales et cette étrange sensation de continuer à avancer dans un monde de plus en plus absurde.

Le désordre comme énergie

Ce qui fonctionne particulièrement bien dans l’album, c’est cette impression permanente de mouvement. Les morceaux semblent constamment sur le point de déraper sans jamais totalement perdre le contrôle. Le saxophone joue énormément dans cette sensation. Il apporte du relief, du désordre et une chaleur immédiate qui donne aux morceaux une vraie couleur populaire et festive.

On imagine parfaitement les cuivres débarquer au milieu d’un refrain déjà lancé à pleine vitesse pendant qu’une salle entière reprend les paroles en hurlant.

Et pourtant, malgré cette énergie très festive, l’album ne devient jamais une simple succession de morceaux à boire. Derrière la déconne, il y a toujours une fatigue discrète, un regard légèrement désabusé sur le quotidien et cette conscience diffuse que le temps passe plus vite qu’avant.

Mais plutôt que de sombrer dans le cynisme, Les Voisins D’en Face choisissent le mouvement. Continuer à jouer. Continuer à rire. Continuer à faire du bruit tant qu’il reste encore des gens pour le partager.

Le rock des gens normaux

L’une des grandes qualités de Phoque !, c’est aussi sa proximité immédiate. Les morceaux donnent souvent l’impression de parler des copains, des soirées ratées, des discussions de comptoir ou des histoires d’amour un peu foireuses qui finissent toujours par devenir de bons souvenirs une fois racontées entre amis.

Et c’est probablement ce qui rend le disque aussi sincère.

Les Voisins D’en Face ne cherchent jamais à transformer leurs personnages en héros romantiques ou en grandes figures de rébellion. Ce sont surtout des gens fatigués, un peu paumés parfois, mais toujours vivants. Des gens qui continuent malgré tout à transformer leurs petites catastrophes personnelles en énergie collective.

Cette humanité traverse tout l’album. Même les morceaux les plus absurdes gardent quelque chose de profondément tendre. Comme si le groupe refusait absolument de devenir cynique.

Un disque qui appelle la scène

Et au fond, Phoque ! fonctionne surtout parce qu’il sent le live du début à la fin.

Tout dans l’album semble pensé pour les salles moites, les balances approximatives, les refrains gueulés trop fort et cette euphorie particulière des concerts où tout le monde finit par chanter ensemble même sans connaître parfaitement les paroles.

Le disque ne cherche jamais la perfection technique. Il cherche plutôt l’élan, le partage et cette sensation très rare aujourd’hui d’écouter un groupe qui joue réellement ensemble plutôt qu’une production entièrement verrouillée par ordinateur.

Et cette spontanéité fait énormément de bien.

La fête comme résistance

Au fond, Phoque ! parle surtout d’une chose très simple : continuer malgré tout. Continuer à rire, continuer à faire la fête et continuer à créer du collectif dans une époque qui pousse de plus en plus chacun à rester seul dans son coin.

Et dans un paysage musical souvent obsédé par l’image, la performance ou le calcul, cette générosité devient presque une forme de résistance instinctive.

Les Voisins D’en Face rappellent surtout que le rock festif peut encore être drôle, vivant, sincère et profondément humain sans jamais perdre son énergie.

Phoque ! n’est peut-être pas un disque parfait.
Mais c’est exactement le genre d’album dont on ressort avec l’envie immédiate d’appeler quelques amis, d’ouvrir une autre bière et de repousser encore un peu l’heure de rentrer chez soi.

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Phoque : La fête cabossée des jours ordinaires

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Les Voisins d’en Face, c’est le côté potaches des Sex Pistols, un sax à La Béru en plus. Comme ils l’expliquent eux même, ce sont des : « chansons à hurler sous la douche (quand il n’y a plus d’eau chaude) ». Tout est dit ou presque si ce n’est qu’avec deux albums en 15 ans, les bordelais n’inondent pas le marché !

En revanche, que ce soit pour le premier album enregistré avec Fred Foulquier ou le second enregistré dans les vignes de Saint Emilion, ils le font en français. Avec humour et talent, accordant également à l’artwork une attention toute particulière. L’illustration façon BD en noir et blanc de l’album « Tout va bien » en est une éblouissante preuve.

Une musique rageuse, teigneuse, beaucoup d’humour, le nouvel album de ce groupe  d’origine bordelaise est véritablement décoiffant ! Un rock à la fois nerveux et plein de bonne humeur,  au travers duquel il nous parle avec légèreté et humour, tant de l’angoisse fébrile de tout artiste face à la fameuse page blanche, que de la nostalgie des années 80, mais aussi du chômage, de ces moments de vie ou tout n’est pas toujours idyllique.

Dans leurs chansons Les années 80, Les Voisins affichent autant leurs références musicales ( Noir Désir, les Wampas, les Vrp, la Mano Negra, les Souris Déglingués) que le spleen des années folles… Internet, la TNT, les mp3 n’existaient pas, ainsi que les acteurs qui les ont marqués : Patrick Sabatier, Yannick Noah, Gold, Image, Gilbert Montagné, Plastick Bertrand, Jeanne Mas, « Fofie Favier », Desproges et Coluche… Mais aussi les héroïnes de ces séries qui ont marqué la jeunesse de bon nombre d’entre nous.

Ils dépeignent également les vicissitudes du quotidien, notamment avec les chansons ” Un jour sans “. Ces jours où rien ne va. Où l’on a juste envie de rester enfermés  et de tout casser. Et évidemment ces histoires d’amours qui finissent mal et qui nous enragent dans leur titre “Le casse du siècle”. Enfin, leur titre Winnie l’ourson montre plus que les autres leur côté délirant. Le groupe célèbre ici l’ancienne gloire de ce héros des tout-petits devenu fauché qui aujourd’hui tente de revenir et de prendre sa vengeance.

Musicalement inspirés de Trust, AC-DC, Foo Figthers, les Béruriers Noirs évidement, Les Voisins d’en face affichent des rythmiques vives et des mélodies impétueuses. Comme dans leur chanson Tellement mieux, aux riffs accrocheurs qui rappelent parfois même Offsprings. De même, le titre Combien tu m’aimes, entre guitare hargneuse et fulminante rage et mélodie pleine de folie nous remémore l’esprit des Garçons Bouchers. 

Quand tu Bouges, affiche quant à elle en plus de l’humour, une douce frénésie, comme un doux vent de démence. A noter, quelques bons arrangements insérant saxophone et térémine au sein du groupe. Et le tout parfaitement équilibré ! De manière globale, l’album s’ouvre et se clos sur des répliques de la fameuse série, Lucile Amour et Rock’n’Roll. Ce qui marque d’autant plus le côté décalé et l’humour premier degré de ce groupe bordelais.

En outre, les titres s’enchaînent tous avec beaucoup de fluidité, de continuité. Ce nouvel opus s’écoute donc très facilement et agréablement. Des voisins certes survoltés, délurés et bruyants, mais surtout un groupe festif, energique sans non plus être trop brutal.

Bref, un bon petit rock punk ravageur sur lequel on prend plaisir à sauter, crier, se défouler, se décoiffer !!

Discogs

Les Voisins D’en Face « Phoque! » Album

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Batterie par Yaël « Grave Clave » Mothes

Les Voisins d’en Face, c’est le côté potaches des Sex Pistols, un sax à La Béru en plus. Comme ils l’expliquent eux même, ce sont des : « chansons à hurler sous la douche (quand il n’y a plus d’eau chaude) ». Tout est dit ou presque si ce n’est qu’avec deux albums en 15 ans, les bordelais n’inondent pas le marché !

En revanche, que ce soit pour le premier album enregistré avec Fred Foulquier ou le second enregistré dans les vignes de Saint Emilion, ils le font en français. Avec humour et talent, accordant également à l’artwork une attention toute particulière. L’illustration façon BD en noir et blanc de l’album « Tout va bien » en est une éblouissante preuve.

Une musique rageuse, teigneuse, beaucoup d’humour, le nouvel album de ce groupe  d’origine bordelaise est véritablement décoiffant ! Un rock à la fois nerveux et plein de bonne humeur,  au travers duquel il nous parle avec légèreté et humour, tant de l’angoisse fébrile de tout artiste face à la fameuse page blanche, que de la nostalgie des années 80, mais aussi du chômage, de ces moments de vie ou tout n’est pas toujours idyllique.

Dans leurs chansons Les années 80, Les Voisins affichent autant leurs références musicales ( Noir Désir, les Wampas, les Vrp, la Mano Negra, les Souris Déglingués) que le spleen des années folles… Internet, la TNT, les mp3 n’existaient pas, ainsi que les acteurs qui les ont marqués : Patrick Sabatier, Yannick Noah, Gold, Image, Gilbert Montagné, Plastick Bertrand, Jeanne Mas, « Fofie Favier », Desproges et Coluche… Mais aussi les héroïnes de ces séries qui ont marqué la jeunesse de bon nombre d’entre nous.

Ils dépeignent également les vicissitudes du quotidien, notamment avec les chansons ” Un jour sans “. Ces jours où rien ne va. Où l’on a juste envie de rester enfermés  et de tout casser. Et évidemment ces histoires d’amours qui finissent mal et qui nous enragent dans leur titre “Le casse du siècle”. Enfin, leur titre Winnie l’ourson montre plus que les autres leur côté délirant. Le groupe célèbre ici l’ancienne gloire de ce héros des tout-petits devenu fauché qui aujourd’hui tente de revenir et de prendre sa vengeance.

Musicalement inspirés de Trust, AC-DC, Foo Figthers, les Béruriers Noirs évidement, Les Voisins d’en face affichent des rythmiques vives et des mélodies impétueuses. Comme dans leur chanson Tellement mieux, aux riffs accrocheurs qui rappelent parfois même Offsprings. De même, le titre Combien tu m’aimes, entre guitare hargneuse et fulminante rage et mélodie pleine de folie nous remémore l’esprit des Garçons Bouchers. 

Quand tu bouges affiche, quant à elle, en plus de l’humour, une douce frénésie, comme un doux vent de démence. A noter, quelques bons arrangements insérant saxophone et térémine au sein du groupe. Et le tout parfaitement équilibré ! De manière globale, l’album s’ouvre et se clos sur des répliques de la fameuse série Lucile, Amour et Rock’n’Roll. Ce qui marque d’autant plus le côté décalé et l’humour premier degré de ce groupe bordelais.

En outre, les titres s’enchaînent tous avec beaucoup de fluidité et de continuité. Ce nouvel opus s’écoute donc très facilement et agréablement. Des voisins, certes survoltés, délurés et bruyants, mais surtout un groupe festif, énergique sans non plus être trop brutal. Bref, un bon petit rock punk ravageur sur lequel on prend plaisir à sauter, crier, se défouler, se décoiffer !!

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Les Voisins D’en Face « Phoque! » Album

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